CHINA ZORRILLA : UNA UNANIMIDAD QUE NO ES BURRA

Dicen que toda unanimidad es burra. Pero hay una al menos que no lo es : CHINA ZORRILLA ES UNA UNANIMIDAD EN BUENOS AIRES. A todos lados de donde va es reverenciada por colegas y por el publico, no hay ceremonia en la que no sea invitada, agasajada.
Y ademas casi a los 90 años ( si me lee me mata, porque conserva aun la coquetería de los años mozos y es capaz de sacarse uno o dos años por puro espiritu burlon ) esta haciendo teatro ¡! En efecto todos los Martes se presenta en el TEATRO DEL GLOBO , una simpatica sala de tamaño medio  del centro de Buenos Aires con una representación semimontada y leida de LAS DE ENFRENTE  un clasico costumbrista rioplatense que gira alrededor de la bosesion de una ama de casa y sus dos hijas por no perder ni un punto en la competencia con las vecinas.
El Martes que fui yo la sala estaba repleta lo cual me sorprendio por tratarse de una obra menor y por la forma de representación. PERO HABIAN IDO A VER A CHINA. Y eso se hizo patente cuando hizo su entrada en escena, frágil después de uan caida que culmino en una fractura con consecuencias, que le imposibilita andar sin la ayuda de un baston y de alguien que la sostenga. Apenas hizo irrupción en escena la sala entera se puso de pie y estallo en una conmovedora ovacion. Realmente emocionante. Lo que siguió fue una simpatica comedia, donde pese a estar recluida en su silla y leyendo en mas de una oportunidad China saco a lucir su gran talentod e comediante, pese a que fue notorio que aun leer el texto le produce cierta dificultad, notoria en algunas vacilaciones y errores que ella sorteo con cancha ( NUNCA PUDE LEER BIEN ESTA FRASE ), la cancha que le da la mejor escuela de Teatro que existe : las propias tablas.

WERTHER EN EL TEATRO ROMA-MAYO DE 2011

En los ultimos años se ha consolidado la presencia del Teatro Avenida en Buenos Aires como una especie de off Broadway del mundo de la Opera, donde el Broadway serian los dos grandes teatros oficiales : COLON Y ARGENTINO.
Es asi que las producciones, originalmente muy precarias , de las instituciones que organizaban espectáculos alli fueron adquiriendo un carácter progresivamente mas profesional tanto en los aspectos escenograficos como en la calidad de los coros orquestas y elencos, que si bien no llegan a competir integralmente con los teatros oficiales en muchos casos han logrado ofrecer espectáculos de gran calidad, llenando el vacio que han dejado ambos teatros grandes, sea por los largos conflictos gremiales que han mantenido cerrado a uno de ellos, sea por una opcion por el modernismo que parece haber sido adoptada por el segundo.

En este esquema cabe al simpatico TEATRO ROMA DE AVELLANEDA  la funcion de lo que seria en NY el off off Broadway, con producciones menos ambiciosas por una serie de factores entre los cuales  las limitaciones de una sala pequeña con un pequño foso y escaso espacio escenico, asi como precarias instalaciones escenografitas y luminicas, la carencia de un coro y una orquesta estable, que generan situaciones como la de ensayar con unos instrumentistas y que en la noche del estreno aparezcan otros, los escasos recursos financieros disponibles, muchas veces saliendo gran parte del bolsillo del productor, con pocos patrocinadores, y la dificultad de atraer grandes cantidades de publico para una sala que esta ubicada en un lugar poco accesible para la población de Buenos Aires, y que por ahora no puede ser suplido con el fletamiento de ómnibus dedicados por lo variable del numero de personas dispuestas a pagar por ese servicio.

En estas condiciones lograr una gran versión de una opera difícil de presentar como lo es Werther es casi un milagro que uno no se atreveria a pedirle a nadie. Y sin embargo ese milagro estuvo cerca de lograrse en algunas  de las escenas de la representación de anoche.

