ELEONORA CASSANO EN LA DUARTE

LA DUARTE- COREOGRAFRIA DE SILVIA VLADIMIVSKY DIRIGIDQA POR LA AUTORA, CON MUSICA ORIGINAL DE SERGIO VAINKOFF – TEATRO MAIPO

Confieso avergonzado que es la primera vez en mi vida que veo a ELEONORA CASSANO  una primera bailarina con una destacada trayectoria en Argentina y varios paises de America Latina, en particular bailando junto de JULIO BOCCA  que era su partenaire habitual.

Es que hasta hace muy poco yo no era un espectador habitual de ballet, habito que he adquirido a raiz de los impactantes espectáculos del BNS –SODRE  desde que JULIO BOCCA  precisamente asumio su direccion. Antes de esto era un espectador asimilable a aquellos que van a la Opera cuando viene alguien del porte de PLACIDO DOMINGO  o LUCIANO PAVAROTTI  ( hoy lo segundo es imposible, helas ¡! y lo primero va siendo cada vez mas infrecuente ) Aun asi esta mala costumbre me dio la oportunidad de ver algunas estrellas como Marcia Haydee,Natalia Makarova, Maia Plisetskaia, Margot Fonteyn, Rudolf Nureyev, Michael Barishnikov, Alessandra  Ferri ( otra partenaire habitual de Bocca )

Pero no habia visto a la Cassano y por cierto me habia perdido de ver una artista singular de gran capacidad tecnica ( se esta retirando preventivamente pues aun puede bailar magníficamente bien ) y con un gran temperamento dramatico, como aquí pone en evidencia en mas de una escena, particularmente las del final.

Dicho esto, debo admitir que el ballet en si me gusto bastante menos que la interprete. En primer lugar porque es muy difícil dar un personaje tan complejo  y tan ideologico como EVA PERON sin  el uso de la palabra. Se pierde toda una dimension que es fundamental, si bien se logran algunos muy buenos momentos de emocion. Es sintomatico que la unica voz que se oye en la obra sea la de JUAN DUARTE  no precisamente un exponente de lo mejor de la actuación publica del personaje.

En segundo lugar, y mas imporante, el ballet asume una actitud muy partidista, decididamente glorificadora del personaje, que no da lugar a un analisis mas objetivo del personaje de carne y hueso con sus imperfecciones y limitaciones.

Eva Peron como se sabe es una de las mujeres que mas han polarizado la sociedad argentina. En primer lugar porque su defensa apasionada de los mas humildes, o sus ataques apasionados a las clases dominantes, dividieron en dos mitades a la opinión publica, que oscilo entre extremos como considerarla LA ABANDERADA DE LOS HUMILDES, LA JEFA ESPIRITUAL DE LA NACION o  proponer su santificación por la Iglesia hasta el polo opuesto que la llamaba ESA MUJER, LA PERONA Y ALGUNOS OTROS CALIFICATIVOS IRREPRODUCIBLES. En parte  tambien esa division tenia su origen en el carácter contradictorio del personaje : rencorosa, vengativa, autoritaria, a menudo despiadada con los enemigos generosa, codiciosa, sensible, solidaria, apasionada , todo en una sola mujer.

Se han visto y leido innumeros libros, films, obras de Teatro y hasta dos musicales que han hecho mayor o menor justicia al personaje, pero que en general han sido menos maniqueos que  este ballet. Destaco por ejemplo que en un texto comercial como es la famosa EVITA , que recorrio el mundo y fue filmada por Madonna, se incluye un texto bien reflexivo a partir de un enfrentamiento ( que no existio en la vida real ) entre Eva y el Che., donde este le reprocha que con su asistencialismo no resuelve nada porque auxilia los síntomas y no la causa, y ella le responde que la madre que necesita medicamenteos para salvar la vida de su hijo no puede perder tiempo esperando la hipotetica revolucion del Che. Un dialogo maduro que no se le ha  reconocido a la Opera rock, ( y que fue censurado en el film )

Aquí solo se ven momentos favorables de la vida de Evita, se insiste en la supercheria de que ella y no Peron era el poder dominante y culmina con la escena final en que se la santifica, convirtiendola en una estatua desnuda mientras el pueblo la ensalza como Santa.

Eso no impide que haya momentos excelentes, de gran fuerza dramatica como el primer encuentro Peron-Evita, el enamoramiento, la progresiva ascensión al poder , su trato determinado y hasta humillante de los ministros , la escena extremamente emotiva en que Peron y Evita solos se confiesan  recíprocamente que el fin esta cerca y la terrible escena en que se despide de su pueblo,  lo consuela.

