otello-met en hd

OTELLO DE VERDI, DIR.MUSICAL SEMYON BYCHKOV DIR ESCENICA ELIJAH MOSHINSKY – MET EN HD DESDE EL SOLIS Que alegria volver a ver la fantastica puesta de Moshinsky del año 1994 y constatar que el Met no la ha desmontado como ocurrio con otras mas recientes, y no la reemplazo por un engendro moderno que cambia la epoca, el lugar y hasta el argumento de la Opera. Esta es opera clasica , como se hacia antes. Con una cuidadosa y deslumbrante reconstrucción de epoca y lugar en un bellismo escenario y magnifico vestuario. Y sobre todo con un perfecto diagramado de los movimientos de los interpretes, del primero al ultimo que hacen que la representación sea ante todo teatro de primerísimo nivel. El placer es adicional al verla en el sistema HD porque se ve el backstage, la increible labor de los trabajadores detrás del escenario que en numero de mas de una decena invaden el palco apenas cae el telon, cada uno sabiendo lo que tiene que hacer y haciendolo sin chocarse con los demas y en pocos minutos transforman totalmente la escena. Claro la opera es musica y si la direccion musical no mantuviera el nivel se desvanecerian los meritos de la puesta. Musicalmente es una versión muy digna con algunos momentos muy buenos, pero nunca por debajo de solidamente ejecutada. Bychkov no es el tipo de director que deja una marca personal en las partituras que dirige. Se limita a supervisar que todo funcione correctamente y se ensamble adecuadamente y vaya si lo consigue. Claro , cuenta con una de las mejores orquestas y coros de opera del mundo, con comprimarios de primer nivel y con un elenco solista que podra no ser excepcional pero es de lo mejor que hay para estos papeles en el momento actual. JOHAN BOTTA no es un Otello deslumbrante ( los dos ultimos que vi que lo eran fueron ATLANTOV y sobretodo VICKERS ) pero tiene para comenzar la voz del papel y eso no es poca cosa. Como actor tiene sus limitaciones y la obra pierde por ello algo de su intensidad. Viendolo a el se agigante la versión de PLACIDO DOMINGO que no tenia la voz del papel pero a puro talento actoral e interpretativo lograba convencer de que ese no era el caso. En suma una interpretación correcta sin demasiado vuelo. RENE FLEMING es un halago a la vista. Después de años de carrera continua siendo bella y juvenil y es una actriz consumada que sabe actuar para las camaras de cine con pequeños gestos que seguramente pasan desapercibidos en la sala. Vocalmente tiene todas las notas y sigue siendo una cantante inteligente y musical , si bien algunas zonas de su voz ya comienzan a traicionar el paso del tiempo. FALK STRUCKMANN un cotizadisimo excelente Wotan, logra una composición absorbente de Iago, en una versión mas bien linear sin delicadezas y sutilezas . Es un Iago directamente malo como en el fondo lo quiso Verdi cuando le escribio el Credo que lo convierte en un casi demonio y como no lo quiso Shakespeare que compuso un personaje mas complejo en el cual es posible ahondar buscando motivaciones menos aparentes que el mal por el mal mismo. Vocalmente impecable con un asombroso uso de la mezza voce para un wagneriano de pura cepa. NICHAEL FABIANO como Cassio se lucio como actor en las contraescenas donde reflejo con sus expresiones lo que estaba ocurriendo a su alrededor y canto competentemente la breve partitura que se le asigno. Un ataque de nostalgia volver a ver al gran JAMES MORRIS, hoy prácticamente retirado, en el breve papel de Ludovico impomniendo la autoridad escenica que no ha perdido y luciendo una voz que el tiempo no ha destruido.

GRABACIONES ARGENTINAS...HECHAS EN LETONIA !!!