Hubo en primer lugar una regie (JORGE LUIS PODESTA) que se puso al servicio de la Opera y no al reves, lo cual es ya un gran paso adelante. Atento al texto ,todas las marcaciones de movimientos y gestos correspondieron a la mas estricta logica teatral, sin perseguir la “ genialidad original “ que convierta al regisseur en la estrella del espectáculo, una de las principales causas de fracaso de los montajes en los teatros del mundo entero en los ultimos tiempos. Este trabajo seguramente lucira mas en las futuras representaciones, ya que en esta se notaron algunas vacilaciones en los movimientos de los cantantes, especialmente en las contraescenas, que parecieron indicar una cierta escasez de tiempo de ensayos.Como no puedo con el genio, comento dos detalles que a mi juicio le jugaron en contra al director : la introducción del personaje mudo de la mucama y la colocacion en escena del coro de niños en la escena final, dos ideas que en un escenario de otras dimensiones podrian haber sido utiles, pero que con las escasas dimensiones del espacio escenico del Roma  conspiraron contra la intimidad requerida en dos momentos clave del drama.

 La ambientacion escenografica tuvo un comienzo poco grato, con una buenisima idea ( un cielo oscuro y estrellado dominando el escenario, con una imensa luna ) arruinada por una ejecución que hizo evidente en demasia la escasez de recursos y la precariedad de los materiales utilizados.Sin embargo obtuvo un impactante logro en el tercer acto con una estupenda ambientacion en la sala de la Casa de Albert y Charlotte y una inteligentisima solucion para la escena final con un enorme cortinado rojo dominando la escena.Pena que la escasez de maquinaria del Teatro haya obligado, para poder cambiar el decorado, a hacer el alto entre los actos 3 y 4, que usualmente se obvia,  cortando la progresión dramatica que se obtiene cuando se presentan los dos actos finales sin intervalo y usando el preludio al 4to.como interludio.

Werther es uno de los papeles de mayor lucimiento y mayor exigencia de todo el repertorio operistico, requiriendo un tenor capaz del mas tierno lirismo pero tambien capaz de afrontar escenas que requieren por su dramatismo y por la pesada orquestación una voz de mayor peso. No acierto a imaginar a otro tenor argentino de la actualidad que no sea LEONARDO PASTORE  capaz de afrontar semejante tarea.Posee de sobra varias de las cualidades requeridas : musicalidad, extensión vocal, una bellisma mezza voce, fuerza dramatica. Y las hizo rendir con especial destreza en un magnifico tercer acto incluyendo un brillante y emotivo POURQUOIS ME REVEILLER donde reitero ademas su rara habilidad para pasar del forte al pianisimo que ya habia exhibido en DUE FOSCARI., y en la impactante alocucion final.Luego de ello un emotivo, susurrado acto final, muy acorde con la muerte gradual del personaje. Antes de eso , en los actos 1 y 2 su actuación se habia mostrado algo mas problemática con una dificultad para graduar el volumen de emision con los forte de la orquesta que se mostro impiadosa con el, y dando la impresión en mas de un momento de que se estaba llevando su voz hasta el limite y un poquito mas.
Fue impactante descubrir a dos voces importantisimas CINTIA VELAZQUEZ  y MA. DEL ROCIO GIORDANO, ambas excelentes actrices. Giordano exhibio una voz de un volumen inusual en el papel de Sofie normalmente destinada a soubrettes con agudo facil y escaso volumen. Es ciertamente un valor a atender y a seguir de cerca. Y Velásquez ademas de cantar una impactante Charlotte con una bellisima voz de mezzo que no le teme a los agudos, demostro una intensidad y una entrega  interpretativa como pocas veces se ven en un teatro de Opera. Hacia mucho por ejemplo que no veia a un interprete llorar con lagrimas reales en una contraescena como fue el caso de esta Charlotte mientras el tenor cantaba su aria. Excepcional.

