DON CARLOS, TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA

DON CARLOS- DIRECCION MUSICAL DE ALEJO PEREZ- DIRECCION ESCENICA DE FRANCESCO ESPOSITO

No es ningun secreto para quienes me conocen personalmente que DON CARLO junto con DON GIOVANNI DE MOZART  son mis dos operas favoritas. Y son las que mas he tratado de ver cuando viajaba al exterior. Amen de las que tengo mas versiones grabadas en casa ( de Don Carlo debo tener alrededor de 30 ). Si tomamos un unico ejemplo, por no aburrir, he visto en  Ebboli a  VERRETT,COSSOTTO,URMANA ( debut en Viena ) BUMBRY, TROYANOS,BERINI  amen de alguna otra que pueda olvidarme aquí y de algunas cantantes locales que se han destacado en el papel.

Digo esto no para hacer alarde de lo que vi, porque seria como hacer alarde de ser viejo que es en definitiva lo que me ha permitido ver todas esas grandes intepretaciones, sino para explicar para espectadores que toman ahora contacto con la obra , el por que tengo en  algunos puntos un cierto  nivel de exigencia. Es que las comparaciones , por mas que uno trate de evitarlas, son inevitables y a menudo odiosas.

Comienzo por hacer un voto de aplauso para el Teatro Argentino por la decisión de montar esta obra dificilisima entre las obras maestras de Verdi, por las exigencias colectivas ( el coro y la  orquesta tienen partes muy demandantes ) e individuales ( varios de los papeles solistas figuran entre los mas dificultosos y destacados para sus  respectivas cuerdas ), y de hacerlo en esta vesion completisima que abrio casi todos los cortes que se hacen en beneficio de la brevedad, algunos inclusive hechos por el propio Verdi para hacer mas potable su gran obra. Ejecutada en su integridad DON CARLO exhibe toda su grandiosa fuerza dramatica, que esta com puesta por el talento musical de Verdi en el apogeo de su madruez, y por un riquisimo texto que tiene como punto de partida nada menos que a Schiller, que ha sido objeto de una inteligentisima reduccion para permitir el desarrollo musical

Es un drama tenso, de amores desencontrados, de almas sufrientes que sacrifican su felicidad personal y hasta su vida a sus ideas, en un contexto oscuro dominado por la sombra ominosa de la Santa Inquisición  y el absolutismo. Es ademas un drama complejo donde puede decirse que no hay villanos, donde cada uno tiene razones para actuar de la forma en que actúa y que si hace mal a otros,, comienza por hacerselos a si mismo tras la búsqueda de un ideal. Y Verdi ha sabido encontrar para cada personaje, para cada escena el tono musical mas elocuente que uno pueda imaginar, con una partitura rebosante de riqueza melodica y de momentos de gran   impacto dramatico y auditivo.

La versión que ofrecio el Teatro Argentino tuvo dos puntales : En primer lugar  el desempeño brillante de la Orquesta , magníficamente conducida por ALEJO PEREZ  que se ratifica como uno de los conductores mejor dotados del medio y que esta logrando elevar el cuerpo estable al nivel de las mejores orquestas del continente, en un trabajo que, salvando las distancias, remeda al desarrollado por JAMES LEVINE  con la orquesta del Met. Y luego el coro , de un magnifico rendimiento  bajo la estupenda direccion de de MIGUEL FABIAN MARTINEZ  al cual le corresponderian conceptos no menos elogiosos que al maestro Alejo Perez.

Una ejecucion sin fisuras, con una intensidad dramatica por momentos angustiante. Un trabajo notable.

Para que  DON CARLO  funcione son necesarios ambos elementos, pero no bastan. Los personajes son de una complejidad tal y de un grado de exigencia musical tal que requieren intepretes geniales. No basta que sean correctos. Y no se encuentran a la vuelta de la esquina.

En este rubro el TA cumplio en parte con un par de notables creaciones, acompañadas de otras menos logradas pero que nunca bajaron de un  nivel satisfactorio.

Prioridad absoluta en el elogio para CARLA FILIPSIC HOLM. Levemente incomoda en la primera escena donde la levedad vocal y fisica del personaje en su alegre juventud le ocasionaron algun esfuerzo, a partir de la escena siguiente tuvo un desempeño memorable en todo sentido. Dotada de una voz potente y de timbre bellisimo, sobresalio en todos los concertantes y se dio el lujo de explayarse en tenues pianisimos en las arias. Asi su versión de NON PIANGERE MIA COMPAGNA  fue sencillamente involvidable, pero fue superada aun por su TU CHE LE VANITA  y el duo final donde alcanzo un nivel de perfeccion absoluta. Gran interpretación para recordar durante mucho tiempo. (ACLARO QUE CITO LOS NOMBRES DE LAS ARIAS EN ITALIANO PORQUE ES COMO LAS TENGO MEMORIZADAS, PERO QUE LA FUNCION FUE CANTADA EN FRANCES )  A su lado el tenor frances LUCA LOMBARDO tuvo un desempeño magistral. Dotado de una voz mas lirica de lo que pide la parte y de un timbre que en algunos momentos puede no ser del agrado de todos, canto con absoluta entrega emotiva y emocional, sin reservarse nada , jugandose  en todo momento. Pese a que su voz no tiene el volumen de Filipsic, se hizo oir perfetamente en todos los duos y concertantes y coloco algunos pinanisimos de gran belleza sobre todo en el primer acto cuando aun tenia la voz totalmente fresca. Es una parte agotadora, la mas demandante de la Opera y fue la suya una actuación  de grandes quilates, que en mucho contribuyo al éxito de la reprsentacion. RUBEN AMORETTI  fue un Felipe II de gran fuerza vocal, con un bellisimo timbre de bajo, cantado ademas con gran entrega emotiva. Como actor fue apenas correcto no consiguiendo proyectar ni el caracter dominante de su Monarca ni la angustia que lo domina durante toda la obra. KUM GALABOV , muy desenvuelto como actor, tiene una bella voz baritonal que causa frisson cuando canta en la zona aguda y en el forte, y pierde algo de sonoridad en el centro, tendiendo a ser cubierto por la orquesta. Fue un mas que muy buen Rodrigo. No me convencio  JOSE ANTONIO GARCIA  como Inquisidor. Demasiado joven, no pudo crear la imagen de senectud del personaje, y ademas carecio de la voz dominante que tiene que tener este personaje, no pasando de una correcta arproximacion. .ELENA SOMMER  es una cantante musical con una bonita voz central pero carece del registro grave necesario para impactar en el OH DON FATALE  y sus agudos fueron meramente correctos debiendo acortar el agudo final del aria. MARIO DE SALVO lucio una voz mucho mas importante como el monje aunque no siempre me aprecio comodo en la tesitura. Hermosa la voz del cielo de VICTORIA GAETA, realmente celestial. SERGIO SPINA  causo asombro con sus bien colocados agudos como el heraldo, un papel en el que suelen oirse voces bien menos eficientes. FABIOLA MASSINO  fue un desenvuelto paje con buena voz aguda, un puntal en los concertantes.