UNA CURIOSA COLECCIÓN DE GRABACIONES CON CANTANTES NACIONALES, HECHA EN LETONIA ¡!!! SE ACABA DE LANZAR A LA VENTA LA VERSION DE PAGLIACCI CON UN ELENCO DE EXCEPCION. LAS VENTAS HAN SUPERADO LAS EXPECTATIVAS DEL DISTRIBUIDOR QUE YA DOS VECES SE QUEDO SOM STOCK Y TUVO QUE ENCARGAR MAS EJEMPLARES. ELLO Y MIS COMPLICACIOENS DE AGENDA DERIVADAS DEL TRATAMIENTO MEDICO ME HAN IMPEDIDO HASTA AHORA ADQUIRIR UN EJEMPLAR, PERO SE QUE A LA LARGA MI INSISTENCIA SERA PREMIADA. LA NOTA QUE SIGUE FUE TOMADA DE LA PUBLICACION MUNDO CLASICO DEL 22.10.12, REPRODUCIDA POR EL FORO AYACHE ENTRE OTROS. Muchos emprendimientos culturales comienzan como una especie de aventura contra los molinos de viento. Cuanto más periférico el país mayores serán los contratiempos y sinsabores pero, también, más dulces los frutos si la empresa se concreta con éxito. La ópera completa y con orquesta llegó a la Argentina en 1825 y se efectuaron representaciones de obras líricas con regularidad hasta enero de 1830 fecha en que se interrumpen por las crisis política y económica del momento. Recién en 1848 se reinician las representaciones de óperas completas, modalidad que continúa hasta el presente. La inserción de la ópera en la cultura argentina alcanzó plena popularidad a finales del siglo XIX y principios del XX tanto en las clases dominantes como en los inmigrantes europeos que tenían a este género como producto propio. La característica de plaza consumidora de ópera se mantiene aún y muchos fueron los intentos de convertir a la Argentina en un lugar productor de óperas ya sea de composiciones de autores argentinos o de extranjeros afincados para ser presentadas a nuestras audiencias o la realización de los grandes títulos del repertorio con artistas enteramente locales. Ambas opciones se realizan con relativo éxito y adecuada calidad desde hace casi cien años. Lo que nunca puedo ser cabalmente realizado es la registración o grabación de óperas completas. Hace más de quince años un soñador, Carlos Gusmerotti, impulsó un proyecto de grabaciones de óperas completas tanto del gran repertorio como de compositores argentinos. Gusmerotti fue un gran mecenas de la ópera en el medio local que, lamentablemente, no pudo disfrutar de los frutos, pues falleció hace unos meses. Primero creo la institución Opera de Buenos Aires. Y luego confió la conducción al, entonces joven, director de orquesta Fernando Álvarez. La paridad económica del peso argentino con el dólar, vigente desde marzo de 1991 hasta enero de 2002, y la disponibilidad de orquestas de muy buen nivel en el este europeo cristalizaron la oportunidad de grabar en Letonia una serie de CDs con la participación del tenor Luis Lima como cabeza de compañía, la dirección de Fernando Álvarez y la producción general de Carlos Gusmerotti. La idea era sumar a la presencia del aún en ese momento activo Luis Lima, algún cantante europeo, un elenco de cantantes jóvenes argentinos, y en brevísimos roles cantantes locales letones. La Orquesta Sinfónica de Liepaya y el Coro Estatal de Letonia fueron los elegidos para registrar el material. La mayoría de los argentinos viajaron a Liepaya -una ciudad a 200 kilómetros de Riga, la capital de Letonia- ubicada sobre el Báltico y allí grabaron durante dos meses en el verano europeo de 1997. Las jornadas de trabajo se componían de cuatro horas de grabación con la orquesta y otras cuatro de edición por parte del maestro Álvarez y el ingeniero de sonido que era el veterano Jazeps Kulbergs, ex técnico del famoso sello ruso Melodiya. Se utilizó un salón del Juras Pili (Palacio del Mar) con techo abovedado y pisos de roble que lo hacían perfecto acústicamente. Pero como en todo gran emprendimiento no podían dejar de filtrase inconvenientes: unos días antes de viajar, el tenor Luis Lima anunció que por razones personales no podía sumarse al proyecto, la defección de Lima trajo aparejada la cancelación del barítono español Carlos Álvarez, que en ese momento estaba ascendiendo en su carrera. Las opciones eran cancelar el proyecto en medio de la grabación o seguir adelante, intentar conseguir otro barítono y lograr que Luis Lima grabara sus partes en otro momento. El empuje de Carlos Gusmerotti y de Fernando Álvarez llevaron a buen puerto las