MUY LOGRADA VERSION DE LA BOHEME EN LA PLATA

 LA BOHEME- OPERA DE GIACOMO PUCCINI

LIBRETTO DE GIUSPPE GIACOSA Y LUSGI ILLICA BASADO EN LA NOVELA DE HENRI MURGER

CORO Y ORQUESTA ESTABLES DEL TEATRO ARGENTINO

DIRECION MUSICAL –CARLOS VIEU

DIRECCION  ESCENICA MARIO PONTIGGIA

DIRECCION DEL CORO  HERNAN SANCHEZ ARTEAGA

TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA.

El Teatro Argentino ha constatado una vez más una verdad axiomática de la lírica. Cuando un Teatro de Opera ofrece un título de los que el público ha adoptado como favoritos, pasando por alto los devaneos elitistas con títulos que ahuyentan a los asistentes eventuales, y lo hace con una buena producción dotada de buenos cantantes el público acude en masa y agota localidades. Es lo que ocurrió con  esta poco publicitada Boheme, que comenzó en frío por la escasa cantidad de personas que acudierona a las primeras funciones , pero que a medida que se fue corriendo la voz el publico comenzó a frecuentar oteniéndose un lleno casi total el Sabado y localidades agotadas el Domingo, siendo de lamentar que ahora que el público ha descubierto el espectáculo no haya más funciones programadas.

El TA va a tener que revisar varias de sus políticas si pretende recuperar el público perdido, aquel que agotaba localidades sistematicamente en la época de la gestión de Cenzabella y que llevaba a que se fletaran 3 y 4 omnibus que partían repletos los Sabados y Domingos ( varias veces tuve yo que quedarme en un hotel o volver en los peligrosos ómnibus de ruta, por estar agotadas las vacantes en los ómnibus del –teatro ), un público que el teatro pareció empeñado en ahuyentar y que finalmente lo consiguió. ( a mi llegó a ocurrirme con EL RAPTO EN EL SERALLO QUE EL Teatro mandara en dos días consecutivos  una funcionaria con un remise a buscarme porque yo había sido el único que comprara localidades para dichas fechas  )

Es inexplicable este año  una temporada que incluye sólo 2 títulos del repertorio normal , y uno de ellos no precisamente de los más atractivos para el público, y 2 títulos que a priori parecerían más material para el –teatro –experimental que para la sala grande, y que encima se dé el lujo de estrenar esta Boheme casi sin publicidad y sin siquiera preocuparse por atraer a los críticos de los principales órganos de prensa que no acudieron a la cita. Asi siendo el público se enteró de que algo importante estaba aconteciendo en su Teatro por los comentarios de quienes fueron y los de algunas publicaciones especializadas Fue sintomático por ejemplo que el muy buen comentario del DR.Leal en Opera in  the World, revista para la cual como es notorio colaboro y escribo notas  cuando el Director está impedido de hacerlo, haya recibido un número record de visitas ( el doble del normal ), prueba de que había un interés por informarse que no estaba siendo satisfecho por  la prensa más tradicional.

Los teatros de Opera en general tienen un grupo de Operas que incorrectamente consideran fáciles y baratas de montar , entre los cuales se encuentran esta BOHEME, DON PASQUALE, EL ELIXIR DE AMORE- Es que es posible plantearse la posibilidad de montar estas  Operas sin grandes divos internacionales, con artistas jóvenes del país y obtener resultados satisfactorios si tal es la meta que el Teatro se ha propuesto. No hay en estas Operas la exigencia de un cantante con una voz inusual, como sería encontrar UNA NORMA UNA TURANDOT UN OTELLO,UN TRISTAN UN MACBETH. Se requieren voces más normales no tan difíciles de hallar, ya que no hay exigencias extremas de graves agudos o volumen ( lo más exigente es el DO  del aria del tenor , que ha puesto en dificultades a muchos tenores famosos  ).

-Ahora bien, las cosas se complican si el objetivo es montar algo más que una BOHEME  que funcione razonablemente sino hacerle cabal justicia a esta verdadera obra maestra de Puccini uno de los titulos donde se observa la más perfecta fusión entre texto y música, con una partitura bellísima es verdad pero un libretto que no le va en zaga ( Rodolfo le dice a Mimi cuando la conoce “ EN TI DIVISO EL SUEÑO QUE QUISIERA SIEMPRE SOÑAR “ y es sólo  un ejemplo )  Porque allí pasamos a precisar un  regisseur que provoque a sus intérprretes que los lleve a logara un trabajo perfectamente coordinado, de equipo. Un director musical que haga  valer la envolvente belleza de la melodía pucciniana sin ahogar a los cantantes, y un conjunto de cantantes-actores, que sepan sentir sus personajes , actuarlos con convicción y darle a las bellísimas meoldías toda la fuerza expresiva y toda la belleza que de ellas emana.