Buenas voces y soltura escenica de FELIPE CASTILLO y ESTEBAN MIOTTO ( muy parecido en algunos gestos a su hermano el extraordinario bajo barítono buffo radicado en Europa )

Y un placer aparte oir a RICARDO CRAMPTON y constatar como todo aquello que habia hecho intuir hace unos años cuando Boris le confio el papel relativamente menor que hizo en AMICO FRITZ, se ha concretado y estamos ahora en presencia de una voz redonda de barítono, sonora en toda la extensión del repertorio, con un timbre de aquellos que hacen a uno pedir por mas y una muy buena presencia escenica ( me gustaron mucho sus escenas finales donde se mezclan la sospecha y la colera ante los indicios del amor de Werther por su eposa )

Me parecio magnifica la direccion de CESAR TELLO,que volvio a obtener de la Orquesta Sinfonica Municipal de Avellaneda una calidad de sonido a la que no estabamos acostumbrados y ademas conferirle a toda la ejecución una gran carga dramatica. Supongo que en futuras funciones la Orquesta se ira afiatando y despareceran algunos desajustes que se oyeron, que hicieron pensar mas en un ensayo que en un estreno, y que habra una mayor sintonia entre el volumen orquestal y la voz del tenor en los actos 1 y 2 en que , obligado por la partitura a un canto sutil y lirico, no tiene como enfrentar con suceso la gran potencia sonora que tendio a ahogarlo,a hacerlo forzar su voz mas alla del limite razonable. Se impone una revision, pero siendo tanto Tello como Pastore excelentes musicos no tengo la menor duda de que lo lograran.

VALE LA PENA ENCARAR EL VIAJE A AVELLANEDA, QUE DESPUES DE TODO NO ES EL FIN DEL MUNDO..AUNQUE A VECES LO PAREZCA.

madama butterfly-la plata-mayo 2011

MADAMA BUTTERFLY

TULIO GAGLIARDO-DIR MUSICAL

RITA CONSETINO –REGIE

TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA –MAYO 2011-05-20

Puccini es uno de los autores que consiguieron la mas perfecta fusion entre sus textos y su musica, que son prácticamente indisolubles. Sus dramas, que podran no tener la  trascendencia filosofica o sociologica de un Mozart o un Verdi maduros, limitandose a desarrollar una situación dramatica y hacerle sentir al espectador que es parte de ella , acostumbran alcanzar picos de intensidad dramatica, en particular sus finales, como la tragica muerte de Mimi en Boheme, de la protagonista en Suor Angelica o de esta Cio Cio San.

Alguien dijo que si al termino de una de estas operas hay un espectador que mantiene sus ojos secos, algo salio mal en la puesta.
Hubo muchos ojos secos, el mio y el de los cantantes inclusive, al final de esta Buttefly, pese a las cualidades del elenco.

Es que la regie opto por alterar el sentido argumental de la Opera intentando hacer de ella lo que ella no es, un alegato contra el colonialismo, el trafico de mujeres y la prostitucion, para lo cual tuvo que destruir la linea argumental montando una accion que en muchos momentos entra en colision con el texto, ni que decir con la musica. Es verdad que la explotacion de la precariedad economica y la inocencia de la población local estan implicitos en el texto de Puccini, pero precisamente por esto no era necesario alterar la accion para hacer explicito lo que esta mas que muy bien retratado en el original.