grabaciones. Fue una decisión difícil: grabar la orquesta conforme a lo pautado y a los solistas presentes en Letonia y, con tiempo, poder completar los registros. Luego de dos meses de trabajo se logró registrar material para ocho CDs, la mayoría de los cuales esperan aún el momento de salir a la luz. En quince años los contratiempos no fueron pocos: había que grabar a Lima en su Córdoba natal o en Buenos Aires y buscar un barítono de fuste para los proyectos, además la crisis económica argentina de los años 2001 a 2003 pulverizó cualquier proyecto cultural o las intenciones prometidas de mecenazgo, a lo que se sumaron, atento el tiempo trascurrido, nuevos proyectos de los involucrados que le restaron lugar a la concreción del viejo sueño de finales de la década del ‘90. La grabación más avanzada era la de Pagliacci de Leoncavallo y ya en 1997 se acordó con Sherril Milnes su participación. Todo una muestra de la complejidad del mundo de hoy en el cual Milnes grabó su Tonio en Nueva York, la orquesta, el coro y la mayoría de los solistas lo hicieron en Letonia y Luis Lima y su primera aproximación a Canio, tiempo después en la Argentina. Obviamente que la difícil de la operación disparó los costos y los mecenas quedaron sin dinero a poco tiempo de llegar a la meta. Todo debió ser suspendido y aguardar algún sello discográfico que se interesara. Las negociaciones fueron muchas hasta que, finalmente, el sello Fonocal aceptó editar la grabación. Felizmente en septiembre de este año la grabación pudo darse a conocer al público. A pesar de los quince años transcurridos desde su grabación, el melómano no puede más que congratularse con una versión de la ópera más conocida de Leoncavallo, que conjuga algunos hechos históricos; el tenor Luis Lima cantaba aquí por primera vez el papel de Canio, y es hasta hoy la única grabación que ha hecho del personaje; el decano Sherrill Milnes empezaba a despedirse del canto con este Tonio, papel que cantó centenares de veces en distintos escenarios del mundo. También están un joven Darío Volonté en el pequeño rol de Beppe, la cantante yugoslavo-francesa Vera Cirkovic -hoy radicada en la Argentina- como Nedda y el gran barítono nacional Omar Carrión como Silvio. ¿Qué queda hoy de ese proyecto quijotesco? Sólo dos ediciones. La Misatango o Misa a Buenos Aires, para orquesta de cuerdas, bandoneón y piano, con coro mixto a cuatro voces y mezzosoprano solista, del argentino Martín Palmeri, en la que se luce el bandoneón de Pablo Mainetti y la voz de Alejandra Malvino. Y este Pagliacci de reciente salida comercial por Fonocal. Esperan aún su momento Cavalleria Rusticana de Mascagni, en la que sólo falta grabar la voz de Luis Lima, y en la que participaron Vera Cirkovic, Omar Carrión, Karmena Radovska y Helena Voliac. También Andrea Chenier de Giordano donde resta definir el rol de Gerad y grabar a Lima en el rol del título y en la que ya se registraron las voces de Vera Cirkovic (Maddalena), Omar Carrión (Roucher), Karmena Radovska (Madelon) y Marcelo Lombardero (Fleville y Mathieu). Está preparado el registro sonoro de un disco de arias con fragmentos de Boheme, Rigoletto, Turandot, Fedora, Fanciulla, Gioconda, Trovatore, Ballo, Forza y la local Aurora de Héctor Panizza, previsto para la voz de Luis Lima. Y se grabó la orquesta completa para dos óperas de compositores argentinos: Lin Calel de Arnaldo D’Espósito y El matrero de Felipe Boero. Quizás lo más interesante del proyecto y a la vez lo más demorado. El éxito de la edición comercial de Pagliacci, tanto de crítica local como de público, entusiasmaron a Luis Lima a continuar el proyecto. En este momento comenzó a registrar el disco de arias -hay que recordar que su extensa y fulgurante carrera internacional atesora muy pocas grabaciones- y seguidamente completaría la Cavalleria Rusticana. Esperemos que pronto pueda llegar a la cima este proyecto y podamos hablar de las grabaciones argentinas de óperas en Letonia como una realidad tangible y escuchable por los públicos del mundo. Gustavo Gabriel Otero

MAS SOBRE EL ESCANDALO CON LA NIETA DE WAGNER