Y este fue precisamente el objetivo del Teatro Argentino en esta versión que apuntó alto y que mayormente dio en el blanco con algunas reservas que no afectan sustancialmente el resultado general. He escuchado rumores que ojalá sean verdaderos de que se planea llevar el espectáculo a todas las ciudades de la Provincia que dispongan de Teatros adecuados,lo cual seria muy merecido por los artistas que bien se merecen una oportunidad de trabajar y ahondar aun  más sus interpretaciones,y por el público que al fin de cuentas es el que sostiene con sus aportes el Teatro que no es municipal sino estadual.

El espectáculo para comenzar tuvo  dos sólidos pialres.

CARLOS VIEU desde el podio es siempre una garantía. Es dentro de los directores argentinos uno de los que más cabalmente comprende la función del director musical de una Opera. Nunca olvidaré la descripción que el mismo me hizo de ese papel cuando lo reporteara en oportunidad de presentar su versión de MACBETH invitado por el TEATRO SOLIS DE MONTEVIDEO. La orquesta es un personaje del drama, pero un  personaje esencial porque es el que da el clima en el que se desarrolla la acción. Y así lo hizo con una dirección intensa, donde la orquesta sonó bellísimamente bien, y en la que supo no tratar de lucirse a expensas de los cantantes dándoles la flexibilidad necesaria para que hagan lo suyo sin ahogarlos con el volumen o los tempi, como tantas veces  he visto.

MARIO PONTIGGIA realizó un excelente trabajo de conducción de actores siendo visible el doble esfuerzo de profundizar en la sicología de cada uno y de lograr un ensamble actoral en que cada uno apoye y se poye en el otro para juntos dar la situación n dramática. Yo tengo algunas objeciones a algunas de las soluciones escénicas, una de las cuales no es menor, pero que en definitiva no perjudicaron para nada el espectáculo, que además atrapó  y entusiasmó al público.

La escenografía  en dos plantas, muy funcional y de fácil transición de una escena a la otra y el vestuario ( este bastante menos logrado ) parecen haber sido reciclajes de otras puestas porque el programa habla en ambos casos de “ adaptacion de la escenografía “ y “ adaptación  del vestuario “

Hubo un cambio de época que en general no molestó y no entró en contradicción con el texto. Me pareció de no muy buen gusto la inclusión de un bordello a la holandesa con prostitutas en la ventana en el tercer acto., pero se podía no mirarlo.

Y terminando con lo general fue excelente el desmepeño del coro tanto de adultos como de niños ( no me gustó en cambio la marcación actoral que se les hizo a ambos que me pareció muy “ teatral” en el mal sentido de la palabra.

En cuanto a los solistas , ví dos elencos.

El reparto del día del estreno se benefició con la presencia de dos de los cantantes argentinos más versátiles y confiables que se han lucido ampliamente en obras de los estilos y demandas vocales más diferentes que uno pueda imaginar, siempre con un nivel que no baja de bueno y a menudo alcanza la excelencia.

DANIELA TABRENIG que en poco espacio de tiempo ha sido TATIANA DE EUGENIO OENGUIN, NEDDA DE I PALGIACCI, RUSALKA, JENUFA, DESDEMONA  por citar sus papeles más destacados, cantó una excelente Mimi digna de cuaquier teatro del mundo, la actuó con la requerida dosis de ternura y delicadeza y además evidenció una compenetración absoluta con su com pañero de reparto que hizo que sus escenas de amor adquirieran un emocionante aire de verdaderas. Me impresionó mucho su evolución en el tercer acto que cuando hizo el mismo papel en el SODRE había parecido limitado en fuerza vocal, aunque alli habría que descontar el factor STFEAN LANO un gran director que privilegia sonoridades muy altas de la orquesta, el hecho es que su centro y su grave reinaron absolutos en la escena, que fue uno de los grandes momentos de la noche. Es una pena que la marcación de la escena final, desde la ropa y el maquillaje la hayan mostrado demasiado sana y fuerte para de pronto morirse, un detalle que debiera ser corregido en futuras funciones si las hay, porque la gran creación de Daniela lo merece.

Con GUSTAVO LOPEZ MANZITTI uno agota rápidamente el vocabulario de elogios. En absoluto comando de la partitura ( el suyo es probablemente el papel más exigente, no sólo por el malhadado DO que aquí salió con la precisión y la fuerza de un cañonazo sino porque canta casi constantemente y siempre evolucionando del centro hacia el agudo) su actuación fue totalmente memorable por el grado de adecuación total alcanzado entre gestos, desplazamientos, expresiones de voz, inflexiones. Una gran composición total sin duda.