La regie alterno aciertos con errores. Me gusta la idea de un escenario unico , sombrio ademas, para una obra que tiene que proyectar un clima de agobio. El bosque del primer acto debio ser diferente sin embargo, un homenaje al unico dia de felicidad de la frustrada pareja. Los movimientos de los solistas y sus atuaciones estuvieron bien diagramados, correspondiendo preguntase si la falta de profundizacion en los mismos ( el Rey sobretodo ) se debio a trabajo insuficiente en su preparación o a limitaicoens naturales de los interpretes.

Decididamente no me gusta oa idea del teatro dentro del teatro. Para que ¿?

Y ademas esta idea fue la que llevo a que el coro no estuviera en escena en dos momentos clave, destruyendo en parte los respectivas momentos : cuando Elisabetta duda un instante en aceptar o no ser Reina de –Francia y las mujeresjres y madres españolas le suplican que acepte para terminar con una guerra atroz, y en la rebelion contra el Rey que es sofocada por la aparicion del Inquisidor que manda a todo el mundo ( a quienes ¿? ) postrarse ante el Rey.

Pero ninguna de estas dos limitaciones se equipara a la terrible gaffe  en al escena del aria de Felipe. Seguramente convencido de que la larga y bellisima introducción al cuadro y al aria, es aburrida , decidio colocar algo en escena para amenizar el vacio. Y no tuvo mejor idea que colocar a Ebboli saliendo de la cama donde ha pasado la noche con el Rey y a la Reina osbsrvando con espanto como se retira. Todo esto volviendo un sin sentido total la escena que precede al OH DON FATALE  donde  Ebboli se confiesa a la reina que escucha horrorizada la historia de su relacion con el  Rey, como si no lo hubiera visto 20 minutos antes con sus propios ojos. Hay que leer mas el libretto señores directores. ¡!

EN SUMA UN ESPECTACULO IRREGULAR QUE EN SUS PEORES MOMENTOS ES UNA BUENA APROXIMACION A UN TEXTO VALIOSISIMO Y EN SUS MEJORES MOMENTOS TEATRO LIRICO DEL PRIMER NIVEL .

LA DECEPCIONANTE TEMPORADA 2012 DEL COLON

 El Teatro Colon anuncio su temporada 2012. Evidentemente cada uno habla de lo que ocurre según sus criterios y sus gustos personales. Y la opinión de otros solo puede servirnos si tenemos gustos o inclinaciones mas o menos similares. Con todo me animaria a apostar que mis preferencias tienden a coincidir mas con la de la mayoria del publico que participa de los abonos del Teatro Colon, que las de los criticos que han cantado loas a esta programación.

Para mi es un DESASTRE y hasta cierto punto de vista una ESTAFA. Amparados en la obligatoriedad de la compra del abono para no perder la ubicación para temporadas futuras, en las que no perdemos las esperanzas de que el Teatro vuelva a ocupar el lugar rector que antes enia en el mundo lirico nacional y hasta sudamericano, las autoridades nos descerrajan una programación elitista que solo inclye 2 titulos del repertorio tradicional que es el que todos quisieramos ver cantado y representado con el nivel de calidad a que nos tenia acostumbrados el Teatro. Para poder ver esos titulos se nos obliga a adquirir localidades para un oratorio, dos operas modernas , 2 operas de valor arqueologico para colmo una de ellas ni siquiera escenificada. Y se anuncia una serie de nombres bien poco conocidos con el agravante que de las 5 primeras figuras que se anuncian 3 no participaran de espectáculos incluidos en el abono y una de ellas es traida para hacer un titulo menor y con una orquesta y un coro  que no son los del teatro, que mucho podrian haberse beneficiado con su presencia en el podio.

Y el broche de oro es la absurda decisión de abrir mano de representar la Tetralogia de Wagner en su versión integral en un teatro que tiene una valiosa tradición al respecto, y ofrecer en su lugar una especie de tea party para socialites, donde la compleja obra wagneriana se resumen a  6  horas y 20 con intervalos monstruosos de   2 horas totalizando 8,20 horas de permanencia continua en el Teatro, que por suerte sera optativo .YO PERSONALEMNTE PASO Y PREFIERO ADQUIRIR ENTRADAS PARA VER 2 O 3 VECES LA TEATROLOGIA COMPLETA  QUE SERA MONTADA EN LA PLATA que al fin de cuentas esta exhibiendo una programación de mayor calidad que este que fue nuestro primer coliseo.