LEYENDO LOS DIARIOS DE HOY SURGEN DOS PREGUNTAS REALMENTE INTRIGANTES : 1) SI LA INTEMPESTIVA PARTIDA DE LA IRASCIBLE REGISTA FUE PROVOCADA POR LAS PESIMAS CONDICIONES DE TRABAJO EN EL COLON, COMO ES QUE ELLA YA LLEGO CON EL BILLETE MARCADO PARA RETORNAR EN EL MISMO DIA ? SEXTO SENTIDO ? SERVICIO DE INTELIGENCIA ???? HUMMMMMM 2) SI NO SABIA QUE IBA A RETORNAR A ALEMANIA DURANTE EL PERIODO DE ENSAYOS Y ANTES DEL ESTRENO, COMO ES QUE LOS DIARIOS ALEMANES ANUNCIABAN ANTES DE TODO ESTO QUE IBA A PARTICIPAR DE UNA CEREMONIA DE AUDI A DESARROLLARSE EN EL PERIODO EN QUE SUPUESTAMENTE IBA A ESTAR ENSAYANDO ??? NO ES MI POSICION DEFENDER A LA DIRECCION DEL COLON EN TODO LO QUE HACE Y PIENSO QUE ESTE PROYECTO PARA EMPEZAR NO DEBIO EXISTIR, PERO TAMPOCO ES CUESTION DE CREER TODO LO QUE SE DICE SOLO PORQUE PROCEDE DE LA NIETA DE UN GENIO. DEL CUAL PARECE HABER HEREDADO SOLO EL GENIO, PERO EN EL OTRO SENTIDO DE LA PALABRA. EL MAL GENIO, DIGAMOS.

el ring trae mala suerte

EL RING TRAE MALA SUERTE. A fines de año hubo dos anuncios importantes. El teatro Colon iba a presentar en esta temporada una versión abreviada de la Tetralogia preparada y dirigida por Katarina Wagner con un elenco internacional donde se destacaba por ser la mas conocida LINDA WATSON. La versión iba a ser presentada en una tarde unica con una duracion de 5 hs ( mas o menos un tercio del original ) que se irian a 7 con los largos itntervalos, uno de los cuales de una hora seria aprovechado para servir un buffet froid.. El precio, naturalmente era acorde con tanto lujo y costaria unos 3.000 pesos argentinos la platea. Desde un principio hubo polemica con los admiradores de la musica de Wagner que percibieron como un insulto a la memoria del autor presentar una versión mutilada de su obra. Pero tambien hubo quienes salieran en su defensa fundamentalmente basados en que el proyecto seria llevado adelante por alguien con los titulos de la contratada. Las ventas de entradas fueron decepcionantes. Se les dio a los abonados la libertad de renovar con o sin esta funcion y la mayoría opto por el no. Las ventas fuera de abono fueron decepcionantes y obligaron a que las funciones programadas se redujeran de 4 a 2 . Ahora todo el proyecto esta en veremos ante la renuncia de la regista ( y esto genera la duda de si permitira o si esta obligada a dejar que su obra sea dirigida por otro ) y del director musical. Todo esto a pocas semanas del estreno. Es una pena que la temporada del Colon termine con este anticlímax porque ES JUSTO RECONOCER QUE PESE A QUE EN EL PAPEL NO LUCIA MUY PROMISORIA, LA TEMPORADA FUE UNA DE LAS MEJORES DE LOS ULTIMOS AÑOS, CON ALGUNOS PUNTOS MUY ALTOS COMO LAS DOS OBRAS MODERNAS, EL RINALDO, LA EXCELENTE VERSION COLECTIVA DE FORZA ( MAS ALLA DE LAS LIMITACIONES DEL TENOR ) Y UNA VERSION MAS QUE SATISFACTORIA DE CENERENTOLA DONDE ADEMAS BRILLO EL ELENCO LOCAL ( Y CABE INSISTIR EN QUE EL COLON VUELVA A PROGRAMAR FUNCIONES CON LOS CANTANTES LOCALES QUE NO PUEDEN QUEDAR REDUCIDOS AL MERO PAPEL DE COVERS. ) Por su parte, en lo que todos vieron como una replica, el TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA programo hacer este año los dos primeros titulos de la Tetralogia en versión integral y el año proximo los 2 restantes. Se cumplio con el primer titulo, por otra parte el mas facil de cantar, con una regie muy creativa del propio Director Artistico del Teatro y un elenco muy competente de cantantes regionales. Hubo algunos incovenientes con el segundo titulo, donde reemplazos de ultimo momento hacian que el elenco tuviera una mayor incidencia de cantantes nacionales, algunos de los cuales sin prejuzgar no parecian poseer el registro vocal mas adecuado para los papeles que se les estaba asignando. Pero ahora la profunda crisis financiera en que se ha sumergido el Teatro, reflejo en buena medida de la crisis mas general de la Provincia , ha determinado que Valkiria sufra el mismo destino que CAPULETTI y sea en principio postergada para el 2013 lo cual supongo que en el mejor de los casos si esto puede cumplirse, los restantes 2 titulos pasen para el 2014. Los problemas financieros se veian venir porque hace tiempo que los integrantes de los elencos venian reclamando pro atrasos de hasta 6 meses en recibir sus haberes y ya habian habido algunos paros que afectaron ensayos y obligaron a cambiar el titulo de uno de los conciertos ante la imposibilidad de ensayar correctamente el titulo anunciado. La temporada de la Plata fue muy ambiciosa y costosa en terminos de construccioens escenograficas, como el Don Carlo e indudablemente debe haber tenido una incidencia en el colapso actual, que es una pena que ocurra. Esperemos que de alguna manera se encuentre la salida a ambos impasses y nos sea posible ver ambas versiones aunque debamos esperar por una de ellas al año proximo. Y esperemos que haya un poco mas de realismo y mesura al programar temporadas, evitando gastos siderales que luego no pueden ser cumplidos.

