COMO SE FILMAN LAS FUNCIONES DEL MET

COMO SE FILMAN LAS FUNCIOENS DEL MET

Uno de los aspectos más interesantes de ver las trasmisiones del Met son los reportajes incluídos en lo que se llama el backstage ( trabajo en el escenario )

En la función de OTELLO  que vimos hace una semana hubo un interesantísimo corto relativo a como se procesan las trasmisiones.

Hay un director de video que opera desde una sala especialmente dedicada a este trabajo dentro del Teatro. Con él colaboran vaios asistentes ( en el film aparecían 3 ) y los operadores de las cámaras que están colocadas en la Sala.

Se trabaja con 12 cámaras, cada una de las cuales tiene un operador que además puede mover dentro de ciertos límites el campo de captación de la cámara ya sea acercando o alejando la imagen o captando imágenes hacia los costados de la cámara.

Todo lo que las 12 cámaras registran es enviado a los 12 monitores que hay en la Sala de Comando.

Allí el director con sus asistentes deciden para cada momento la imagen de cual de las cámaras será adoptada y trasmitida.

Pero nada de esto está sujeto a improvisación . Las decisiones sobre qué imagen será adoptada en cada momento son tomadas durante los ensayos de la Opera en las que todo es registrado como si fuera la función principal, y cada decisión es escrita en la partitura de la Opera, indicando para cada compás cual es la cámara que lo captará.

Es decir, que tanto el director como sus asistentes tienen que ser músicos porque trabajan con la partitura.

Uno de los peores problemas que enfrenta la trasmisión es cuando uno de los intérpretes realiza un movimiento diferente de lo que fue previsto en el ensayo porque entonces las cámaras tienen que seguirlo.

Es debido a este ciclópeo trabajo que las trasmisiones hoy día tienen algo de cinematográficas, con primeros planos, con sutilezas como registrar un objeto en el suelo que es importante para la acción o registrar alternativamente la voz de los dos interlocutores en un diálogo o enfrentamiento.

TANHAUSER- MET EN HDTV

TANNHAUSER

DE RICHARD WAGNER

DIRECCION MUSICAL –JAMES LEVINE

DIRECCION ESCENICA –OTTO SCHENK

ESCENOGRAFIA- GUNTER SCHNEIDER-SIEMSSEN

CORO Y ORQUESTA DEL METROPOLITAN OPERA HOUSE DE NY

DIRECTOR DEL CORO –

METROPOLITAN  OPERA HOUSE DE NY

TRASMISION  EN VIVO POR HDTV

TEATRO SOLIS-MONTEVIDEO –URUGUAY

PINCIPALES INTERPRETES

TANNHAUSER –JOHAN BOTHA

VENUS-MICHELE DE YOUNG

ELISABETH- EVA MARIA WESTBROK

LANDGRAF- GUNTER GROISSBOCK

WOLFRAM- PETER MATTEI

BITERHOLF-RYAN MCKINNY

Contrariamente a lo que le  ocurre a la mayor parte de las personas, a mi no me resultó fácil llegar a disfrutar de las Operas de Wagner. Esos largos parlamentos en alemán que yo no entendía ( no había subtitulos en mi época ) provocaban casi infaliblemente que me aburriera o que mi mente vagara a km de distancia del Teatro. Pero, sabedor de que era uno de los exponentes màs importanes de la Historia de la Opera, tomé un par de decisiones heroicas : la primera fue estudiar alemán, para por lo menos  entender las reglas básicas gramaticales y la segunda fue hacer a un lado los librettos traducidos que venían con los long plays ( los cds de mi época ) y hacer mi propia traducción palabra por palabra para entender en todo momento qué es lo que cantaban o lo que recitaban ( en Wagner hay muchos momentos en los que la acción se hace avanzar por medio de recitativos semi cantados semi recitados )- Dio resultado . Una a una todas las Operas del repertorio wagneriano ( con excepción de MAESTROS CANTORES que continúo no entendiendo ) cayeron en mi gusto. De todas esas Operas hay dos que tienen la virtud de conmoverme y cuando están bien interpretadas ponerme al borde o más allá del borde de las lágrimas : WALKURE y TANNHAUSER . En Walkure me emociona el descubrimeinto que hace la diosa Brunilda del amor humano, la forma en que ama ese amor hasta sacrificar su deidad por esa emoción. En Tannhauser el sentimiento agobiante de la culpa y la gloria de la redención, corporizada  masgistralmente en ese bastón que florece.

Una de las primeras veces que vi  Tannhauser en vivo fue en el MET  en 1982-Cantaban RICHARD CASSILLY, EVA MARTON, TATIANA TROYANOS y dirigía el hombre que estaba haciendo del Met una gran casa de espectáculos liricos : JAMES LEVINE  (EXISTE UN REGISTRO EN DVD DE ESTA FUNCIÓN )-La regie y la escenografía eran las mismas que 33 años más tarde pudimos ver esta vez gracias a la magia de la trasmisión satelital.Toda una lección de la durabilidad de una puesta cuando es lógica, no está atada a la moda del momento,y el público gusta de verla como la famosa BOHEME DE ZEFFIRELLI  que es casi una atracción turística en NY – Quiero ver si dentro de 33 años alguien se atreve a montar de nuevo el Rigoletto en Las Vegas que esta presentando el Met para consternación mayoritaria del público .

TANNHAUSER  es una ópera particularmente difícil de montar , en primer lugar porque requiere una voz de tenor que directamente ha dejado de existir. TANNHAUSER  eran LUDWIG SUTHAUS,W  WINDGASSEN, SET SVANHOLM, RAMON VINAY,LAURITZ  MELCHIOR  por encima de todos, y lo hubiera sido con certeza JON VICKERS que por alguna razón no lo cantó nunca. Es , como Tristán, un papel mortal , muy exigente , que obliga al tenor a cantar la mayor del tiempo en la zona más incómoda de su voz que es el centro, con descensos hacia el grave y algunos agudos no demasiado extremos. Y por si fuera poco le pide una resistencia descomunal porque el personaje canta casi todo el tiempo, y si sale entero de la ordalía que es el concertante que cierra el segundo acto donde se le exige hacerse oír a través del coro, le espera un tercer acto con la NARRACION DEL VIAJE A ROMA que es tan extensa, tan agotadora y tan exigente dramáticamente como el aria del 3er.acto de Tristan.

No en balde JOHAN BOTHA  en el intervalo cuando le preguntaron cuál de los dos papeles le resultaba más agotador respondió simplemente : TRATO DE NO PENSAR EN ESO. ( incidentalmente comentó también su preparación que incluye levantarse a las 5 am, hacer vocalizaciones, llegar al Teatro a las 9 ,30 y no almorzar )

Boha no es exactamente un heldentenor como el papel requiere, pero es lo más cercano a serlo que hay en el momento. Tiene las notas, tiene la resistencia , tiene el volumen y con el pasar del tiempo se ha convertido en un pasable actor. No es un Tannhauser que deslumbre, pero si es un intérprete que le hace honor a su parte, permite conocerla.