QUE NOS OFRECEN:
1-el oratorio “ LA PASION SEGÚN SAN MARCOS “  de  OSVALDO GOLIJOV-

2- lo que seguramente sera la atracción mayor de la temporada LA FORZA DEL DESTINO  que incluira la presencia de nada menos que       DIMITRA THEODOSSIU revezandose con  ANGELA MARAMBIO la altisonante soprano de SIMON BOCCANEGRA  de este año, y que incluye a la gran mezzo AGNES ZWIERKO  (brillante Zia Principesca este año en SUOR ANGELICA )  que se revesara con MARIA LUJAN MIRABELLI, que desde su Ebboli de hace unos años no tenia un papel de esta importancia.El magnifico barítono FABIAN VELOZ en el segundo elenco y aparentemente en todos los elencos porque no se menciona reemplazante , el gran bajo italiano ROBERETO SCANDIUZZI. Habra dos Melitones de lujo en la persona del veterano LUIS GAETA que demostro gran capacidad para este tipo de papeles en su excelente Bartolo en el Teatro Solis, y LUCIANO MIOTTO  un verdadero especialista en este tipo de papeles, que ya dio una versión inolvidable del Melitone en la versión de Casa de la Opera en el Avenida.

Las funciones seran el 22,24,26, y 28 de abril y las extraordinarias el 2 y 4 de mayo. DIRIGEN  RENATO PALUMBO Y HUGO DE ANA.

3- OEDIPE de ENESCU, opera estrenada en 1936 que ira  en los primeros dias de junio, NO TENDRA EXTRAORDINARIAS LO CUAL REVELA QUE EL TEATRO SABE PERFECTAMENTE LO DIFICIL QUE SERA CONSEGUIR PUBLICO PARA VERLA.

4-RINALDO  de HAENDEL  en VERSION DE CONCIERTO  a mediados de junio y SIN EXTRAORDINARIAS, CLARO.

5-ERWARTUNG   de SHCONBERG y HAGITH  de SZYMANOWSKI , dos operas cortas, la primera de ellas excepcional que tuvo una excelente versión en el MET hace unos cuantos años con la gran JESSIE NORMAN dirigida por LEVINE, pero en aquella oportunidad traducida al ingles para hacerla potable al publico de EEUU.Aqui sera protagonizada por la gran soprano EVELIN HERLITZIUS-Las funciones seran los dias 22,24,26 y 28 de julio SIN EXTRAORDINARIAS

6- I DUE FIGARO  dirigida pro RICARDO MUJTI  y EMILIO SAGI  con una orquesta juvenil y un desconocido CORO DE VIENA  que no es el de la STAATSOPER supongo. Elenco juvenil tambien. TENDRA EL INDUDABLE INTERES DE VER A MUTI SI BIEN EN UNA OBRA DECIDIDAMENTE MENOR  DE UN AUTOR MENOR, que tendra no obstante el interes de ver una especie de culminacion de la Trilogía Figaro después de las afamadas operas de Rossini y Mozart ( ambas hubieran sido geniales en manos de Muti, con el elenco adecuado , pero para que

soñar con manjares si nos han peusto a dieta  )Funciones 28 y 30 de agosto, 1 y 2 de setiembre SIN EXTRAORDIANRIAS

7-LA CENERENTOLA  dirigida por BRUNO CAMPANELLA Y SERGIO RENAN- El segundo titulo atractivo de la temporada por un elenco de figuras internacionales poco conocidas y la presencia de valores locales como LUCIANO MIOTTO  ( que espero sea Don Magnifico ) y FERNANDO RADO  a quien inexplicablemente no le dieron  siquiera una funcion de la FORZA..Funciones los dias 25,28 y 30 de setiembre y 3 de octubre, con una extraordinaria el 5 , DEMOSTRANDO QUE EL TEATRO Y SUS AUTORIDADES SABEN MUY BIEN LO QUE EL PUBLICO QUISIERA VER.

Por ultimo la TETRALOGIA PODADA ira los dias 27,30 de noviembre y 2 y 4 de Diciembre , pero sera optativo comprar ingresos o no. Pero presumo seran caras ya que incluyen 2 meriendas y un buffet froid, que supongo que seran una atracción irresistible para todos aquellos que gustan mas de ir al Colon que de oir opera, como en las antiguas veladas del Gran Abono, que eran un must para los miembros de la elite

MIENTRAS, EL COLON CONTINUA EN DEUDA CON

SUS ABONADOS QUE GUSTAN REALEMNTE DE LA OPERA Y SOBRETODO CON LOS CANTANTES LOCALES QUE SIGUEN IMPEDIDOS PRACTICAMENTE DE PARTICIPAR DE LAS TEMPORADAS ANTE LAS CARACTGERITICAS DE LOS TITULOS QUE SE PRESENTAN Y QUE HACEN AÑORAR LOS FELICES TIEMPOS PASADOS EN QUE LOS ARGENTINOS PODIAN CANTAR EN EL COLON EN LAS FUNCIONES EXTRAORDINARIAS AL PAR QUE ADQUIRIR EXPERIENCIA VIENDO ENSAYAR A SUS COLEGAS MAS EXPERIENTES DE LOS ELENCOS INTERNACIONALES.

 RECUPERAREMOS ALGUN DIA ESTE TEATRO ¿??.POR AHORA NOS QUEDAN LOS CONSUELOS DEL TEATRO AVENIDA Y LOS VIAJES A LA PLATA.

PEOR ES NADA.

MACBETH POR BUENOS AIRES LIRICA-TEATRO AVENIDA

MACBETH – DIR MUSICAL JAVIER LOGIOIA ORBE-DIR ESC.FABIAN VON MATT- BUANOS AIRES LIRICA EN EL TEATRO AVENIDA.