Yo comprendo que mucha gente reniegue de las tenues historias de amor de Puccini y que inclusive las vean como novelitas rosa. Es que a Puccini le interesaban el alma femenina, el amor, el dolor del amor derrotado. Y en sus obras no se trasuntan otras complejidades sicologicas, sociologicas, politicas. Puccini no escribiria WOZZECK.No era un tema que lo motivara. Y es perfectamente comprensible que haya espectadores, y registas que no se sientan motivados por las historias “ simples y sentimentaloides “de Puccini. Claro, lo que se aconsejaria a esos espectadores y registas es simplemente dedicarse a operas del estilo que prefieren y no arruinar el placer de los que amamos las operas romanticas, intentando convertirlas en lo que no son, fracasando en esa mision imposible y de yapa destruyendo todo el espiritu de las mismas. Fue lo que ocurrio con esta puesta, y no porque la regista carezca de condiciones como directora teatral porque dio acabadas muestras de su talento consiguiendo algunas escenas aisladas impresionantes y en general una excelente marcación de los actores individuales.Fue el concepto lo que fallo y simplemente acabo con la opera.

El primer acto fue trasladado a una especie de dancing-prostibulo, habitado por un grupo de notorias  prostitutas que se lanzan literalmente sobre cuanto hombre aparece en escena. Nada de casita hermosa en lo alto de la colina, que solo es mostrada en fotos por Pinkerton o en un telon del teatrito que hay atrás del escenario.Con ello en este ambiente sordido pierde sentido el enamoramiento, la entrega total de la protagonista a lo que ella cree es el amor de su vida. En el contexto en que fue planteada la accion solo caben dos interpretaciones y ambas destruyen la tragedia que ocupa el centro de la obra  : o ella finge y sabe muy bien de que se trata, o simplemente es una retardada mental. Y una tras otra afloran las contradicciones con el texto : Pinkeron echando al Tio Bonzo “ in casa mia niente baccano e niente bonzeria “  QUE CASA MIA ¿? PINKERTON ES DUEÑO DEL DANCING ¿? O el bellismo duo final con Cio Cio San maravilandose ante la vision poetica de las estrellas ( QUE ESTRELLAS SI ESTAN DENTRO DEL LOCAL ¿?)  y exhibiendo su timidez y su pudor , muy difíciles de creer cuando se ha despojado prontamente de su ropa de casada para vestir una ajustado (DEMASIADO AJUSTADO )vestido que mas parece un  camisón.

En el segundo acto las cosas empeoraron desde el punto de vista de la logica teatral. Pinkerton partido, Cio Cio San cree que volvera y expone como prueba de ello los cuidados que le dispenso a la casa. Sucede que la escena retrata una choza de madera semiderruida en algo que se parece sospechosamente a una villa miseria, con latones de basura sustituyendo al jardin que a cada rato se menciona en el texto. Y lo que es peor la accion se desarrolla no dentro de la casa sino fuera de ella, en plena calle,por donde a cada rato desfilan desprejuiciadas jovencitas del brazo con marineros, y que desaparecen felizmente en los momentos en que se canta para permitir una fugaz intimidad a los personajes. Esta extraña decisión llevo a la contradicción en el final donde la dolorida Cio Cio San le pide a Suzuki que cierre las ventanas porque “ afuera hay demasiada luz y demasiado primavera “ siendo que ambas estan en el medio de la calle .
Cio Cio San vestida con ropas occidentales mas bien pobres y de mal gusto parece demasiado una mujer mas moderna que no podria albergar  tanta credulidad y tanta sumisión.

 Al volver la accion ridicula, de nada sirve el esfuerzo de los cantantes solistas tanto vocal como dramatico, porque simplemente la Opera no funciona.