La musica es interesante, acompaña bien el espectáculo y el elenco de apoyo es muy bueno, particularmente . JULIO ARIAS       como Peron

LA VIUDA Y RECUERDOS DE UNA EPOCA QUERIDA

MAS SOBRE LA VIUDA

Voy a hacer algunas consideraciones sobre como se solia hacer la Viuda Alegre unos cuantos años atrás. En la epoca yo vivia en Montevideo, pero como las Cias. eran españolas y actuaban un par de meses en Montevideo y luego varios meses en en Buenos Aires en el Avenida, me voy a referir a un pasado que tanto argentinos como uruguayos que hayan vivido en la epoca pueden recordar.

Mi primer contacto con la Viuda Alegre ocurrio cuando tenia 10 años de edad. Mi madre, que era fanatica de la zarzuela como buena hija de españoles, me llevo al viejo y querido Teatro 18 de JULIO donde actuaban todas las compañias privadas extranjeras que visitaban la ciudad, para ver aquello que a ella tanto le entusiasmaba. Fue amor a primera vista. Recuerdo que era una Matinee de Sabado ( enonces habia 2 funciones por dia los Sabados y Domingos ), se daba LA DEL SOTO DEL PARRAL y para nuestra decepcion la funcion matinee la cantaba lo que hoy llamariamos el elenco B, siendo que el elenco principal cantaba la funcion nocturna. El elenco principal incluia a la estrella absoluta de la Cia. que era LUIS SAGI VELA. Tanto a mi hermana como a mi nos gusto tanto lo que vimos que decidimos quedarnos y ver la funcion de la noche, para ver al astro. Era todo un problema porque habia que hacerme pasar desapercibido entre el publico porque en la epoca los menores de 12 años no podian ir al teatro de noche ni aun acompañados por sus padres.

El hecho es que consegui ver entonces dos funciones de LA DEL SOTO en un mismo dia, y que desde entonces ha sido una de mis zarzuelas favoritas. A partir de alli no deje de ver un solo titulo de los que prestaba esta cia. transhumante al mando del empresario FAUSTINO GARCIA.

Venian una vez por año y en una rapida sucesion de estrenos pasaban revista a buena parte del repertorio, incluyendo titulos poco representados que no he vuelto a ver desde entonces como LA MONTERIA, EL CANASTILLO DE FRESAS, CURRO GALLARDO, EL CANTAR DEL ARRIERO, amen de los clasicos del genero.

Toda temporada de zarzuela incluia de necesidad dos operetas que las Cias. de zarzuela habian adoptado como propias y que eran de las mas demandadas por el publico : LA VIUDA ALEGRE  y EL CONDE DE LUXEMBURGO . En alguna ocasión se sumo LA PRINCESA DE LAS CZARDAS.

Faustino Garcia traia en genral cantantes jóvenes españoles de muy buenas voces. Algunos fueron muy famosos. La viuda era cantada por la soprano ligera del elenco y fue asi que vimos las viudas de LINA HUARTE, MARGARITA GARRIGOS, LOLITA TORRENTO y , un caso especial, la de JOSEFINA PUIGSECH que era mas bien una soprano lirico spinto pero de una rara versatilidad y una cautivante presencia escenica, especialmente en los papeles mas dramaticos.

Una carencia habitual era que el rol de Valencienne era en general confiado a la “ tiple comica “ en general una soprano con voz de soubrette, que hacia los papeles comicos de las zarzuelas mayores y que no siempre eran muy bien dotadas musicalmente. Una excepcion fue precisamente el año de LUIS SAGI VELA, en que la soprano que hizo la Viuda era JOSEFINA PUIGSECH  y la Valencienne era la tiple comica TERESITA SILVA  hija del maestro Penella para quien el mismo habia compuesto especialmente algunas de las mas bonitas arias que se han escrito para tiples comicas. Teresita era tiple comica por vocacion y no por limitacion ya que poseai una voz pequeña pero muy bien timbrada y con una mas que razonable esxtension.Sucedió que en una de las funciones la Puigsech no pudo cantar por razones de salud y contrariamente a la solucion natural, SAGI VELA  impuso que fuera TERESITA  la que cantara la viuda relegando a la otra soprano ( nada menos que la esposa del patron ) a cantar la Valencienne. Teresita fue una Viuda de voz tenue, extremamente graciosa y se gano una merecida ovacion.