Nunca consigo salir de mi asombro de que Verdi haya conseguido escribir una obra maestra , de rara madurez, en el periodo juvenil de su carrera, cuando todavía no habia  siquiera escrito su famosa Trilogía popular (TRAVIATA,RIGOLETTO TROVATORE), ni que decir las obras maestras de su periodo de madurez final.- Es verdad que el maestro introdujo importantes revisiones a su concepción original para su estreno en Paris 20 años después, cuando ya estaba en plena madurez creativa  ( los mas notorios  la inclusión de LA LUCE LANGUE en sustitución del aria original de la soprano en el segundo acto,  el breve duo soprano-baritono al final del acto 3 que sustituye a un aria para barítono oriigjnalmente incluida en este punto, y el nuevo final de la Opera , eliminando el aria MAL PER ME, que sin embargo es con frecuencia incluida tambien en las representaciones actuales, tal como lo hace esta versión ). Pero salvo en muy contados momentos no se percibe un contraste entre el material nuevo y el material original, un problema que afecta notoriamente otra revision madura de una obra anterior, como es el caso de SIMON BOCCANEGRA.

Lo cierto es que el MACBETH  de Verdi, sea cual sea la causa es una verdadera obra maestra digna de figurar entre las grandes obras del autor.

Es ademas un texto particularmente exigente no solo por las demandas dramaticas al elenco, que después de todo debe representar a Shakesperare, sino por las exigencias vocales, principalmente  las requeridas a la soprano que tiene a su cargo un papel agotador y por las demandas a los coros y la orquesta.En suma una empresa particularmente dificultosa.

La vesion de BAL tuvo sus limitaciones, es justo reconocerlo desde el vamos, pero fue en todo momento una representación de nivel serio, profesional, de un texto demandante, con altibajos interpretativos.

Comenzando por la regie, que tuvo el gran merito inicial de mantener la obra tal como fue concebida en lugar de ofrecernos uno de las ahora usuales recreaciones disparatadas que contradicen lo que se esta escuchando. Y tuvo algunas aciertos de concepcion , como por ejemplo la escena de las apariciones donde sustityo los espiritus de los futuros reyes por las imágenes de sus madres coronadas visiblemente en periodo de embarazo primero y portando los bebes después,o la idea de mostrar la batalla final detras de un cortinado intermitentemente vuelto transparente  por flashes de luz. Pero en otros momentos padecio de algunos desaciertos entre los que cito la exagerada utilización del recurso  antes mencionado de presentar escenas por detrás de un cortinado trasparente, que a mi juicio destruyo el impacto drmatico por ejemplo del bellisimo coro PATRIA OPRESA, que rivaliza en belleza y dramatismo con el mas celebre VA PENSIERO  de NABUCCO, o incluyó algunas ideas que no funcionan como  la escena inicial con tres brujas mudas en escena mientras el coro femenino canta entre bastidores, lo cual resto impacto a la escena y

ademas provoco desajustes sonoros ( se oyeron poco las voces y no siempre al unisono  con la orquesta )presentar al asesino de Banquo en el banquete todavía con el rostro sucio de sangre, en una lectura literalista de lo que Macbeth le dice  ( TU TIENES EL ROSTRO SUCIO DE SANGRE ) que es obviamente figurado ya que su presencia en ese estado en la recepcion provocaria un desbande generalizado de los invitados, y no note un trabajo particularmente intenso con los interpretes solistas, que mas bien parecieron actuar según sus virtudes y limitaciones, por lo que hubo desnivles notorios.

En general fue buena la labor del LOGIOA al frente del podio, conservando la unidad del texto. Pero hubo momentos en que la orquesta y el coro escaparon a su control , el mas notorio la fanfarria del ultimo acto que estuvo cerca de sonar atonal.

El coro alternó muy buenos momentos con otros menos logrados. Y la orquesta en general tuvo una buena noche, sin lograr sin embargo momentos demasiado expresivos a la altura del texto que se estaba representando.

LADY MACBETH es el papel mas exigente de la obra en lo vocal y del repertorio en general , y es usualemtne la piedra del escandalo por la dificultad de encontrar una soprano que pueda hacerle frente sin incurrir en limitaciones y/o sonidos poco agradables al oido. Aquí  MONICA FERRACANI lucio totalmente en dominio de la partitura con sus extremos agudos y graves, y con los requisitos en materia de agilidad , lo que no es poco. Es verdad que hubo algunos sonidos tirantes, pero no mas de lo que se oye con interpretes mas cotizadas del papel  ( conozco una solitaria excepcion que es  nada menos que SHIRLEY VERRETT a quien tuve el privilegio de ver en NY sustituyendo sin previo aviso a una renuncianate EVA MARTON que luego de un tragico incidente en la noche del estreno donde alguien cayo o se arrojo desde lo alto del Met a la platea, decidio que era verdad que la opera etaba maldita y decidió nunca mas cantarla en su vida) y seguramente la soprano tendria un mercado cautivo para este papel si viviera en Europa y pudiera pasearse por los Teatros de las ciudades menores del continente, que no pueden contratar al contado numero de primeras figuras que cantan la parte. Ferracani, que es básicamente una soprano lirica excepcionalmente dotada en terminos de volumen y extensión parece en sus ultimas apariciones publicas haber revisado su tecnica de emision reduciendo drásticamente su tendencia a producir el llamado vibratto de glotis vulgarmente denominado caprino que ahora aparece solo ocasionalemtne en ciertas notas del registro central, y ha ratificado su facilidad para los agudos  ( aunque algunos suenen marcadamente acidos o metalicos )y la mezza voce produciendo un impactante agudo final en la escena de la locura y logro una razonable sonoridad en los exigidos graves que estan fuera del alcance normal de su registro. Fue la mejor actuación  del elenco solista y reitero estaria muy en demanda de los teatros no centrales de Europa si alli viviera. Actoralmente estuvo sobria y solida, si bien epidermica, una limitacion que en general fue extensiva a todo el elenco, lo cual quizas habla de  un insuficiente desempeño de la regie. 

LUIS GAETA  en el otro papel central de la obra, no estaba visiblemente en una buena noche vocal. Todos sus intentos de producir pianisimos , que son uno de los fuertes de su armadura vocal fueron rapidamente abandonados ante la constatacion del peligro de que se quebrara la voz, y tuvo dificulutades cada vez que tuvo que cantar del centro hacia abajo.Padecio ademas de algunos desajustes en la afinación en los duos y concertantes. Por el contrario su registro agudo sono impactante tanto en su precision como en el volumen. El timbre de Gaeta esta sufriendo un raro cambio pues con los años parece estarse aclarando por momentos sonando atenorado, en lugar de volverse mas grave como es lo usual en barítonos que avanzan en la madurez de sus carreras. Como actor estuvo correcto, pero muy lejos de las demandas tragicas que la parte implica.