la viuda alegre-funcion del domingo 14

LA VIUDA ALEGRE- FUNCION DEL DOMINGO 14 Fue una funcion accidentada y me alegro de haber visto ante las otras tres porque de lo contrario tendria una impresión algo distinta del espectáculo. En primer lugar hubo una seria descoordinación de movimientos en el cuerpo de baile en la escena colectiva del ler. acto que hizo que cada pareja bailara por su cuenta y sus movimientos no “ rimaran “ con los de las restantes. Felizmente el problema habia sido superado en el segundo acto cuando llegaron las cruciales danzas pontevedrinas, que salieron tan impecables como en las otras funciones. La orquesta por su parte no estaba en una tarde feliz y tuvo varios desajustes, el mas grave de ellos, realmente serio, cuando se produjo un bache que de no haber mediado la sangre fria y experiencia del diretor y de la pareja que bailaba en escena podia haber determinado una embarazoza interrupcion para recomenzar con el error ya superado. Una pena porque los cambios en el elenco volvieron a ser muy interesantes. CARELIZ POVEA fue una deliciosa Valencienne, un animalito caprichoso y mimoso un poco en la linea de Ariele con quien tienen en comun una desarmante belleza fisica. Por su parte VANESA FLEITA fue una muy buena Viuda. Me gusto mucho su concepción que mezcla en los encuentros con Danilo el amor, el amor propio herido y el miedo, miedo a volver a entregar su sensibilidad y sufrir un nuevo golpe. OSCAR ESCUDERO hizo un muy buen Rosillon al que solo le pediria una pizca mas de empaque marcial en algunas escenas. Pero estuvo tecnica e interpretativamente inobjetable. Su presencia como Rosillon obligo a promover al papel de Pritschitsch a FABIO GONCALVEZ que estuvo muy efectivo. Me impacto la pareja de jerarcas de la embajada protagonizada por SEBASTIAN ARIAS y PAULO AGUIAR. , que se apoyo menos en la comicidad y realizo una composición muy valiosa de los dos personajes. Arias fue un Embajador mas afectado por la crueldad del pasaje del tiempo y fue a la vez un hombre mas en posesion de la autoridad frente a terceros y mas dominado frente a su mujer joven que le fascina. Eso hizo que la estupenda escena final adquiriera un valor dramatico inusitado A su vez Aguiar encaro el personaje como una autoridad en la Embajada, el brazo derecho del Embajador y logro dar mas realce a las escenas en las que participa. Dos actuaciones muy valiosas. Por ultimo unas palabras mas sobre el Danilo de ISMAEL ARIAS. Arias es un interprete sutil al que nunca hay que ver una sola vez en un papel porque siempre se descubren nuevos detalles en una segunda vision. En la funcion anterior me fascino la forma en que expreso la intensidad de su amor por Ana, un amor que se hace doloroso en algunas escenas. Hoy vi ademas otras caracteristicas que el resolvio resaltar de su personaje. Un bon vivant que siempre pone buena cara a la vida aun en los momentos mas difíciles, pero que tiene su talon de Auiles en su fijación afectiva por la Viuda.. Me encanto el orgullo herido que demostro al ser acusado de acercarse a ella por interes y la agresiva alegria exterior que utilizo en todas las escenas siguientes hasta llegar al deshielo final. Por otra parte fue fascinante su arrebato de colera en la escena del gazebo y sobretodo en la escena final cuando esta al borde de retar a duelo a Rosillon. Una gran creacion fuera de dudas. E INFELIZMENTE NO MAS VIDUAS PARA MI. ESPERO ALGUN DIA LA REPONGAN. QUE HERMOSO SERIA QUE HUBIERA LOS RECURSOS MATERIALES Y EL BNS PUDIERA CONVERTIRSE EN UNA COMPANIA DE REPERTORIO ¡!! PERO NO SEAMOS CODICIOSOS Y SEPAMOS DISFRUTAR LO QUE EL DESTINO NOS HA DADO, QUE APENAS UN PAR DE AÑOS ATRÁS PARECIA UN SUEÑO IMPOSIBLE..