Me parece mentira los años que hace que veo a Botha, una de las raras ventajas de ser viejo. En uno de mis primeros viajes a Viena alguien me comentó que no dejara de ver en la VOLKSOPER (el segundo teatro de Opera de Viena , donde se cultiva un repertorio más popular ) a un joven tenor que estaba debutando en la ciudad. Era Botha con una voz bellísima, imponente ( ya gordito pero no tanto ) y cantando con gran delicadeza DAS LAND DES LACHELNS ( EL PAIS DE LAS SONRISAS ) DE LEHAR  con su bellísima aria DEIN IST MEIN GANZES HERZ que es en popularidad el equivalente en opereta de LA DONNA E MOBILE  en Opera. Todos sabíamos que iba a hacer carrera. Y la hizo efectivamente , como tenor lírico spinto.Sus actuacioens tenían un no se que de insatisfactorio. Cantaba bien los papeles , pero perdía la concentración . Sus personajes sonaban ausentes y hasta la melodía parecía desvancerse si bien las notas estaban todas allí. En ese sentido ha mejorado mucho. Y si bien no logra conmovernos en la escena final y su primer acto con Venus carece de erotismo y de belleza tímbrica, no se puede negar que el personaje está servido.

De Yong tiene una robusta voz de mezzo- mezzo que sin embargo llega bien a los agudos. Y es una satisfactoria actriz. No logró sin embargo dar totalmente la furia de la Diosa Venus cuando se ver rechazada por Tannhauser que quiere volver a ser humano. Quizas no haya conseguido sacarme de la cabeza el descomunal trabajo de TATIANA TORYANOS que hacía del papel una creación mayor, y quizás la haya visto demasiadas veces.

MATTEI  es un sólido Wólfram con algunos muy buenos momentos en las escenas más dramáticas. Cantó muy bien el aria de la estrella, pero estoy habituado a oírla por voces con timbre más seductores, como por ejemplo la de OLAF BAER  un especialista el lied que sólo en contadas ocasiones incursionaba en el repertorio operístico y menos aún en el wagneriano porque poseía una voz de incomparable belleza pero no especialmente voluminosa, que cantaba el aria de tal manera que había peligro d que se derritiera la escenografía.

Muy bueno el trabajo de GROISSBOCK, pese a que me hubiera gustado que tuviera notas graves más contundentes, pero tiene una voz de muy hermoso timbre y es un gran actor, que deslumbró en las contraescenas, especialmente sus miradas a Elisabeth en los momentos culminantes del 2do. Acto.

Westbrock   ( a quien si Dios quiere y no cancela, veremos como TOSCA  en el Colon )fue vocalmente lo más logrado del elenco, con su poderosa voz oscura  y su absoluta entrega emotiva. Su escena del 3er. Acto examinando uno a uno los peregrinos para descubrir si uno de ellos es Heinrich fue conmovedora, así como toda su participación en el concertante del 2do. Acto y su aria final en que pide a la Virgen que la haga abandonar este mundo.

La escenografía no es muy seductora en el primer acto en Venus, pero es bellísima en la segunda escena y en la repetición del 3er. Acto. El Halle es una hermosa maquinaria.

Es en realidad una escenografía sencilla pero sugerente. Y el movimiento de los actores está bellísimamente diagramado, comenzando por los peregrinos del coro.

El ballet en Venus me pareció anodina.

Y LLEGAMOS A LAS VERDADERAS ESTRELLAS DE LA NOCHE : la estupenda orquesta del Met , el coro que sonó maravillosamente como nunca y el Maestro Levine

Verlo llegar al podio asusta : lo traen en una silla de ruedas que tiene un dispositivo de seguridad que indica que tiene proclividad a caerse hacia adelante, la cabeza no del todo derecha, un brazo visiblemente baldado y gestos que parecen indicar dificultades con el control facial. Pero una vez que la orquesta comienza a sonar uno se olvida de todo y alcanzó grandes momentos en el final del 2do acto y todo el tercero.

Levine siemre tendió a dirigir Wagner con tempi más bien lentos y para mí eso redujo el imapcto de la obertura y de la Escena de Venus.

El coro del Met directamente no puede cantar mejor y eso con el apretado Schedule que tienen .

Viernes noche- TURANDOT

Sabado de mañana – ensayo de MANON LESCAUT

Sabado de tarde –TANNHAUSER

Sabado de noche –RIGOLETTO

Es de suponer que tienen una remuneración acorde con tal exigencia.

130.000 VISITAS

EN ALGUN MOMENTO DE ESTA TARDE ALCANZAMOS LAS 130.000 VISITAS AL BLOG. MUCHAS GRACIAS.

LA TRAVIATA DE VERDI EN UN RELUCIENTE TEATRO ROMA

LA TRAVIATA

OPERA DE GIUSEPPE VERDI CON LIBRETTO DE FRANCESCO M PIAVE

BASADO EN LA DAMA DE LAS CAMELIAS DE AL.DUMAS HIJO

DIRECCION MUSICAL : DANTE RANIERI

DIRECCION ESCENICA : BORIS

CORO INMA DIRIGIDO POR ARMANDO GARRIDO

ORQUESTA SINFONICA MUNICIPAL DE AVELLANEDA

TEATRO ROMA- AVELLANEDA

En primer lugar hay que extender una calurosa felicitación a las autoridades de la Intendencia de Avellaneda por el importante trabajo de refacción realizado en el Teatro, que –manteniendo intacto su estilo original-luce a nuevo .  La reforma no se detuvo en lo estético, percibiéndose una serie de cambios estructurales que posibilitarán en el futuro montar espectáculos más ambiciosos  y mejor logrados. Para comenzar se ha ganado espacio al inmueble vecino y se ha construido un ala de camarines que acabó con los engorrosos problemas de distribución de los cantantes a la hora de cambiarse y maquillarse. Se ha ensanchado el foso de la orquesta y se ha ampliado la boca del escenario ( no se perciben cambios en la profundidad, que sigue siendo limitada )

Del lado del debe hay que decir que, al igual que lo ocurrido con la reforma del Teatro Solís en Montevideo, el espacio ganado para el escenario ( en este caso el foso ) fue compensado con una reducción de la distancia entre las filas de butacas, para no perder capacidad, haciendo que ahora las mismas sean particularmente incómodas.

Cabe soñar que toda esta inversión sea complementada el año próximo por un presupuesto que permita organizar una temporada digna del nombre de tal, que pueda ser anunciada con  anticipación y por sobre todas las cosas que los artistas participantes sean remunerados COMO DIOS MANDA y que el dinero de la producción sea puesto por el Teatro y no por los organizadores y participantes del espectáculo que en un supremo acto de amor a la música acaban no sólo no cobrando, sino financiando de su propio bolsillo parte de los gastos de producción. Si no se hace esto, el cuantioso presupuesto dedicado a la reforma será simplemente dinero arrojado a la calle.