Notable el Banquo  de CHRISTIAN PEREGRINO, un lujo al oido por la precision de las notas, la belleza del timbre, la importancia del volumen, el uso inteligente de la mezza voce , a los cuales se sumo una actuación ejemplar. Fue el unico del elenco que logro trasmitir totalmente su personaje, particularmente en las contraescenas y en sus difíciles aparciones mudas como fantasma. ARNALDO QUIROGA  parece tener todos los requisitos vocales como para ser un impactante tenor lirico con un bello registro central, facil mezza voce y agudos seguros e incisivos. Pero su actuación vocal y escenica se resintio de un estilo melodramatico mas propio de una opera verista, llegando a sustituir en un par de ocasiones las notas escritas pro exclamaciones recitadas, en un efecto de notorio  mal gusto ( un amigo caustico comento en el intervalo que dado el estilo con que canto no hubiera sido de extrañarse que al final del primer acto anunciara la muerte del rey diciendo HANNO AMMAZZATO COMPARE DUNCANO )

NAZARETH AUFE  logro una impactante intervención muda en el final del primer acdto con una gran interpretación dramatica, que ratifico en escenas posteriores exhibiendo ademas una bellisima y segura voz de tenore leggero.

WLATER SCHWARZ y SABRINA CIRERA  demostraron con voces seguras y buena disposición dramatica que no hay papeles pequeños .

Y no resisto la tentacion de gastarle una broma a mi amigo el excelente barítono lirico  RICARDO CRAMPTON diciendole ( tongue in cheek como dicen los ingleses ) que al fin BAL le encontró una parte acorde con sus dotes actoreales y con su estampa. ( no se admiten replicas , jajaja), en lo que dejando la broma de lado fue un autentico lujo de casting incluirlo como una de las apariciones que en esta versión no llegan realmente a aparecer.

PRIMERA IMRPESION @@@

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MA NON-SEGUNDO ELENCO Y RECTIFICACION

Uno no deberia formarse una opinión sobre una obra la primera vez que la ve, sin  haber visto mas de una versión. Correse el riesgo de atribuirle a la obra limitaciones que son de la versión o viceversa. Es lo que me ocurrio a mi la noche del Martes con el BALLET MANON que veia por primera vez en mi vida en el TEATRO COLON.

Volvi a verlo el Miércoles a la noche con un elenco de solistas principales totalmente diferentes. Y sali con una opinión bien distinta. Claro que existe la posibilidad de que con la frecuentacion estuviera en mejores condiciones de apreciarlo, o simplemente que yo estuviera en una mejor noche para ver ballet. Pero algo me dice que no es asi, que el espectaculo que vi el Miércoles funciono mucho mejor que el que vi el martes, y los aplausos del publico que fueron insistentes durante toda la obra y no solo en las escenas finales como en el dia anterior, me sugieren que asi debe de haber sido.

Sea como sea, lo cierto es que debo desdecirme en gran medida sobre los valores teatrales de la coreografia de Mac Millan ( quien sere yo para criticarlo ¡!!) que sigue pareciendome tiene muchos momentos meramente ornamentales  algunos de ellos indudablemente necesarios porque no se puede pedir a los bailarines solistas que bailen todo el tiempo en una  obra que supera ampliamente las 2,30 horas de duracion ) y que inclusive algunos pasos dentro de los numeros principales a cargo de los solistas parecen estar dictados por necesidades mas esteticas que dramaticas, pero con el mismo criterio yo como amante de la Opera debiera crticar muchos momentos en que los compositores se abandonan a su creatividad melodica y repiten frases o estrofas enteras para mejor desarrollar la partitura, y son esos algunos de los momentos que mas festejo como espectador

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Hay en la obra una sucesion de números que son verdaderas joyas de la expresión teatral bailada : el enamoramiento en el pas de deux del primer acto,  la desbordante alegria y pasion del pas de deux de la escena del  cuarto, el pas de trois que le sigue donde se hace evidente el tratamiento de Manon como una mercancía por Lescaut y MG, el final del cuadro con Lescaut obligandolo a Des Grieux a aceptar el dinero recibido por la “  venta “ de Manon, suprema humillación. El magnifico solo de Manon ante la mirada de animal herido de su ex amante, el pas de deux donde este implorante trata de recobrarla,  la brutal escena final del cuadro siguiente con el asesinato de Lescaut, la fuerte escena de la oficina del carcelero donde  se insinua de manera harto evidente que este obliga a Manon  arrodillada frente a el a satisfacerlo sexualmente, con un bajar y alzar del pantalón meramente simbolico pero muy evidente, y la fabulosa escena final , que es de antologia con el desesperado intento de Des Grieux por mantener viva a Manon mientras esta moribunda revive las imágenes del pasado. Son todos fragmentos que lo piden todo del interprete  pero tambien son terriblemente exigentes con el bailarin ya que Mac Millan cultiva una gestualidad muy difícil de ejecutar.

KARINA OLMEDO  igualmente efectiva que su anctecesora en lo tecnico, me parecio mucho mas comprometida con el drama en toda la obra, si bien en la escena final  no llego al mismo nivel de desfallecimiento que su predecesora que era directamente un ser que ha perdido el alma y la voluntad

Impactante la labor de FEDERICO FERNANDEZ  quizas en las primeras escenas menos seguro técnicamente que su predecesor, pero con un grado de entrega emotiva total, logro dar gran vuelo dramatico a cada una de las escenas. En el pas de deux final fue tal la entrega emocional de ambos protagonistas que demoraron hasta la cuarta salida a saludar en volver a ser ellos mismos y disipar la angustia que habian creado. Hermoso de ver. Y angustiante.