Un rol que era fundamental en las representaciones era el de Njegus, representado siempre por el primer actor y director escenico de la compania, de los cuales hubo dos espectaculares ANTONIO MARTELO y LUIS BELLIDO. Ambos tenian un talento comico sin par y eran especialistas en improvisar textos que arrancaban sonoras carcajads del publico y que a menudo sorprendian porque hacian referencia a cuestiones relativas al mundo politico local.

 La reaccion del publico frente a la obra era mas espontanea porque se hablaba y cantaba en español. Un dilema nunca bien resuelto en las representaciones de opereta en estos paises. Si se opta por la versión en español se pierde mucho del estilo, especialemtne en las partes cantadas. Si se opta por la versión en aleman, dsiminuye la comunicación con el publico y se encorseta la actuación de los interpretes ya que tienen que ceñirse rigurosamene al texto escrito que es el que esta siendo traducido en los subtitulos. Y si se opta por la versión con las partes habladas en español y las cantadas en aleman, se crea un hibrido que no resulta natural.

Algo de eso se vio en la versión del Colon donde se incluyeron varias frases habladas en español y algun que otro chiste de actualidad ( el Conde explica que esta pobre porque tuvo que renunciar a los subsidios ) ( el mayordomo a la hora de dejar vacio el salon anuncia que esta Mecí en el jardin distribuyendo fotos y autografos ), pero fueron  “ improvisaciones ensayadas “ y reflejos palidos de lo que solia hacerse en español y de lo que aun hoy se hace cuando se representa la opereta en algun teatro de paises de habla germana ( he visto unas cuantas representaciones en la Volksoper

Wien y las carcajadas del publico me hicieron maldecir el no haver frecuentado por mas tiempo el GOETHE INSTiTUT

Demore largos 8 años en asomarme al mundo del Teatro y al de la Opera sin los cuales mi vida hubiera sido mas pobre y mas vacia. Por ello tengo ua deuda de gratitud con el genero, y lo veo con placer y cuando me dejan con emocion.

El año que viene tendre el placer de ver DOÑA FRANCISQUITA  en el Argentino, una verdadera joya del genero , que tiene su punto de partida nada menos que en Lope de Vega.

Pero que no daria por ver una temporada como las de antes. ¡!!!!

TODO TIEMPO PASADO FUE MEJOR  o como dijo magistralmente SIMONE SIGNORET  en el titulo de su autobiografía LA NOSTALGIA YA NO ES LO QUE ERA.

LA VIUDA ALEGRE EN EL TEATRO COLON

DIE LUSTIGE WITVE, DE  FRANZ LEHAR- DIR MUSICAL GREGOR BUHL DIRECCION ESCENICA CANDACE EVANS- TEATRO COLON

Voy a comenzar deliberadamente por el final. Siempre dije que la importancia de un gran Teatro de opera se mide no por el elenco solista que haya podido contratar para un espectáculo, sino por los elementos propios que constituyen la base del espectáculo. Comenzando como es obvio por el coro y la orquesta, agregando luego el cuerpo de baile, la estructura tecnica que permite montar la escenografia, y muy especialmente los cantantes que ocupan los papeles llamados secundarios que no siempre lo son tanto.

En todos estos aspectos el espectáculo que cierra su pobre temporada 2011, el Colon se ubica entre los muy buenos Teatros de Opera del mundo, si bien quizas no ya entre los top 5 como fue alguna vez el caso, por limitaciones presupuestarias. Con una correcta ( no brillante ) direccion musical de Gregor Buhl coro y orquesta tuvieron una muy buena noche. Gran desempeño del cuerpo de baile, muy utilizado por la puesta ya sea como comprimarios en la primer escena, como cuerpo de baile propiamente dicho en el ballet de la segunda escena y en el ballet agregado de la tercera y en el enloquecido Can Can .Una muy buena coreografia de RODOLFO LASTRA.
Magnifica la escenografia concebida por MICHAEL YEARGAN que dio muy bien los tres ambientes con un tinte de naive y una marcada belleza junto con el fastuoso vestuario de MINI ZUCCHERI conformaron un espectáculo de gran belleza visual. Es una pena que tanta belleza y que la inversion se agoten en  6,7,8 funciones y no se piense en realizar toda una serie de reposiciones  con elenco local, por ejemplo durante la temporada estival ( una idea que le costo el puesto a TITO CAPOBIANCO ),.Antes se hacia y ahora seria mas que posible porque el Teatro cuenta con una buena refrigeración que antes no tenia.