L/ELISIR D/AMORE- HD DESDE EL MET-

L/ELISIR D/AMORE- DIR. MAURIZIO BENINI REG.BARLETT SHER METROPOLITAN OPERA DE NY-TRASMISION EN HD VISTA EN EL TEATRO SOLIS Hay dos operas que son con frecuencia denigradas por los musicologos sesudos que se quejan de la extrema simpleza ( que ellos encuentran ridicula ) de su linea argumental. LA SONAMBULA DE BELLINI y este ELISIR, de Donizetti Precisamente esa sencillez es lo que para mi las convierte en obras maestras. Una demostración de que no es necesario recurrir a complicadas teorias musicales para lograr una musica maravillosa, que llene el oido y perdure en la memoria. Y Elisir es una sucesion interminables de melodías, testimonio irrecusable del talento de Donzatti. Pero no es solamente eso. Apoyada en en un libretto sutil de ese gran poeta que fue FELICE ROMANI autor de varias de las mejores operas de la epoca y de diversos autores, es a la vez una satira ( a Tristan e Isolda con su famoso filtro del amor ) una amable pintura de ambientes y un fuerte drama ( el del tenor ) donde se retratan medio en broma pero bastante en serio los dolores de amar y no ser correspondido y creerse culpado por ello. De alli la gran dificultad de la interpretación de la principal parte masculina que debe participar del jolgorio general, contribuir a la comicidad de las situaciones pero al mismo tiempo sufrir durante toda la opera y hacer creible su dolor .Que debe ver en el Elisir mas que un instrumento que le traera la felicidad, un verdadero remedio que lo curara de ese dolor que ya no soporta, de ser rechazado. Y hay un par de momentos magicos en la descripción de ese proceso . La libertad que siente y de la que disfruta cuando habiendo bebido la pocima “sabe “que en 24 hs. sera amado , y por primera vez puede enfrentarse a ella sin sufrir, sin suspirar y hasta reirse de su vana intencion de casrse con otro 6 dias mas tarde ( SI, DOMANI TE LO DIRO ). Luego la desesperación cuando el cambio de planes situa el casamiento antes de que se sientan los efectos del elisir (ASPETTA AL MENO UN GIORNO SOLO. LO SO PERCHE ) agravada cuando sabe que la cura existe pero no puede pagarla.Luego la imensa alegria cuando ya llevando en sus venas el exceso de alcohol de las dos dosis del licor, se ve asediado por las mujeres del pueblo, y hasta ella parece sufrir, situación que desemboca en la bellisima aria que eternizo a la opera, probando que el publico sabe mas que los musicologos :UNA FURTIVA LACRIMA, y el pequeño amago de la vuelta del dolor cuando Adina le devuelve el contrato pero no le habla de su amor.. Es un gran papel que requiere un gran interprete vocal y dramáticamente. PAVAROTTI, SABATTINI ( que rapidamene arruino su voz cantando papeles muy pesados para ella ) VILLAZON ( quie idem idem ), VARGAS fueron grandes Nemorinos. Y el Colon tuvo un interprete magico en DANTE RANIERI que en una funcion extraordinaria que le dieron ( en la epoca que ojala este retornando habida cuenta del éxito del elenco local en Cenerentola ) obtuvo tras su magnifica ejecución del aria una ovacion inedita en el Colon de 17 minutos, que casi logra romper el tabu de no bisar el aria, algo que si consiguieron SABATTINI y VILLAZON en la muy disciplinada Opera de Viena ( vi al primero en vivo y al segundo en DVD ) Me siento realmente muy viejo cuando pienso que esta es la tercer producción de esta opera en el Met que veo, comenzando por la de los años 80 ( el periodo mas glorioso de la Historia del Met , cuando Levine sento las bases del gran teatro de Opera que hoy disfrutamos todos gracias a la magia del HD) con una puesta magnifica en su sencillez y un notable cuarteto de solistas :PAVAROTTI, en pleno apogeo vocal y utilizando con gran sentido comico su voluminoso cuerpo para dar la torpeza y la ingenuidad del personaje, JUDITH BLEGEN, SESTO BRUSCANTINI ( hubo alguien mejor alguna vez para este tipo de papeles ¿? ) y BRENT ELLIS Esa versión maravillosa fue sustituida después por una versión donde la regie se concentro en dar espectaculo