VAGRAM AMBARTSOUMIAN  que habia sido el carcelero la noche anterior, fue esta noche el Lescaut impecablemente bailado e interpretado especialmente en la difícil escena de la borrachera, quizas una autosatira del pas de deux convencional en la que tiene que bailar y hacer los pasos mas usuales con su compañera pero torpemente, perdiendo el equilibrio y hasta amagando dejarla caer. Debe ser muy difícil de hacer.

Fue sustituido como carcelero por IGOR VALLONE, que fue igualmente convincente.

En el  cuadro 1 del acto 1 hay una banda de mendigos con un jefe, que tiene a su cargo un par de danzas significativas. La noche anterior fue  EMILIANO FALCONE que capto bien la insolencia y la simpatia  del papel. En la noche siguiente EDGARDO TRABALON  ( el excelente Lescaut del martes )bailo muy bien   , pero parecio demasiado serio para la parte.

Muy buena direccion orquestal del joven director CARLOS BERTAZZA  dirigiendo la orquesta estable del Teatro en una gran interpretación. ( aqui si cabe la envidia de los asistentes al Sodre que por razones de fuerza mayor o simplemente de fuerza tenemos que conformarnos con cintas grabadas. )

NO PUEDO ESTAR EN TODOS LADOS

DEBIDO A MI AMBICIOSA AGENDA DE VIAJES NO ME FUE POSIBLE, (Y COMO LO LAMENTO) , VER LAS TRASMISIONES DE DON GIOVANNI Y SIEGFRIED DEL MET. POR LO QUE NO PUBLICARE OPINION EN ESTE MOMENTO.
DE CUALQUEIR MANERA ACA EN BA HAY UNA REPTECION QUE TIENE LUGAR UN PAR DE MESES DESPUES Y ESPERO VERLA. CASO CONTRARIO UN AMIGO QUE VIVE EN EEUU HA PROMETIDO ENVIARME LA GRFABACION.

ALLI SUBSANARE ESTA OMCISION, POR LA CUAL ME DISCULPO.

MANON ( BALLET ) EN EL TEATRO COLON

MANON -  COREOGRAFIA DE KENNETH MACMILLAN-MUSICA DE JULES MASSENET CON ARREGLOS DE LEIGHTON LUCAS E HILDA GAUNT

REPOSICION DE KARL BURNETT-DIR. MUSICAL CARLOS BERTAZZA

TEATRO COLON

Mi primera reaccion fue envidiar al Teatro Colon por tener una producción propia de este ballet, con una bonita escenografia basada en telones pintados de estilo clasico ( que envidia sentimos ademas los aficionados a la opera de los aficionados al ballet que no han sido condenados a soportar puestas inconoclastas y visualmente horrorosas  de los clasicos ) y un bonito vestuario. Pero en el intervalo lei en el programa que la producción es alquilada al Teatro Municipal de Santiago de Chile, por lo que mi envidia estaba mal dirigida. El Colon esta tambien pasando por la etapa de no tener puestas propias y alquilarlas de los teatros que si las tienen. Y si eso es explicable en un ballet o una opera como las del SODRE que estan resurigiendo literalmente  de las cenizas, en un teatro que  como el Colon era mundialmente famoso por sus talleres, es un verdadero escandalo.

Era mi primer experiencia con este ballet ( no soy un aficionado antiguo al genero y mas bien me hecho fan del ballet como consecuencia del renacimiento  espectacular de la actividad en el nuevo SODRE gracias a la presencia rectora de JULIO BOCCA ) y lo primero que me sorprendio es que siendo de Massenet la musica, nada tiene que ver con la magnifica opera que compuso sobre el tema. Por el contrario se emplean fragmentos musicales de otras operas del autor  ( Thais , por ejemplo ) y no pude distinguir ninguna cita a la partitura de la Opera.  Argumentalmente ademas esta algo mas cerca de la Manon Lescaut de Puccini, ya que incluye la escena final en el desierto ( aquí un pantano ) y no incluye la escena de S.Sulpice que es muy probablemente el momento mas admirable de la Opera.
Pero hay otros puntos argumentales en los que se separa nitidamente de las dos operas. Lescaut aquí es mas claramente venal y prácticamente vende a su sobrina,  Manon sigue mas claramente de manera voluntaria a MG atraida por los vestidos y las joyas, Des Grieux mata a un oficial para liberarla y a ello se debe la huida.

Yo no soy por ejemplo un gran entusiasta de la coreografia de M.Millan para ROMEO Y JULOIETA  . Prefiero nitidamente la de Cranko que me parece mas teatral, mas concentrada en su tema. MM es mas ornamental, agrega mas detalles y tiene mas escenas que cultivan el baile por el baile, lo cual quizas ssea mas del agrado de los verdaderos balletomanos, pero a mi que vengo del teatro , me distancia un poco.

Hubo momentos del primer y segundo acto donde francamente me aburri ante la sucesion de danzas EN ABSTRACTO CON ESCASO SENTIDO TEATRAL. Esto se vio agravado por la actuación dell cuerpo de baile del Colon que me parecio técnicamente bien lograda pero con un no se que de burocratica, de escaso compromiso emocional.. Inclusive los solsitas, con excepcion del magnifico EDGARDO TRABALON ( Lescaut ) me parecieron poco compenetrados con sus personajes.