En las condiciones señaladas sería un acto de sadismo hablar de la escenografía o del vestuario que fueron francamente precarios cuando no inadecuados o contradictorios entre sí mezclando diversas épocas. Se intuye que en el caso del vestuario se han utilizado ropas de diversas Operas. Los vestidos de Violetta traen a la memoria la versión modernizada de LA PLATA , muy especialmente el impactante vestido negro del tercer acto. El resto de los solistas y el coro parecen más bien haber sido vestidos con  ropas de algún primer acto de ANDREA CHENIER o de MANON DE MASSENET, en particular los hombres con el pantalón hasta la rodilla completado por medias blancas largas, que junto al deslumbrante vestido de Violetta quedaban al borde del ridículo.

El espectáculo fue organizado de prisa ante la cancelación de un espectáculo teatral que estaba programado para dicha fecha.Y se le nota. Pese a ser la tercera función ( la segunda para el tenor ) había un aire de incertidumbre  flotando en el ambiente. Todo esto se tradujo en un alarmante primer acto que hizo intuÍr que veríamos un espectáculo para el olvido. Felizmente las cosas mejoraron y mucho a partir del segundo acto y alcanzaron un muy buen nivel en el cuarto acto, por lejos la escena más lograda de la Opera. Para comenzar, el coro que había tenido una actuación más bien deslucida en el primer acto se afirmó en el tercero y logró un muy buen nivel en el concertante final del acto. Hubo un error de cálculo de Boris que afectó todas las escenas del coro. Un regisseur con sentido común adapta su concepción a los medios con que cuenta.  Boris debió percibir, porque conocimientos e inteligencia no le faltan, que el coro no estaba en condiciones de llevar adelante las marcaciones que les impuso, muy exigentes en lo actoral y que más bien hubiera sido mejor recurrir a las viejas prácticas del coro testigo inmutable de lo que ocurre en escena y confinado a la parte trasera del escenario.

La orquesta, que tuvo algunos desajustes  en el primer acto, sonó impecable del segundo para adelante y logró un magnífico, conmovedor acto final.

En el plano de los solistas me parecieron muy destacables las actuaciones de STEPAHANIE RIVAS como Annina, bellísima voz que sería bueno oír en una parte más importante,de CRISTIAN KARIM TALEB como Gastone y de JUAN FEICO como el Marques d/ Obigny y me impactó la belleza vocal y la presencia escénica de NORA BALANDA  como Flora.

En el terceto principal gran triunfo de FERNANDO GRASSI, un excelente GERMONT con una voz generosa, tanto en volumen como extensión, una depurada línea de canto y una excelente presencia escénica. Una gran composición.

ROCIO CERECEDO posee algunos recursos vocales que bien podrían ser la envidia de muchas sopranos : en primer lugar, y es un arma poderosísima en LA TRAVIATA, pianìsimos  de gran belleza a los cuales llega con extrema facilidad y que emite con volumen para que se la oiga aún cantando con el coro. Parece una alumna de Caballé en este rubro. Tiene además un centro de gran fuerza y con un hermoso timbre oscuro, y una respiración que le permite prolongar las notas todo el tiempo que desee y hasta unir dos frases donde otras respiran en el medio. Ninguna dificultad con la coloratura y un registro sobreagudo seguro nuy agradable al oído como el estupendo MI BEMOL conque coronó la SEMPRE LIBERA, atacado sin ninguna vacilación y prolongado por todo el tiempo que quiso. Esos recursos le permitirán con certeza ser una gran VIOLETA a poco que crezca dentro del personaje, y logre una mayor compenetración emotiva con el personaje. Aquí se la vio algo insegura en el primer acto, donde parecía haber desembarcado sin ensayos de otra producción y no saber demasiado como moverse. Algunos de sus sonidos fueron menos agradables que otros y terminó el AH FORSE E LUI de una manera anodina. A partir del segundo acto comenzó a crecer e impactar y logró un estupendo último acto donde en general todos estuvieron mejor que en los actos precedentes.

SEBASTIAN RUSSO tiene recursos más modestos , pero es una agradable presencia en escena en este tipo de papeles románticos para tenor lírico. Con un timbre agradable, seguridad musical, muy buen registro agudo ( coronó la caballetta con un bellísimo y nada forzado DO AGUDO al cual muchos tenores se acercan con temor ). Tiene además una gran expresividad facial ( su entrada en el primer acto fue ejemplar, con los ojos pegados en Violetta mirándola casi con el respeto y la incredulidad con que se mira a alguien que hemos colocado en un pedestal ) dio muy bien el enamoramiento en todas las escenas siguientes y estuvo estupendo en las dos escenas de cólera ( el dúo con el padre tras leer la carta de Violetta  la escena del repago de los “ favores prestados “ en el tercer acto).

Fue un Alfredo perfecto ¿? No. Hay algunas cosas que tiene que dominar : en lo vocal tiene que administrar mejor el contraste entre su centro de voz, que suena algo desvalido, con su registro agudo que es bastante más sonoro. En lo actoral tiene que trabajar mucho en expresión corporal. Sus desplazamientos en escena proyectan una cierta torpeza que es fácilmente corregible con un buen instructor teatral.

Un elogio final para DANTE RAMIERI, gran cantante en el pasado, gran director hoy. Es una vergüenza que ni el Colón ni el Argentino o tan siquiera las Compañías del Avenida se acuerden de él. Tiene un gran dominio de las orquestas que dirige, como lo demostró aquí superando los escollos del 1er acto, y domina ese arte tan poco practicado por los directores de colaborar con los cantantes en vez de combatirlos. Ranieri jamás ahoga un cantante con una oleada de sonido y cuando ocurren accidentes como que un cantante entre atrasado en una frase musical, sabe como esperarlo y volver a la normalidad.

Y unas palabra de aliento para BORIS a quien siempre castigo quizás con más libertad porque es mi amigo, como lo es de mucha gente en el medio dada su naturaleza naturalmente afable.

Siempre dije y vuelvo a decirlo que BORIS tiene importantes condiciones para ser un gran director . Por lo pronto tiene una esencial que algunos directores modernistas que tenemos por allí no tienen : A EL LE GUSTAN LAS OPERAS QUE ESCENIFICA. NO LAS SIENTE COMO PIEZAS DE ARQUEOLOGIA O BODRIOS ABURRIDOS.

Aquí tuvo algunos momentos muy logrados,, como todo el cuarto acto y toda la escena del barítono con el tenor.

Pero para llegar a su deber ser, Boris tendrá que decidir si quiere ser un regisseur que lleva a la vida las operas del repertorio clásico o si quiere ser un enfant terrible que las pone patas para arriba para mostrar su originalidad.-

Aquí tuvo un par de ideas que, francamente…. La primera ,agravada por las nulas condiciones actorales del coro, fue hacer que varios de los invitados a la fiesta estuvieran en estado total de embriaguez ( cosa que por otra parte era imposible dado que en escena había una copa para cada 10 invitados y una única botella ) Y la otra, ya comentada en Rosario del absurdo final del tercer acto con la policía irrumpiendo en la fiesta de Flora y llevándose detenidas a las mujeres, todas ellas protegidas de hombres de la nobleza que están presentes y el absurdo más total del Baron tomándose a golpes de puño con Alfredo después de haberlo retado a duelo, como si en vez de alguien de la nobleza se tratase de un barra brava de un club  de segunda división.