YARITZA VELIZ cantante chilena que ganó como premio en un concurso en Chile el derecho a participar en esta puesta, fue toda una revelación con  una hermosa y generosa voz de soprano lírico ligera muy bien manejada y que seguramente dará que hablar en el futuro próximo.

Fue un lujo y una alegría rever a RICARDO CRAMPTON que siempre llamó la atención por su voz baritonal de bellísimo timbre y fuerza expresiva, pero que ahora en Italia ha ganado un  dominio y una fleixibilidad totales. Fue un Marcello lindo ver y de oír, totalmente integrado además con sus compañeros de buhardilla. Me conmovió especialmente su reacción frente a la muerte de Mimi, cercana a la parálisis. Excelente. Espero que lo traigan a menudo para seguir disfrutando de  su maduración.

MARIO DE SALVO lució y sonó increíblemente joven y muy en papel como Schaunard  Y EMILIANO BULACIOS  fue un sonoro Colline ( oí muchas notas que nunca antes había oído ) y logró una muy buena interpretación de su filósofo.Obviamente aprovechó muy bien el lucimiento de su famosa aria del 4to. Acto.

Muy disfrutables las viñetas de ALBERTO JAUREGUI LORDA ( quizás un poco demasiado joven para la parte ) y VICTOR CASTELLS

          El segundo elenco tuvo como atracción principal la maravillosa Mimi de MARINA SILVA en una actuación que seguramente la promoverá al equipo de primeras cantantes del medio. Por primera vez cantando un papel que cae 100% en su registro vocal, Marina hizo gala de una potente voz de soprano lírica con  un fuerte y sólido registro central, que llega con facilidad al grave y de bellísimos pianísimos que sabe usar como arma expresiva. –fue una gran Mimi,digna de ser lucida fuera del país. La voz de Marina está pidiendo Colón. Espero que le llegue.

Sorprendentemente su marcación en la escena de la muerte fue diferente a la del otro elenco y resultó más convincente, a pesar de que se mantuvo la incongruencia de la ropa y el maquillaje.

EN VERDAD UN LUJO DEL TEATRO ARGENTINO PODER CONTAR CON DOS MIMIS DE EsTE NIVEL 

Es increíble los progresos que ha hecho  JUAN CARLOS VASALLO. La naturaleza le ha dado una voz ( y un fisico ) difícil de manejar. –como decía un gran barítono internacional hablando de su propia voz : es más difícil maniobrar un camión con acoplado que un fiat 600) Vasallo tiene una voz importante con una voz de lírico spinto que le ha permitido encarar papeles como MANRICO, OTELLO , DON JOSE (  desgraciadamente lo vi enfermo ) sin pecar por falta de recursos naturales. Pero ha tenido que luchar arduamente con la emisión, una tendencia a cantar fuera de tono que era muy audible en sus primeras pariciones, y una carencia de recursos actorales casi total. Aquí asombró por su grado de entrega emotiva, por su expresividad facial y de los movimientos de los brazos ( el tronco aún resta algo rígido en los movimientos ) por la afinación y por el uso inteligente de los panísimos. Es una lástima el accidente con el DO  del aria,que ha intimidado a muchos tenores y que yo atribuyo más a nerviosismo que a otro factor. Para nosotros que vamos al Teatro con la ilusión de ver como nuestros artistas progresan y no a a ver un espectáculo circense donde el trapecista salta sin  red, fue una alegría irrestricta ver el logro del compatriota en este difícil papel, y la forma en que viene ganando control de sus recursos que no son precisamente escasos. Su escena final llorando sobre el cuerpo de Mimi sin dejar de acariciarla fue de las conmovedoras que he visto, toda una sorpresa proviniendo de alguien a quien yo mismo le he reprochado en el pasado limitaciones como actor.

COSNTANZA DIAZ FALU sacó muy buen partido de una voz de soprano ligera de bellísimo timbre y fácil agudo, que a priori parece de poco volumen pero que se oye perfectamente en los concertantes. Una muy buena Musetta, pese a la marcación.

GUSTAVO GIBERT fue un sólido Marcello, muy bien interpretado. ALBERTO JAUREGUI LORDA sonó y lució demasiado señorial para el papel de Schaunard, que cantó y actuó con total corrección

Y las interpretaciones de FERNANDO ALVAR NUÑEZ Y LUCIANO MIOTTO  fueron un placer aparte que dejo con gusto a poco a los que los vimos.

Dejé para el final la parte que no me gustó decididamente que fue la marcación de la grand scene de Musetta, totalmente exagerada y a contrapelo del libretto. Mussetta desesperada porque Marcello finge no verla ni oírla canta en voz alta y crea un mini escándalo para que él repare en ella. Todo el efecto sutil de la escena se arruina si Musetta embiste contra la mesa de Marcello , toma el pollo que está servido y lo arroja por los aires. Es un  caso donde menos hubiera sido más.