Pero a partir de la escena final del segundo acto ( MG irrumpe en el cuarto donde Des Griex y Manon viven su romance, con soldados y un Lescaut encadenado y vandalizado que después es asesinado a la vista de ambos ) el espectaculo levanto vuelo y comenzo a adquirir estatura y concentración dramatica., que fue en crescendo en las tres escenas del ultimo acto. La escena en el puerto con las deportadas, Des Grieux desesperado ante la inminente partida de Manon, el oficial que se siente atraido por ella y la hace llevar a su despacho, la escena del despacho con el intento de seduccion y la irrupción de DG , la muerte y la fuga,son  ya momentos de gran intensidad, pero nada es comparable a la vibrante escena final. Manon desfalleciente revive entre sueños el pasado reciente. Des Grieux intenta devolverla a la vida .Es un pas de deux ( con “coro”

atrás ) de gran fuerza dramatica. Con una Manon que tiene que bailar completamente entregada a los movimientos de Des Grieux, como si careciera ya de vida propio, como si fuera un muñeco de trapo en sus brazos, casi inerte y con la terrible mascara de la muerte pintada en el rostro. Sencillamente alucinante. Aquí los dos solsitas JUAN PABLO LEDO y NATALIA PELAYO  se superaron a si mismos y alcanzaron , muy especialemtne ella, un nivel de total entrega y compenetracion con el drama, un verdadro momento de magia teatral. No debo de ser el unico que lo sintio asi., porque el publico del Colon bastante parco hasta alli en materia de aplausos  ( solo se aplaudió mucho la escena de la borrachera de Lescaut, magnifica ) estallo en sonoros bravos.

Espero que algun dia la haga el BNS y en mi mente ya estuve distribuyendo los papeles. No se lo cuenten a Bocca. Ja. ¡!   

NORMA EN BAHIA BLANCA

NORMA DE BELLINI ( VERSION DE CONCIERTO ) DIR. CESAR TELLO -ORQUESTA SINFONICA PROVINCIAL DE BAHIA BLANCA- CORO ESTABLE – TEATRO MUNICIPAL DE BAHIA BLANCA

Hay una enorme ventaja en ser un espectador anonimo y no un critico musical o un musicologo prestigioso y es que uno puede decir directamente lo que piensa o siente sin autocensurarse , porque no se tiene un prestigio personal a defender, y se puede por ende confesar que se ama un texto o un autor frente a los cuales es ahora de buen tono fruncir el ceño y considerarlo un compositor menor , frente a autores mas recientes que han perfeccionado formas mas complejas del arte musical pero no se han acercado ni de lejos a la belleza clasica de este melodista sin par que fue Bellini. Y puedo aun mas confesarme sin rubor un irredento admirador de dos obras consideradas muy menores de su produccion como lo son I CAPULETTI E I MONTECCHI y LA SONAMBULA, cosa que seguramente me enviara al purgatorio donde van los amantes de la opera incultivados musicalmente. Puedo ademas indignarme con el destino que nos privo del genio de Bellini en plena juventud, mas aun de la manera estupida en que vino a fallecer, y en momentos en que como testimonia su opera I PURITANI estaba en pleno proceso de evolucion hacia formas mas complejas de creacion ( algo que ocurrio en gran medida tambien, sin que pretenda establecer parangones entre ellos, con Puccini que ni siquiera consiguio terminar TURANDOT en la que se hacia evidente su evolucion hacia otras formas de su arte, que incluian por ejemplo un uso intensivo de las masas corales ) y me frustro pensando que hubiera podido hacer Bellini ( o tambien Puccini ) si se le hubiera dado la oportunidad de permanecer entre los vivos hasta la plena madurez como por ejemplo le ocurrio a Verdi. Y pienso ademas que conceptos hubieramos tenido de Verdi y su obra si hubiera fallecido a la edad de Bellini o la de Puccini, sin haber compuesto sus obras maestras de la madurez.

Ahora bien, por mucho que uno guste de otras operas de Bellini, es innegable que hay una que es su obra maestra, la mas perfecta encarnacion de su arte y esa es sin lugar a dudas NORMA con su clasica, serena belleza , que logra con una economia total de recursos y con una engañosa simpleza formal trasmitir toda una gama de sentimientos que llega inclusive a la extrema violencia.

No es una Opera facil de montar. En primer lugar por las arduas exigencias vocales y dramaticas a su protagonista,uno de los mas arduos y peligrosos del repertorio, que tiene que ser una verdadera soprano dramatica de agilidad, esa rara avis que pocas veces ha existido en la tierra. No es sorprendente que la Opera en tiempos recientes se haya popularizado gracias a la magia de Callas, que tenia todo lo que hay que tener para ser Norma y un poco mas. Una interpretacion vocalmente asombrosa, dramaticamente arrebatadora, uno de los grandes monumentos de la musica grabada y sin duda uno de los papeles en los cuales la gran soprano ( tambien fallecida prematuramente, y para colmo despues de muchos años de retiro forzado ) descollaba y era insustitiuible. Por muchos años crei que no habia otra soprano capaz de cantar Norma sin pasar un papelon . Y sin embargo despues fui oyendo a sopranos como Gencer, Verrett ( que canto tanto Norma como Adalgisa ) Theodossiou Negri Scotto ( que la encarno muy en final de carrera y tuvo que dejarla rapidamente cuando su deterioro vocal le impidio seguir cantandola ) y Caballe ( con reservas en el plano interpretativo ) amen de un par de sopranos de colorattura que valiendose de una impecable tecnica vocal lograban sortear con maestria los obstaculos sin llegar a ofrecer una version totalmente satisfactoria en lo dramatico por la falta de peso de sus voces ( Sills,Sutherland )