CONFERENCIA DE PRENSA SOBRE EL OTELLO DEL SODRE

PRESENTACION DE LA OPERA OTELLO , DE INMINENTE ESTRENO EN EL AUDITORIO ADELA RETA DEL SODRE

El día 6 de noviembre próximo el SODRE  estrenará una versión de la Opera Otello, que será ofrecida en 6 funciones, con dos elencos alternativos. Para anunciar  la obra se convocó a una conferencia de prensa  que se celebró en el hall de la Platea Alta del Auditorio, y de la que participaron el Director General del Auditorio, GERARDO GRIECO,  el Director Artístico ARIEL CAZES, los Directores Musical y Escénico del espectáculo respectivamente PEDRO PABLO PRUDENCIO y PABLO MARITANO, los tenores CARLOS VENTRE y ENRIQUE FOLGER que tendrán a su cargo el papel de Otello en los respectivos elencos, la soprano MAUREEN MARAMBIO que será la Desdemona del elenco con Ventre, el barítono RODOLOFO GIUGLIANO  que será el Iago de dicho elenco y la mezzo soprano BETTINA VICTORERO  que cantará la Emilia también en el mismo  elenco. Antes de comenzar la conferencia me tocó en suerte presenciar el caluroso abrazo que unió a Marambio y Ventre que acababan de ser presentados porque Ventre llegó recién hoy a Montevideo desde Italia donde acaba de cantar con resonante éxito precisamente Otello en el TEATRO REGIO DE PARMA, famoso por tener un público particularmente exigente y no demasiado cortes a la hora de expresar su desaprobación, que felizmente aplaudió de pié su interpretación, y que recién mañana se sumará a los ensayos, que han comenzado un tiempo atrás.

Como es  costumbre abrió el acto el Director General del Auditorio que dio la bienvenida a todos agradeciendo la presencia y pasó de inmediato el micrófono a ARIEL CAZES  .

Cazes destacó la importancia del espectáculo, uno de los títulos fundamentales de Verdi  ( su penúltima Opera ) y a la vez un título difícil de montar por las voces que requiere comenzando por el tenor, ya que hoy en día no es nada fácil conseguir un tenor que cante Otello. Ya no está surgiendo gente como en otras épocas. Pero las dificultades no paran por allí ya que son necesarias otras voces importantes y se puede decir qu es imposible montar Otello si no se tiene un gran elenco.  El Sodre siente que lo tiene por partida doble  y está muy orgulloso de los elencos que presentará, que es además una prueba de fuerza de la lírica latinoamericana ya que en ambos elencos hay cantantes de 4 países del continente y ninguno de otras partes del mundo. Otello será alternativamente un uruguayo y un argentino. Desdemona una chilena y una uruguaya. El Iago es monopolio de los brasileros. Y las Emilias serán una peruana y la otra uruguaya. El Director Musical es chileno y el Director Escenico argentino.

Es un orgullo además poder presentar en este papel a CARLOS VENTRE  que es uno d los grandes exponentes de la lírica uruguaya, un verdadero embajador cultural del país,que triunfó en Europa después de haber partido a los 20 años con 400 dólares en el bolsillo y mucha intrepidez, y a los 24 ya estaba cantando el Duque de Mantua en la SCALA DE MILAN bajo la dirección de RICCARDO MUTI. Hay al respecto una anécdota del Maestro Muti que asombrado por su juventud, en el primer intervalo fue a su camarino y le preguntó si ya había cantado antes Rigoletto a lo cual él contestó que esta era la primera vez que cantaba una Opera a lo cual el Maestro respondió que una de dos : o el era un irresponsable o un genio.Y Ventre con el atrevimiento propio de su edad le respondió : las dos cosas, Maestro.

Con Marambio Cazes ya cantó en Chile en una versión de UN BALLO IN MASCHERA allá por el 2008. Desde entonces Marambio ha estado pisando fuerte en varios escenarios del mundo.

A Bettina la conoció en un concurso de canto del cual fue jurado e inmediatamente quiso traerla.

Rodolfo es ampliamente conocido en Sao Paulo  donde reside ( yo abusando de mi portugués y del hecho de que viví 28 años allá conseguí averiguar que reside en MOEMA  )

De Pablo Prudencio , que fue formado en Alemania como director, recuerda las exigencias durante ensayos del ORO DEL RHIN en el cual el cantaba.

Con Maritano ha trabajado por ejemplo en el Rigoletto de la Plata y es uno de los grandes valores jóvenes argentinos en ascenso, con actuación en la Opera de Santiago , el Teatro Argentino y el año próximo en el Colón.

Enrique Folger finalmente es un tenor de muy destacada labor en los escenarios argentinos y en particular en el Teatro Colon donde canta papeles protagónicos con frecuencia recibiendo elogios críticos y del público.

La producción fue estrenada a fines del 2014 en el TEATRO MUNICIPAL DE SANTIAGO DE CHILE y ganó el premio al mejor espectáculo del año. Cazes hizo cuestión de agradecer a la Directora del Teatro argentino VALERIA AMBROSIO que facilitó la cesión de la puesta, en el marco de los convenios de colaboración entre ambos teatros que se firmaron hace un tiempo.

Y pasó la palabra a  PEDRO PABLO PRUDENCIO quien reiteró los conceptos de Cazes sobre la obra y el elenco, haciendo énfasis en el carácter intensamente dramático de la partitura, poniendo por ejemplo la forma en que se inicia, sin la clásica obertura, y con una explosión de una ola y una tempestad que acecha al navío del  protagonista, todo ello dado magistral mente por el coro y la orquesta. Está muy entusiasmado con el Teatro, la puesta y el elenco, de modo que cree que darán un buen espectáculo.

Pablo Maritano hizo especial mención a la sutil amalgama que hay en la obra entre el texto y la música  y destacó la labor del libretista, él mismo un autor de Operas  (NERONE, MEFISTOFELES ) que con su genio posibilitó las 2 últimas obras de la madurez de Verdi ( la otra es FALSTAFF ) y cómo sirvió de puente o de amalgama entre el universo de Shakespeare  y el  de Verdi y de cómo la obra tiene un funcionamiento casi cinematográfico, que es necesario volcar en escena. Esto requiere un entendimiento perfecto entre el director musical y el escénico y por fortuna esto es así en este caso pues hace ya 11 años que él y Prudencio  trabajan juntos (voy a tener que colgar un retrato suyo en mi casa, bromeó )

Fue luego la vez de Carlos Ventre, que expresó su emoción y su alegría de poder mostrar en su ciudad natal algo de lo que ha estado haciendo,  el compromiso que representa cantar Otello en la patria de JOSE OXILIA  felicitado nada menos que por Verdi en persona cuando cantó el papel en LA SCALA DE MILAN. Y el placer de poder hacer Otello en una versión tradicional, donde él es un moro en ropas de época y se mira al espejo y ve un Otello, y no  una extraña figura con saco y corbata modernos que hace mucho más difícil al intérprete ponerse en papel.