Lamento mucho haber visto la en general bien cantada Cio Cio San de DANIELA TABERNIG  o la delicada  Suzuki  de ALEJANDRA MALVINO  en estas circunstancias porque fue realmente imposible envolverse emocionalmente en el drama. Y no voy a cometer la injusticia de recriminar a ellas que no hayan conseguido verter cabalmente sus personajes, empresa imposible en el contexto.La voz de Tabernig quizas no sea la mas adecuada para el papel, que requeriria un mayor peso vocal especialmente debido a la imponente orquestación, y en las escenas finales una verdadera lirico-spinto. En elenco alternativo Florencia Fabris sufrio bastante en el primer acto con un intrusivo vibratto, pero hizo valer su mayor fuerza vocal en el registro grave llegando a cantar un magnifico TU,TU PICCOLO IDDIO.  Es curioso anotar que en esta versión en ambas noches fragmentos usualmente ovacionados como UN BEL DI, IL CANNONE DEL PORTO o el DUO DE LAS FLORES  pasaron sin pena ni gloria, sin la habitual explosion emotiva del publico. CIPRIANI CEC fue una emotiva Suzuki, algo inaudible en algunos momentos.
Magnificos los retratos de VICTOR TORRES un Sharpless pleno de dignidad y compasión y el Principe Yamadori de SEBASTIAN SORRARAIN  aqui retratado como un prospero capitalista. En el elenco alternativo FABIAN VELOZ  demostro su importante evolucion en terminos de desenvoltura escenica, llegando cerca de las alturas de un reconocido artista como Torres, y logrando en lo vocal una impactante creación .Veloz es siempre una torre de sonido .RICARDO CRAMPTON  continua evolucionando escénicamente donde se muestra cada vez mas desenvuelto. No fue un Yamadori de estampa tan maligna como Sorrarain

( todavia deja trasparecer algo el buen muchacho detrás de la ropa y el maquillaje del personaje ), pero en compensación impacto con una voz cada vez mas firme, con un bellisimo timbre que esta pidiendo a gritos papeles de mas envergadura. Eficaz en lo escenico , pero no siempre audible el Goro de SERGIO SPINA.Igualmente eficaz pero con mayor potencia vocal el de PATRICIO OLIVERA.

En cuanto el tenor chileno PEDRO ESPINOZA posee una bonita y segura voz, mas alla de un par de notas sospechosas, y una adecuada desenvoltura escenica. No siendo el estreno resulto inexplicable que no dominara la letra , cometiendo varios errores de texto , el mas grave en el acto I donde en el aria inicial olvido completamente sus parlamentos repitiendo una vez atrás de otra la misma frase.SEBASTIAN FERRADE tiene una voz mas ligera ,menos apropiada para el papel pero sorteo con eficiencia todas las dificultades y dio una buena composicion del personaje, especialmente el arrepentimiento final.

Seria injusto no destacar dos muy buenos hallazgos aislados de la regie : el sueño de Buttefly durante el preludio del ultimo acto, y la idea de que se suicide dentro de casa dejando que un perciba lo que ha ocrrido por la desesperación de Pinkerton,( si bien esto fue parcialmente arruinado en la ejecución porque Cio Cio San entro para suicidarse al lado derecho de la casa y Pinkerton hallo el cadáver del lado izquierdo )

La direccion musical me parecio rutinaria, con una orquesta muy por debajo de su nivel habitual, falta de expresividad, tiempos agobiantemente lentos y una notoria falta de ensayos que se tradujo en una constante preocupación de los cantantes por captar visualmente la batuta del director, amen de algunas entradas en falso.

WALKURE POR EL MET EN EL SOLIS-MAYO DE 2011

WALKURE POR EL MET EN EL SOLIS- MAYO DE 2011-05-16

La puesta en escena de Robert Lepage se gano de entrada mi antipatia cuando un problema en el funcionamiento de la complicada maquinaria escenografica requerida por el resisseur determino que la funcion se iniciara con 45 minustos de retraso. Esto impidio que llegara a tiempo para el concierto del SODRE que generosamente habia atrasado media hora su inicio para que no entrara en colision con el de la Opera, pero que no pudo esperar mas.( Felizmente las amables acomodadoras de la Sala me informaron que por razones que no supieron explicarme el programa habia sido alterado asi como los interpretes, por lo que sufri menos con la privación).