Siguiendo con el destaque de lo mejor de la versión , hubo  un elenco de comprimarios que se dio lujos tales como NORBERTO MARCOS ( desopilante Cascada ) CARLOS ULLAN ( que saca a lucir una vis comica que no le conocia, habituado como estoy a sus papeles dramaticos y un desopilante uso del falsete durante el numero Weiber, weiber ) ERNESTO BAUER ( un magnifico Danilo hace poco en el Avenida ) ALEJANDRO MEERAPFEL y la deliciosa MARISU PAVON, todos ellos puntales impagables del espectáculo.

En los papeles principales brillaron   GUSTAVO ZAHNSTECHER  como Njegus, BENJAMIN BURNS ( con una bellisima voz de tenor ligero y una agradable presencia escenica) como Rosillon  y LYUBA PETROVA ( una bella y segura voz de soprano lirico-libera , muy en papel como Valencienne ) Y fue sencillamente magistral la participación de MATIAS HAUSMANN como Danilo. Con una bellísima voz de barítono agudo, desenvoltura escenica y la estampa adecuada al personaje fue el cantante extranjero que mejor justifico su contratación.

Tengo sentimientos econtrados respecto del Mirko Zeta de REINHARD DORN. Su primera intervención fue francamente penosa, en franco  desacuerdo con la afinación. Pero superado este momento fue un eficaz interprete de su parte si bien dejo la impresión de que bien podria habersele dado la parte a un canante local.
Y a mi entender fue totalmente insatisfactoria la participación SOLVEIG KRINGELBORN, como la Viuda ( nada menos ¡! ), que fuera de su eficaz desempeño como actriz, demostro no estar en condiciones en el momento actual de encarar este personaje. Su voz ha sufrido un notorio deterioro desde la epoca de oro, unos 20 años atrás, en que cantaba papeles importantes en el Met y otros teatros, exhibe ahora un incomodisimo vib ratto  ( uno de los peores que oi en mi vida )que aparece toda vez que intenta cantar a viva voz y sus agudos son insatisfactorios p.or lo estridentes o por la tendencia a cortarse como fue el doloroso caso de la bella aria VILJA.El publico del Colon demostro esta vez una gran educación aplaudiendo sin ningun entusiasmo su participación y sin caer en la guarangada del abucheo, que esta interprete  por su pasado no se merece. Lo que no entiendo es como no fue protestada en los ensayos, no se invirtio la distribución de los papeles haciendo que  la Petrova cantara Anna y alguna de las muchas sopranos locales que pueden cantar la Valencienne asumiera la parte.

Y hay algo que ya no se puede soslayar. ES URGENTE REALIZAR UNA AUDITORIA EN LAS FINANZAS DEL TEATRO. Saber como se deciden las contrataciones, cuanto se le paga a cada interprete. Encontrar una explicación del por que de ciertas contrataciones, que saltan a la vista del menos entendido que son inadecuadas, como ha sido este caso o el del tenor de Lohengrin que al menos fue protestado ( pero luego de ser abucheado por el publico en la noche del estreno )

No voy a caer en la tesis chauvinista de que el Colon no debe contratar interpretes en el exterior porque soy el primero que vibra de entusiasmo cuando piensa que puede ver por ejemplo la Leonora de THEDOSSIU el año proximo ( si es verdad que firmo el contrato ). Pero aspiro a que por lo menos cuando se gastan importantes sumas en moneda extranjera las contrataciones sean de elemementos que puden aportar algo diferente a lo que harian los interpretes locales.

Y puedo poner no menos de 10 ejemplos de cantantes locales que podrian asumir cada papel ( los cuales podrian y deberian ser aprovechados para la temporada estival de la opereta que estoy seguro que con precios mas populares que $ 500.00 la platea, agotaria noche tras noche la capacidad del teatro ayudando a amortizar el gasto que debe haber sido cuantioso en escenografia y vestuario. )

No resisto la tentacion de indicar que últimamente vimos dos Viudas excelentes EUGENIA FUENTE  y muy especialmente SOLEDAD DE LA ROSA  QUE HIZO UNA VERSION DE VILJA  REMATADA POR UN PINANISIMO ETEREO QUE CASI HACE CAER EL EDIFICIO DEL AVENIDA  por la ovacion que desperto. Esta notable cantante , quizas una de las mejores voces nacionales, parece estar vetada en el Colon, quizas por las razones que llevaron al veto de DEBORAH VOIGT en el COVENT GARDEN  antes de operarse, lo cual es lamentable porque debieramos imitar las virtudes de los grandes teatros y no sus defectos.