MARAMBIO, que ya había cantado en el SODRE en una gala Verdi y había recibido una calurosa ovación del público presente, curiosamente nunca cantó una Opera completa con Prudencio en el podio por lo que tiene gran expectativa con este encuentro. Está muy feliz de cantar en un Teatro como el del Sodre que tiene una acústica que le permite al cantante cantar con su técnica sin tener que preocuparse especialmente por la proyección de la voz en un medio no amigable. Para ella cantar Desdemona con este equipo es un placer, tanto que no siente el agotamiento de los ensayos que terminan a veces pasadas las 22 hs.

Rodolfo, algo cohibido por su escaso dominio del idioma español fue muy breve. Dijo que era para él un honor y un placer hacer  aquí este doble debut en un Teatro importante y en un complejo papel. Lo considera complejo porque es alguien que tiene que agradar a todos, siendo que no es precisamente alguien agradable.

Folger por último se manifiesta muy feliz de finalmente poder debutar en el Sodre, ya que había sido invitado otras veces y no había podido venir por razones de agenda. Se considera bendecido por el cielo por poder debutar este rol tan exigente en estas condiciones. Y está absolutamente cautivado por el personaje un espíritu atormentado sufriente que sentirá una gran satisfacción en interpretar. Y espera que este equipo sea en definitiva un buen conducto para hacer participar al público uruguayo de esta gran obra.

Por último pronunció unas breves palabras la Lic.HORTENSIA CAMPANELLA  que es una de los tres integrantes del Directorio del Ente, y que vino en representación del Consejo Directivo , que tenía hoy una agenda muy recargada ya que en este momento se está discutiendo en el Senado del Uruguay el Presupuesto bianual.- Agradece a todos la presencia y dice que se siente particularmente feliz de que este elenco sea de hecho la materialización de uno de los objetivos trazados por el Consejo para el Sodre, cual es el de una mayor integración latinoamericana . Desea a todos los participantes que se sientan bien en Uruguay. Ycomenta el carácter especial que tendrá el ensayo general del día 5 próximo ya que se ha invitado a asistir al mismo a grupos de jóvenes de varias Instituciones de Enseñanza, facilitando así el acceso de los mismos una forma de arte que no siempre está a su alcance.

Terminó diciendo que como Directora del Sodre pero también como uruguaya se siente feliz y orgullosa de lo que se está haciendo.

Se pasó luego a las preguntas. Intervino el Maestro PAOLO RIGOLIN   durante muchos años Director de la Orquesta Juvenil que recuerda como 30 años atrás ingresó con 15 años el entonces adolescente CARLO VENTRE, como lo vio partir en un acto de arrojo y quizás de inconsciencia y como en reiteradas comunicaciones telefónicas desde Italia lo fue manteniendo al tanto de sus meteóricos progresos. Contó la anécdota de Muti que ya expuse antes,  y dijo que se siente un padre putativo  ( “con perdón de la palabra que no suena linda” ) del joven Carlos hoy un tenor de prestigio en el mundo.

Maritano hizo una referencia a la alegría que le da que el TEATRO ARGENTINO que como todos sabemos pasa por una complicada situación financiera, pueda mediante este acuerdo estar de alguna manera presente en Montevideo y hace incapie que ese es el camino  que debemos seguir : el de la colaboración entre nosotros sin quizás mirar tanto para lugares más lejanos.

Ante una pregunta mía contesta que la producción intelectualmente es la que fue estrenada en Santiago y que fue diseñada “en las calles de  Roma” por él y el Maestro Enrique Bordolini, pero materialmente es la versión de la Plata que hizo cuestión de tener escenografía y vestuario propios para mantener en su acervo en lugar de traer alquilados los elementos de la producción chilena, que por otra parte hubiera sido muy difícil de adaptar porque el escenario de LA PLATA es mucho mayor y  el coro tiene aproximadamente el doble de integrantes (y se agregaron 40 extras . )  Yo le pregunté si había estado en la función en que hubo un desajuste técnico que impidió presentar la tormenta inicial y me dio una respuesta precisa y enfática : por suerte no.

Quedé en general con una expectativa favorable hacia lo que veremos y oiremos

DESCUBRIENDO A DOS GRANDES SOPRANOS

DESCUBRIENDO DOS GRANDES SOPRANOS

SONYA YONCHEVA

Recientemente intérprete de  una excelente Desdémona de el Otello de Verdi, en una versión que ha dado lugar a opiniones discordantes ( a mi me encantó ) pero en la que ella y el Director Musical fueron aplaudidos entusiastamente por todos los comentaristas, saltó a la fama en NY cuando el año pasado salió imprevistamente a escena a suplir una soprano enferma cantando la MIMI  de LA BOHEME y el público quedó fascinado con  ella.Previamente había cantado Gilda  con grandes elogios de la prensa especializada.

Yoncheva tiene un repertorio variado como es posible verificarlo viendo su agenda para el resto del año que incluye actuaciones en la Opera de Berlin, en la Bastille el Palais Garnier,la Opera de Viena, la Bayerische Oper Munich y el Covent Garden en papeles como Violetta de LA TRAVIATA, Adina del ELIXIR D AMORE, ALCINA DE HAENDEL, Mimi en LA BOHEME, Micaela en CARMEN

Yoncheva es búlgara. Tiene 34 años y reside actualmente en Suiza.

Algunas grabaciones que permiten hacerse una idea de su arte son :

https://www.youtube.com/watch?v=bVRbPQh8gWc    AVEMARIA DE OTELLO

https://www.youtube.com/watch?v=GDqNMFkAP6Y    SEMPRE OLIBERA-LA TRAVIATA

https://www.youtube.com/watch?v=jgOr8J4as28          MI TRADI ( ELVIRA, DON GIOVANNI )

https://www.youtube.com/watch?v=1cB5sniVm5U       CONCERTANTE ACTO III DE OTELLO

https://www.youtube.com/watch?v=lbrJrEKjoFc             LA MUÑECA DE LOS CUENTOS DE HOFFMANN

OLGA PERETYATKO

Nacida en San Petesburgo, tiene hoy también 34 años. Con una voz de soprano coloratura dotada de una endiablada facilidad para las ornamentaciones, es miembro de la Academia _Rossiniana de Pesaro donde ha aparecido en diversos roles rossinianos. Ha cantado en diversos Teatros de Suiza Alemania y Francia principalemtne en el repertorio de Rossini, Mozart y Haendel. Recientemente se ha anotado un gran suceso encarnando la Violetta de LA TRAVIATA en la muy controvertida puesta de ROLANDO VILLAZON.