y por ejemplo hacia llegar a Dulcamara en un globo que bajaba del cielo, pero al precio de descuidar completamente la linea argumental Y ahora esta nueva producción les devuelve a los neoyorkinos el privilegio de ver esta opera de Donizetti atendiendose a su argumento verdadero no simplificado , tal como salio de la mente de su autor. Y con todo el realismo y toda la poesia que le pueden dar los magnificos recursos tecnicos de la gran cia industrial productora de operas que es en el fondo el Met. Solo le haria una critica a la producción y es la de que con todos los recursos tecnicos que el Teatro posee, no haya podido evitar el quebrar la accion en el primer acto antes de la entrada de Dulcamara para hacer un cambio de escenario que a priori no parece tan complicado ni tan necesario. Musicalmente las cosas partieron de una garantia absoluta como es tener en el podio un maestro de los quilates de MAURIZIO BENINI, un especialsita en el genero, y vaya si se noto, con la chispeante ejecución de la partitura por parte de esa fenomenal orquesta que tiene el Teatro. Vocalmente tengo mis reservas sobre el elenco, compuesto en los 4 papeles principales por voces grandes, renuentes a cantar piano, que si bien hicieron lo suyo a la perfeccion con una impecable linea de canto, a menudo sonaron demasiado rotundos, dandole un no se que de excesiva seriedad al texto. En ese equilibrio sutil drama-comicidad que exige esta magnifica obra maestra , las voces desequilibraron hacia el lado del drama, el texto fue tomado demasiado en serio y uno se sintio mas cerca de ANA BOLENA que de DON PASQUALE cuando la eleccion del autor esta precisamente en la mitad del camino. ANA NETREBKO que ha cantado varias Adinas memorables, tiene ahora tras frecuentar un repertorio mas pesado, una voz mucho mas encorpada que antes, con un color oscuro y un fuerte registro grave que por momentos resuena demasiado desequilibrando su interpretacion. Canto impecablemente, inclusive la endemoniada coloratura del aria final, pero su personaje no logro convencer. Ana es hoy una gran señora joven y muy elegante , muy lejos de la inocente y picara campesina de la obra. Por ello , interprete inteligente como sin duda es, se sintio en la obligación de sobreactuar la juventud y la rusticidad del personaje, cosa que puede que en el Teatro haya funcionado pero en la trasmision de TV con las camaras escrutadoras del menor gesto , la menor inflexión, es fatal. MATTHEW POLENZANI no es precisament un belcantista, tiene una voz algo demasiado grave para el papel, que canto casi todo el tiempo a viva voz aunque felizmente al llegar el aria aparecieron los pianisimos tan añorados durante el resto de la obra.. Es un actor sincero y eficaz aunque no demasiado intenso. Pero convencio ampliamente en el papel, si bien por ahora no se inscribe en la lista de las interpretciones inolvidables. MARIUSZ KWIECEN tiene toda la pitna necesaria para el seductor Belcore, amen de una hermosa voz baritonal y la perfecta eficiencia en la coloratura que por momentos es particularmente difícil y ha dejado sin aire a mas de un barítono bien dotado vocalmente. El gran triunfador de la noche fue AMBROGIO MAESTRI con una poderosa voz de bajo barítono tan eficiente en los agudos ( algo duros, es verdad, pero quien se fija ) como en los graves. Y con un desparpajo escenico que hizo de su falso doctor algo realmente digno de ser disfrutado. Lo mejor del reparto. Y UNA VEZ MAS BIENVENIDA LA MAGIA DEL HD QUE NOS PERMITE DISFRUTAR DE TODA LA MAGIA DE UN GRAN T EATRO DE OPERA SIN PASAR POR LASS AGRURAS DE LA OBTENCION DE LA VIS, LAS INCOMODIDADES DE LOS VUELOS AEREOS Y SIN LAS DIFICULTADES DE CONSEGUIR UN BUEN LUGAR, PORQUE LA CAMARA NOS UBICA EN LA PRIMER FILA DE LA PLATEA Y MAS CERCA AUN CON SUS PRIMEROS PLANOS. Y ADEMAS PODEMOS DISFRUTAR DE LS ENTREVISTAS Y DE LA VISION INTERNA DE CÓMO SE PROCESAN LOS CAMBIOS DE ESCENARIO. UN MUY BUEN COMIENZO DE LA TEMPORADA QUE OFRECE AL MENOS EN EL PAPEL VARIOS PLATOS FUERTES..