Pero aun juzgando la puesta por si misma yo diria que en buena medida decepciona. No se entiende por que usar tan complicadas maquinarias para al fin de cuentas ofrecer un escenario que no representa nada concreto, con enormes pilares metalicos que se desplazan y son iluminados de maneras variables, dando lugar a otros tantos ambientes abstractos y decidamente feos de mirar. Y pienso con nostalgia en la bellisma producción que el Met desmonto para ofrecer esta, carisima por otra parte.

 Si en el Oro del Rhin los “ efectos especiales “ compensaban en parte esta carencia estetica y nos hacian ver cosas que Wagner imagino y no pudo realizar dadas las limitaciones tecnicas del Teatro en su epoca, no hubo aquí nada de particularmente osado o revelador. Fue una puesta mayormente de  rutina ( salvo la cabalgata de las Valquierias, y ya se han visto algunas bien mas impresionantes ), eso si con una estupenda direccion de actores.

Cada dia mas se hace evidente que las direcciones escenicas toman en cuenta el hecho de que la funcion habra algun dia de ser trasmitida por TV y por lo tanto imponen a sus interpretes un estilo menos teatral, mas cinematografico, con gestos mas medidos y con abundancia de sutiles expresiones faciales. Resta ver cuanto de esto es percibido por quienes ven la Opera en vivo en el Teatro y hasta que punto no son ellos los perjudicados.

El hecho es que ademas los elencos tienen que ser elegidos tomando en cuenta este factor, con cantantes que si es posible tengan la voz de sus partes, pero que ciertamente tengan el fisico como para encarnarlos frente a una indiscreta camara cinematografica.

Y alli comienzan los problemas. Cuando se tiene a un tenor maginfico como JONAS KAUFMANN  que dio una versión vocalmente notable de Sigmundo , vertido ademas con fuerte expresión dramatica, se genera automáticamente el problema de donde encontrar una Siglinda que pueda cantar una escena de amor con el y no quedar ridicula. Porque a parte de todas sus condiciones el tenor disfruta de una estupenda estampa de galan como pocas veces se han visto en la parte, normalmente destinada a tenores envejecidos que yo no pueden encarar partes mas agudas.

 JK ademas de deslumbrar con su hermoso timbre, con linea melodica natural en quien canta obras de Massenet o Verdi, fue cada cm el galan de cine. Por suerte la bonita pero algo excedida de peso EVA MARIA WESTBROCK estuvo a la altura de las circunstancias, haciendo una Siglinda muy creible como par romantico por su belleza facial y por su timbre vocal ( salvo en el extremo agudo que   a veces suena metalico o poco expansivo ) Una Siglinda totalmente convincente.

Hans Peter Konig fue un arrollador Hunding que sin llegar a los extremos de un Salminen supo proyectar el carácter dominante y violento de su personaje.

Bryn Teruel impacto con su generosidad vocal, al fin un Wotan con absoluta seguridad en todas las notas y capaz de dar expresión a su canto, aunque he visto Wotans mas intensos dramáticamente.

Deborah Voigt, que ya no esta en su apogeo vocal, fue una muy convincente Brunilda sin problemas vocales y con una bella linea de canto, en una encarnación mas humana que heroica del personaje.

Stepahnie Blythe fue vocalmente una impactante Fricka con un vozarron enorme y hermoso de esos que se oyen rara vez. Felizmente su problemática apariencia fisica no incidio demasiado en el personaje.

Dio tristeza ver a James Levine prácticamente arrastrandose para subir al taburete desde el cual  dirigio la funcion, e impedido de subir al escenario a saludar. Los grandes genios debieran ser tratados de otra manera por la naturaleza. Pero al menos pudo regalarnos con otra noche de gloriosa direccion, una mas entre los cientos de funciones que a lo largo de 40 años en el Met el publico de NY y sus visitantes ocasionales hemos podido apreciar y admirar. Un gran maestro dirigiendo a la orquesta y al teatro que el contribuyo decisivamente a moldear.