Vale la pena oírla. He aquí una selección. En cuanto a la versión del Elixir vale la pena ver aunque sea algunos mi nutos no solo por el excelente canto de la soprano sino por ser UNA DE LAS PUESTAS MAS INFAMES QUE HE VISTO, con la Opera teniendo lugar en una playa y los cantantes vestidos como bañistas. UN VERDADERO ESPANTO.

https://www.youtube.com/watch?v=jv_taPzVU9E  SEMPRE LIBERA –LA TRAVIATA

https://www.youtube.com/watch?v=c2z7VD6mIMQ  la traviata de salzburgo completa

https://www.youtube.com/watch?v=s8KP5W_6KZE  el elixir de amor- completa

https://www.youtube.com/watch?v=v1rHXxIM3Xo  i puritani completa-opera de viena

https://www.youtube.com/watch?v=ECqfDkVyKu4   ARIA DE LA MUÑECA-LOS CUENTOS DE HOFFFRMANN  ( GRAN SENTIDO DEL HUMOR )

https://www.youtube.com/watch?v=ir_3pCWitXU  BOLERO DE LAS VISPERAS SICILIANAS

https://www.youtube.com/watch?v=oS-RefQfpg4   ARIA DEL MUERCIELAGO

https://www.youtube.com/watch?v=JBiBN-XRkgs    CAPULETTI-ARIA

https://www.youtube.com/watch?v=DOzMzPXcd4Q ARIA FINAL DE CAPULETTI

EL OTELLO DEL MET VISTO EN HDTV

OTELLO

OPERA DE GIUSEPPE VERDI SOBRE LIBRETTO DE ARRIGO BOITO

DIRECCION MUSICAL –YANNICK NEZET SEGUIN

REGIE- BARTLETT SHER

ESCENOGRAFIA – ES DEVLIN

VESTUARIO- CATHERINE ZUBER

CORO Y ORQUESTA DEL METROPOLITAN OPERA HOUSE DE NY

TRASMISION EN VIVO EN HD

TEATRO EL NACIONAL

Aún un espectador afortunado que tenga los recursos, la salud y el tiempo para recorrer el mundo con un ejemplar de una revista internacional de Opera en la mano, siguiendo la agenda de los principales Teatros y viendo los espectáculos más prometedores, tendrá dificultad para ver a lo largo de su placentera y enloquecida carrera un espectáculo tan logrado, que le haga tanta justicia a una obra maestra del repertorio como esta fantástica producción del Met que hemos tenido el privilegio  de ver a través de la difusión digital, esta vez desde la sede del TEATRO EL NACIONAL que es donde la FUNDACION BEETHOVEN lleva adelante esta exhibición en simultáneo de las obras programadas para ser trasmitidas al exterior por el Met. Y los argentinos, que agotan las localidades, tienen el privilegio de poder rever estas funciones ya no en directo sino grabadas, meses más tarde en el espacioso auditorio de la entidad, donde se hace una temporada de revisión de los títulos presentados en la temporada principal, pero en horarios más amables que la temprana tarde del Sábado a la cual nos vemos sometidos por la trasmisión en directo del Met de sus matinees de Sábado que comienzan a la 13 hs. hora de NY , un horario que cuando viajaba a NY siempre procuré evitar por lo incómodo.

Claro, toda versión del Met tiene como punto de partida 3 puntos de apoyo que son de vital importancia : el coro y la orquesta ante todo, que fueron alcanzando bajo la dirección musical de Levine en sus años de apogeo, una calidad que hace que existan muy pocas instituciones similares que puedan medirse con ellos. Quizás la Opera de Viena, el Covent Garden ,la Scala de Milan y uno o dos Teatros más. Cuando estos colosales instrumentos son colocados bajo la éjida de un maestro de los quilates del joven NEZET –SEGUIN, visiblemente un enamorado de la música que llega a ella sin preconceptos, con espíritu fresco y dispuesto a montar la versión partiendo de cero, dándole nueva vida a una colosal partitura como esta, el resultado es para el deslumbramiento. Se suma a eso el tercer elemento que es la fabulosa maquinaria “industrial “ del Met, que es una verdadera fábrica de producciones escénicas, que funciona como un delicado mecanismo de relojería. Aquí un escenógrafo inspirado logró con elementos realmente simples presentar los diversos ambientes donde se desarrolla la acción, sin solución de continuidad, con escenografías que sobre el final de cada escena van trasmutándose unas en otras. Y valiéndose de un recurso no demasiado dispendioso : apenas un conjunto de tabiques de un material semi trasparente, que se deslizan en el escenario móvil del Met y van creando espacios, reducidos para las escenas más íntimas, colosalmente espaciosos para las escenas de con junto. Así , se dio el lujo de subdividir el primer acto, haciendo que toda la escena de la borrachera de Cassio ocurra dentro de una taberna y no a cielo abierto como la primer escena. Y el todo cobrando vida con una iluminación y proyecciones que crearon climas para lo que se vería en escena. A esto se sumó un vestuario excelente y expresivo con gran predominio del negro sobre el cual se destacó en el primer acto el blanco, virginal vestido de Desdemona y el rojo sangriento de las escenas del tercer acto.

Y por sobre todos ellos la mano maestra, sensible de un gran Director Teatral que supo como el Director Musical partir de cero en la elaboración de su puesta, dejando de lado todo lo que se ha venido haciendo y aportando una versión fresca, ágilmente movida y absolutamente introspectiva del gran drama de Boito y Verdi. Una versión moderna, que se vale de las nuevas herramientas teatrales y sicológicas, y que demuestra que el modernismo no es poner de piernas para arriba un texto y alterar su esencia, sino en  valerse de los modernos recursos para llamarlo de nuevo a la vida y presentarlo como si fuera un estreno . No hubo nazis, ni máscaras , ni enanos, ni buzos , ni equilibristas en escena. Apenas los personajes de la obra de Shakespeare –Boito-Verdi, analizados y revividos en profundidad con una acuciante, por momentos angustiante verdad teatral. ( a mí que soy un espectador curtido de Otello, que ha visto tantas versiones que puedo repetir de memoria el texto del primer al último compás, la función me hizo revivir de tal manera el drama que en más de un momento tuve que contener mis lágrimas y en algunos momentos ni siquiera conseguí hacerlo). Una versión además profundamente detallista, que trabajó todos y cada uno de los personajes cuidando de sus reacciones en las contraescenas y haciéndolos vivir en todo momento el drama, desde el último de los coristas hasta el más comprometido de los solistas.

Gran trabajo de dirección musical y escénica entonces. Pero además servido por un elenco de absoluto nivel en una ópera que además de tener el más difícil papel de tenor del repertorio italiano, requiere una soprano y un barítono que estén a su altura, Y un elenco de comprimarios y personajes secundarios   que no desentone.