la viuda alegre-funcion del sabado 13

LA VIUDA ALEGRE- FUNCION DEL SABADO 14 La funcion trajo como novedades principales tres cambios de interpretes en papeles solistas . MARIANA CARBAJAL, la nueva Valencienne se las ingenio para diferenciarse de las dos excelentes predecesoraa en la parte ( ARIELE GOMES y nada menos que GIOVANNA MARTINATTO ) dando una versión diferente del personaje, bailado ademas con total solvencia.. Si Ariele fue la mujer fresca, espontanea , irresponsable que se abre al amor y solo después repara en las consecuencias y Martinatto fue mas la mujer majestuosa, esposa del Embajador después de todo, pero dominada por la naciente pasion, Mariana doto a su personaje de una cierta nota de acibar como la mujer acostumbrada a que satisfagan sus caprichos y que demora a comprender que el amor no es uno mas. Las tres bailarinas fueron excelentes, fuera de que la depurada tecnica de Martinatto la hizo sobresalir. GABRIELA FLECHA tenia un difícil compromiso : suceder a MARIA NOEL RICCETTO la ultima adquisicon del BNS, una bailarina perfecta y una estrella internacional que algun dia me gustaria saber como logro convencerla Bocca de que dejara por un año el American Ballet para integrarse al Sodre., y a ROSINA GIL la gran interprete dramatica del cuerpo, que viene de ser destacada como una dde las mejores bailarinas del mundo por una importante publicación especializada. Y tuvo un éxito rotundo. Su Viuda siemrpe agradable de ver y con una perfecta ejecución de todos los pasos de danza, se caracterizo por ser un personaje cargado de ternura un costado que exploto en mayor profundidad que sus colegas. Asi da placer ver versiones diferentes de un mismo personaje, cuando todos son muy buenos y cuando cada uno aporta un enfoque diferente aunque sea por matices. Por ultimo ISMAEL ARIAS tuvo a su cargo la danza folklorica del segundo acto, uno de los momentos mas demandantes fisicamente y que el publico aplaude porque adora las dificultades superadas. En cierto sentido pese al logro total es un desperdicio ver a Ismael en la parte, porque le impide desarrollar lo que es su marca de fabrica : la fuerza interpretativa para caracterizar en profundidad un personaje. Volvio a ser un placer ver al cuerpo de baile todo en las danzas del segundo acto, disfrutar del excelente Rosillon de Guillermo Gonzalez y maravillarse con la entrega y la fogosidad de CIRO TAMAYO que en los dias en que descansa de Rosillon encara el Kromow , un papel exigente y agotador, que el compone con particular brillo. Y hace excelentemente ambos papeles. Dos parrafos aparte para mencionar la muy buena actuación de OSCAR ESCUDERO que fue el PRITSCHITSCH de las 3 funciones que llevo vistas , y que bailo de igual a igual con sus colegas de Embajada. Y un elogio a la direccion y la orquesta en si que , una vez superada la introducción algo machacona, sono con belleza y elegancia. Y uno de los instrumentistas, como bonus nos obsequio entrenandose en el intervalo con su instrumento un bellisimo fragmento del tercer acto de TRISTAN E ISOLDA de WaGNER. La opera fue al ballet, entonces.