Pero segui pensando que no habia en America Latina soprano capaz de encarar a este terrible personaje. Hasta que llego HAYDEE DABUSTI, vuelta del limbo donde estuvo un par de decadas por razones estrictamente personales. Ni su voz ni su capacidad de interprete estaban en aquel entonces a la altura de lo que hoy puede hacer con el personaje, pero ya era lo que yo llame una honesta aproximacion a un papel imposible de cantar. En el interin Dabusti, que es una empecinada trabajadora, ha conseguido perfeccionar su tecnica, , su voz se ha hecho mas corporea, ha adquirido otra sonoridad para los graves, y ha pasado a poder cantar pianisimo un arma que no formaba parte de su bagage tecnico cuando re-debuto en el Avenida con esta opera. Su version de hoy deja a aquella a la altura de un buen borrador y marca un hito regional, porque no conozco otra soprano del medio que pueda encarar de esta forma este dificil papel y terminar la funcion  ( alguien se fijo cuantos minutos canta Norma y lo comparo con los que cantan otros personajes considerados dificiles como Turandot ?) con la voz absolutamente entera y sin cansancio aparente. La interprete tambien ha madurado y se nota otro grado de entrega emotiva. Aquí especialmente en el segundo acto a partir del DORMONO ENTRAMBI su actuacion alcanzo momentos de gran intensidad, frente a los cuales palidece un poco su interpretacion dramatica del primer acto en el que parecio mas preocupada con la partitura y con administrar sus recursos para no agotarlos antes de tiempo. En suma una gran interpretacion que todos debieramos ver y que espero sea presentada a la brevedad en Buenos Aires y -por que no ? - en Montevideo.-

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Peo si bien una buena version de Norma es imposible sin una muy buena Norma, no acban alli las dificutades del casting ( comno se dice en el español castizo que hablamos ahora ). Hay por lo menos dos papeles que si bien no pueden salvar la version si Norma no es lo que debe ser, pueden si arruinarla si ellos no estan a la altura de sus personajes. Nada de ello ocurrio en esta version-

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En primer lugar hubo el impacto de la deslumbrante caracterizacion vocal y dramatica de EDINEIA OLIVEIRA una mezzo soprano de graves acontraltados y un esplendido registro agudo especialmente cuando lo encara en mezza voce, que usa con particular efectividad dramatica. Ningun terror ofrecieron para ella ni las notas , ni los ascensos y descensos bruscos del grave al agudo o viceversa con los que Bellini parece haberse vengado de alguna mezzo que detestaba, Y para colmo tiene un temperamento dramatico avasallador, siendo visible su total compenetracion, hasta llegar a las lagrimas, con el sufrimiento del personaje. Una creacion mayor. Se pueden objetar algunas notas agudas forte algo metalicas o algun pasaje del agudo al grave donde se sintio el esfuerzo de la “ caja de cambios “ pero son detalles mezquinos cuando se esta en presencia de un logro artistico de estos quilates.

FELIPE CASTILLO DE ORLEANS fue una revelacion para quienes como yo estamos habituados a escuchar tenores con una voz mas dramatica haciendo el Pollione ( pienso en Vickers, Del Monaco, Corelli y hasta en Domingo pese a ser mas lirico que los primeros ) . Demostro que se puede perfectamente cantar el papel y dar todas las notas ( graves y agudas ) sin demostrar esfuerzo ni renunciamiento alguno. Pollione no es un papel para interpretaciones muy profundas, es un personaje un poco bidimensional ( por oposicion a tridimensional ) pero Felipe lo sirvio con la cuota de emocion directa que le es dable expresar dentro de esos limites.

LUCIANO STRAGUZZI tiene una bellisima voz de bajo que seguramente va a dar que hablar. Y llego con solvencia a los extremos agudos y graves exigidos por la partitura, amen de superar con comodidad la sonoridad del coro con el que canta con frecuencia. Dos limitacioens tiene sin embargo : una que es superable seguramente con mayor perfeccionamiento tecnico es que por momentos su voz parece proyectarse hacia dentro de su cuerpo y no hacia el publico, produciendo un extraño efecto de encajonamiento. El otro, que el tiempo corregira , es que es demasiado joven para la parte. Straguzzi es un joven de escasos 30 años supongo , que para colmo luce mas joven que su edad ( hablo de envidia, claro ) y tiene la pinta de un galan de cine, Cuesta visualizarlo asi en directo sin ropas y maquillaje como el maduro padre de Norma. Inclusive su gestualidad, propia del cantante sensible que seguramente es, en algun momento traiciono la extrema juventud del interprete, como por ejemplo su llanto final , bienvenido por lo que representa emotivamente, pero demasiado propio en la manera de llorar, de un adolescente, que Oroveso seguramente no es.

Fue una agradable sorpresa ver a IRENE ABREU la magnifica SANTUZZA de la Sala Goitiño de Montevideo, cantando una Clotilde de lujo con su hermosa y potente voz de mezzo.

El coro y la Orquesta tuvieron un buen rendimiento. Se intuye que Tello esta trabajando con ellos y llevandolos a un nivel que los hagan quedar a la altura de otros coros y orquestas nacionales y se los ve bien encaminados, por mas que en algunos momentos del primer acto algunas sonoridades hayan parecido excesivas. Me gusta mucho la forma de dirigir de Tello, que logra a la vez dar intensidad a la ejecucion sin preocuparse exclusivamene por sonar bien y ademas tiene una consideracion constante por los cantantes, adecuando tanto el volumen como la velocidad de la orqueta a las neceesidades de quienes estan cantando los paples centrales. Es , como por ejemplo el maeestro Vieu, un director que ha comprenddo que la funcion fundamental del regista es apoyar a sus cantantes y no encorsetarlos, una leccion que algunos arrogantes maestros que exigen lo imposible de sus solistas, debieran aprender.

Por ultimo voy a permitirme el atrevimiento de dar un consejo : en las proximas representaciones de Opera en Concierto ( una modalidad que debiera cultivarse con mas frecuencia ) debiera haber igualmente alguien encargado de los movimientos escenicos, aunque mas no sea para unificar criterios. Aquí la exhuberante personalidad de .la mezzo que se lanzo a una representacion totalmente teatralizada ( y excelente ) desentono con las versiones del resto del elenco, que fueron mas parcas en lo teatral, limitandose a algunos movimientos y gestos y a la expreison facial de los sentimientos.

Que pena que pese al alegado federalismo de Argentina, estos esfuerzos provinciales no puedan ser oidos en otras ciudades y que pese al alegado comunitarismo del Mercosur, tampoco puedan ser oidos en ciudades de paises vecinos que quien sabe cuando tendran la oprtunidad de oir una Norma como esta.