Así el Met se dio el lujo de contar con sólidos exponentes de los papeles menores como el heraldo, Rodrigo y Ludovico y dos excelentes intérpretes para los papeles relativamente secundarios pero de gran importancia dramático y de algunos momentos de gran exigencia vocal como CASSIO  y EMILIA, repectivamente DIMITRI PITTAS Y JENNIFER JOHNSON CANO. De él retendré muy especialmente la expresión congelada, balbuceante de temor cuando la pelea del primer acto es interrumpida por la aparición de Otello y el bello uso de la mezza voce cuando describe el episodio del pañuelo. De ella en general todas las contraescenas en las cuales ella vive la tragedia como una suerte de alter ego de Desdémona, y la precisión de su canto en el llamado de socorro del cuarto acto donde muchas mezzos caen en el grito.

Y un terceto protagónico para el cual huelgan los adjetivos.

Que belleza la voz y la línea de canto de SONYA YONCHEVA, una cantante en inicio de carrera que ha tomado por asalto el corazón del público neoyorkino desde que encarnó una excepcional Mimi en una sustitución de última hora en la serie de Bohemes del año pasado. No hace mucho que Yoncheva era una soprano lírico-ligera con más de lo segundo que de lo primero existiendo grabaciones de ella como Gilda, Lucia  o la Muñeca de LOS CUENTOS DE HOFFMANN con sus difíciles staccati ( prometo subir el material a la pagina de OPERA IN THE WORLD )- Aquí lució como una excepcional soprano lírica en pleno comando de toda la partitura, incluyendo sus muchas escenas donde se exige al registro grave, haciéndose oír sin dificultad en los concertantes, y dando una lección de belleza en la escena final con el AVE MARIA , cuyo agudo final en pianísimo me dio la impresión ( no puedo afirmarlo con certeza ) de haber sido transportado . Como actriz nos presentó una versión muy diferente a la usual, una mujer fuerte, segura de sí misma, profundamente enamorada de su esposo, al cual osa enfrentarse  si bien sucumbe al terror que ella como todos tiene frente a sus accesos de cólera. Inolvidable_Desdémona, por cierto. Muy favorecida además por el cambio de época decidió que al llevar la acción a los años en que Verdi escribió la Opera permitió que las damas viestieran elegantes vestidos con miriñaque, en los cuales Desdémona y Emilia se desplazaron con gran belleza plástica.

ZELJO LUCIC ( un apellido con una profusión de signos ortográficos que derrotaron a mi teclado ) no tiene una voz con un timbre  intrinsecamente bello. En compensación no tiene dificultad alguna en alcanzar las notas extremas graves y agudas que Verdi le ha exigido, posee un importante volumen que le hace destacarse en los conjuntos y sabe apianar cuando ello conviene a la expresión. Y es un formidable actor. Medido , sin exagerar la nota, fue la encarnación viva del mal, violento cuando necesario ( el robo del pañuelo a su mujer es precedido de un brutal golpe que ahoga su resistencia, sabedora de que se trama una maldad ) sinuoso siempre ,protagonizó un retrato sutil y detallado de este complejo personaje. ALEKSANDRS ANTONENKO  es el tenor spinto del momento. Ineludible a la hora de programar un Pagliacci, Carmen y este Otello que muy pocos tenores en la historia han logrado cantar con este grado de seguridad en todo el registro, con sólidos graves y agudos capaces de parecer un clarión o un auténtico cañonazao. Quizás no sea su voz la del tenor acariciador que todos gustamos de oír, quizás su mezza voce no esté a la altura de su voz cuando canta forte, pero en este repertorio tales características si bien útiles distan de ser imprescindibles. Visualmente debe luchar contra un físico que no es de los más agraciados. Enorme de la cintura para arriba incluyendo la cabeza, es una imensa mole difícil de mover con gracia , que contrasta además con piernas más frágiles que parecen de otro cuerpo. Se mueve con escasa plasticidad , si bien tiene un rostro poderosamente expresivo que vivió con absoluta entrega y sinceridad afectiva cada minuto del drama haciendo que como nunca nos resultara real y comprensible hasta el punto de conmovernos. El regisseur supo hacer de necesidad virtud y marcó que este héroe enorme y colérico inspire terror en los otros personajes cuando embiste contra ellos, particularmente en la escena del final del tercer acto donde como nunca se vió como verdadera la frase TUTTI FUGGITE OTELLO ¡! Una gran creación a la altura de las mejores que se han visto del este difícil personaje y que tendrá oportunidad de madurar y hacer crecer pues se trata de un cantante relativamente joven.

Yo no sería yo si no comentara algunos puntos donde me parece que la regie estuvo desatenta o menos inspirada. En primer lugar me choca que toda la escena del dúo Otello-Iago donde este lo convence de la traición de Desdémona tenga lugar en su cuarto, con su cama en segundo plano. Un lugar más público hubiera sido ideal. Y sobre el final dos decisiones muy emotivas del director lograron sin embargo agravar dos incongruencias que vienen de la obra de _Shakespeare. En la primera Otello luego de tomar la almohada para ahogar con ella a Desdemona, es debilitado por la belleza de ella dormida y flaquea en su decisión, besándola en los labios a lo cual ella  despierta y pregunta QUIEN ES ¿? OTELLO??                       La prueba de la infidelidad mucho más elocuente que el panñuelo : hay otro que frecuenta su cuarto y la besa en la boca.

Y luego la decisión de ahogarla con la almohada en vez de estrangularla como es usual , agrava la falta de credibilidad de que Desdemona moribunda hable para exculpar a su marido y encomendarse a Dios. Si es muy difícil sostener que una persona estrangulada pueda hablar, mucho más lo es que un ahogado hable después de que su respiración ha cesado.

Atronadores aplausos para todo el elenco y saludos que revelan un compañerismo entre sus integrantes ( espero no equivocarme como en un reciente comentario local ) que hasta se gastan pequeñas bromas como la soprano estrangulando al tenor cuando salen a saludar juntos. Una tarde  memorable, que deberé agregar a los grandes momentos que me ha hecho vivir este arte perversamente emocional que es la Opera.

LUIS G BAIETTI

COLON: CUATRO EN SIETE, ES BIEN MEJOR QUE CUATRO EN DIEZ, PERO AUN ES POCO.

 Me ha impresionado muy favorablemente la decisión del Colón de incluir en el abono sólo 7 de los 10 espectáculos que presentará este año y dejar al espectador en libertad para decidir si irá o no a ver a los otros 3-

De esta forma la proporción que compone el programa del abono es más lógica : 4 operas tradicionales , 2 modernas 1 del barroco, cosa que parecía totalmente desproporcionada cuando los números eran 4-5-1.

A mí en particular me resulta muy atractivo ver nuevamente  DIE SOLDATEN y PORGY AND BESS . Ambos títulos los vi hace muchos años, tantos que se puede decir que fue otra persona quien los vio, y con franqueza no me interesaron mayormente. Es una buena prueba verlos de nuevo en mi estado actual de madurez y ver si ha cambiado mi opinión.

Con respecto a DIDO Y ENEAS    dudo mucho que cambie en un ápice mi opinión dado que ( y es un gusto muy personal ) a mi el barroco me resulta soporífero. No se comunica para nada conmigo y dudo mucho que en esta versión  convertida en ballet, llegue a interesarme. La veré sin embargo con gran curiosidad y sólo garanto que permaneceré hasta el final porque la obra no es demasiado extensa. Y me parece muy justo, más allá de mis preferencias personales que la temporada incluya uno de estos títulos, si bien hubiera preferido una versión más fiel al espíritu original.

 En las nuevas proporciones de 4-2-1 nada tengo que criticar a la ecuación y no me siento ya obligado por el Teatro a ver lo que no quiero ver. Sólo diría que la cantidad de operas tradicionales es muy escasa y que de esta manera con 4 títulos por año se empobrecerá notoriamente el conocimiento que tenemos de este repertorio.

Suerte que esto viene a ocurrir en épocas en que como la presente, el espectador operístico tiene otras alternativas como son los títulos de las Compañías privadas, algunos teatros cercanos como el ARGENTINO DE LA PLATA ( que algún día saldrá de la crisis financiera que lo tiene semi paralizado ), EL ROMA DE AVELLANEDA, EL CIRCULO DE ROSARIO , EL SODRE Y EL SOLIS  DE MONTEVIDEO y –last but not least-, LAS TRASMISIONES EN VIVO DEL MET Y EL COVENT GARDEN.

Si del Colón dependiera exclusivamente  poco a poco iríamos perdiendo el contacto con los grandes maestros del bel canto ( que en general son mala palabra para los modernistas ) con Wagner ( no habrá ninguna ópera suya en el 2016 ) y tendríamos  una dieta muy austera con Verdi, con la opera francesa, con el verismo. El espectador lírico ,de no mediar las temporadas de las compañías privadas, que ahora serán nuestro sustento principal, perderá contacto con los grandes títulos del repertorio, alejándose cada vez más del nivel de conocimiento que tienen los felices amantes de la ópera que tienen cerca al Met, al Covent Garden a la Opera de Viena o a la Scala de Milan o tan siquiera a la Opera de Chile, Teatros  que no han decretado el fin de la ópera tradicional.

El Colón del siglo XXI habrá logrado sortear el peligro de que tal papel sea desempeñado por la Ballena Azul del próximamente rebautizado CCK, pero al costo de perder definitivamente el título del principal teatro lírico del continente.

ANEXO PARA DISCUTIR - –COMO SERIA UNA TEMPORADA MEDIANAMNTE EQUILIBRADA PARA UN TEATRO QUE ASPIRARA A SER UN GRAN TEATRO LIRICO-

2  operas de bel canto, con énfasis en ROSSINI,DONIZETTI o  BELLINI

2 operas de Verdi, de preferencia una de Verdi joven y una de Verdi intermedio o maduro

1 opera verista incluyendo como tal a Puccini

1 opera francesa

1 opera de Wagner

1 opera alemana de otro autor.

2 operas modernas

1 opera de Mozart

1-del barroco.

No es un absurdo imposible de alcanzar. Observen que es un total de 12 espectáculos , apenas dos más que la temporada de este año.

Ahora bien, habría que analizar muy bien que tipo de producciones se presentarían. No creo que las puestas de las obras clásicas deban ser “ puestas de museo “ donde se intenta reproducir las condiciones en que los títulos eran ofrecidos cuando se estrenaron. El Teatro ha evolucionado mucho y hay recursos que antes no existían que permiten realzar el sentido de una opera, hacerlo más actual. Pero una cosa es actualizar el estilo de representación y otra cosa bien distinta es poner piernas para arriba todo el argumento de la Opera, hacer que lo que se vea guarde escasa o nula relación con  lo que se ve ( pongo por caso por ser un ejemplo reciente el primer acto de la reciente versión de RUSALKA  donde la escena de las ninfas en el lago fue sustituida por prostitutas en un prostíbulo ) desvalorizando completamente la  música que al no correlacionarse con la escena, pierde buena parte de su efectividad y su sentido.

Está muy bien que el Colón experimente con  nuevos títulos , nuevas presentaciones. Pero que no olvide que ya no está solo en el mercado. Tiene competencia y si persiste en una tónica elitista perderá necesariamente la batalla por el público.

No vaya a ser que el público que quiera mantenerse informado de lo que ocurre en el mundo de la Opera y cuáles son los nuevos cantantes en ascenso, deba confiar en las versiones filmadas o en algún ocasional viaje a Chile.

EL COLON ANUNCIO CAMBIOS EN LOS ABONOS DE OPERA

EL COLON ANUNCIO ALGUNOS CAMBIOS EN SU TEMPORADA DE  OPERA 

1)

Habrá un décimo espectáculo no anunciado en la conferencia de prensa , llamado DIVA con funciones el 20 y 21 de febrero

2) Ni este espectáculo ni BEATRIX CENCI  ni el doble programa DALLAPICOLA ( VOLO DI NOTTE, IL PRIGIONERO ) estarán incluídos en los abonos anuales. Los abonados podrán si lo desean adquirir entradas para ellos con un descuento del 10%

3) el abono entonces incuirá 7 espectáculos, 4 de ópera tradicional  (DON GIOVANNI,TOSCA,FIDELI,MACBETH ), 2 modernos  ( DIE SOLDAGEN,. PORGY AND BESS )y uno del barroco ( DIDO Y ENEAS ).

PRECIOS DE LOS ABONOS DEL COLON

FECHAS PARA RENOVAR ABONOS DEL COLON

PRIMERA ETAPA

ÓPERA

LUNES 19 de OCTUBRE al VIERNES 23 de OCTUBRE

TODOS LOS ABONOS Incluyendo ópera

LUNES 26 de OCTUBRE al LUNES 30 de NOVIEMBRE

DESCUENTO

Renovando su abono en esta

primera etapa.

10%

SEGUNDA ETAPA

ÓPERA

LUNES 18 DE ENERO al VIERNES 22 de ENERO

TODOS LOS ABONOS Incluyendo ópera

LUNES 25 de ENERO al VIERNES 12 de FEBRERO

TERCERA ETAPA

CAMBIOS DE UBICACIÓN

MIÉRCOLES 17 de FEBRERO al VIERNES 19 de FEBRERO

RENOVACIÓN ABONO AZUL

FESTIVAL DE MÚSICA Y REFLEXIÓN

MARTES 23 de FEBRERO a MARTES 01 de MARZO

SOBRANTE Y NUEVOS ABONOS

A partir del MARTES 23 de FEBRERO

Lunes a viernes de 10 a 16,

ingresando por la calle Libertad 621.

Lunes a viernes de 10 a 16, ingreso a confirmar.

Lunes a viernes de 10 a 16, ingresando por

la calle Tucumán 1171. Boletería del Teatro Colón.