Y me animo a citar algunos otros ejemplos de sopranos que hubieran podido ser excelentes Viudas ( y que todavía pueden serlo en el verano ) –Comenzando por la gran PAULA ALMERARES. O DANIELA TABERNIG . Y por que no MARIA JOSE DULIN  o MARINA SILVA ¿? Y estoy seguro que omito varias mas.a las que pido de antemano perdon y piedad con mi memoria que tiene largos  68 años de uso, y ya manifiesta un incomodo vibratto tambien..
  

CONFIESO QUE HE COLABORADO A SABIENDAS CON UNA ESTAFA-SOY COMPLICE

Me siento como un perfecto otario. Acabo de renovar mi abono del Colon para no perder el lugar que ocupo hace 38 años.

Para tal, he pagado a precios bastante salados el precio por 7 funciones de las cuales aprovechare voluntariamente solo 2 y quizas (ya que me obligaron a comprar la entrada 3 o 4 mas). Y el Teatro saber muy bien cual es la opinio0n del publico porque se ha cuidado muy bien de no incluir funciones de asistencia voluntaria en los titulos mas atipicos y en cambio si las ha incluido en los titulos de rpertorio. Algo han aprendido del fiasco de boletería que tuvieron este año.

Con el voto favorable de mi tarjeta de credito estare contribuyendo a que permanezca en el poder una direccion artistica ( entre paréntesis QUIEN ES EL DIRECTOR ARTISTICO ¿?) que ha logrado el milagro de programar una temporada lirica donde no se ve un solo titulo de Puccini,Donizetti, Bellini,Gounod,Massenet,Bizet ,Wagner y otros maestros de la Opera que todos admiramos y cuyas obras quisieramos ver con el nivel de calidad que antes nos proporcionaba el teatro. ( inclui a Wagner porque solo se vera este año la versión amputada de su Tetralogia concebida mas como una ceremonia social que como una funcion de opera , con extensos intervalos para alternar y degustar iguarias mientras los fotografos retratan a las socalites principales que hayan acudido a la cita y se hayan aburrido soberanamente con esa opera tan ruidosa, por suerte muy reducida en su extensión )

Veremos ahora una colección de titulos cuidadosamente seleccionados por algun elitista donde las obras que no son de repertorio representan el 70% de la programación, y donde ademas los elencos estan integrados mayormente por ilustres desconocidos, que seguramente solo tienen un elevado concepto en las agencias que los representan y que los han propuesto al Teatro.

Para colmo de males en las operas de repertorio, se incluyen escasas funciones extraordinarias y son muy limitadas las chances que se les han dado a los cantantes locales, que en buena medida tendran un 2012 muy similar a los años en que el teatro permanecio cerrado porque ahora estara cerrado para ellos..

ELENCO ALTERNATIVO DE DON CARLOS EN LA PLATA

EL ELENCO ALTERNATIVO DE DON CARLOS EN LA PLATA

Presencie la funcion del dia 24 de Don Calos con el elenco alternativo al que canto el dia del estreno ( notese que deliberadamente evito la expresión “ segundo elenco “ que seria injusta por la calidad de los integrantes del mismo. )

Lamento muchisimo por la calidad de la representación que la misma se haya llevado a cabo delante de una sala practicamente vacia, lo cual puede fácilmente ser explicado por una serie de factores, siendo seguramente el principal el hecho de que se trataba de una funcion en un dia de semana, que duraria de 19 hs. hasta las 0,10 del dia siguiente y sobretodo que por lo menos para el publico de Buenos Aires, que si no es mayoria en los espectáculos  del Teatro Argentino debe estar cerca de serlo, implicaba partir a las 16,30 de Buenos Aires, lo cual lo volvia incompatible para todo aquel que este en actividad y tenga que cumplir un horario de trabajo.

El Teatro Argentino tenia antes el sistema de programar sus funciones de Opera para Viernes ,Sabados y Domingos. Recuerdo que yo acostumbraba ir los Sabados de mañana, hospedarme en un modesto hotel que esta enfrente al Teatro, ver las funciones del Sabado y Domingo ( obviamente con los dos elencos ) y regresar a Buenos Aires el Lunes por la mañana. Últimamente las funciones del elenco alternativo caen en Jueves, lo cual las condena de antemano a atraer un numero muy limitado de espectadores.

A mi en particular, me favorece el nuevo sistema porque el Hotel se las ha ingeniado para colocarse fuera de mi alcance por el precio, e ir y volver a La Plata dos dias seguidos es un poco extenuante para quien como yo ya paso de los 40 años. ( jajaja)

Yendo al espectaculo, que es lo que cuenta :

Mantengo mis reservas sobre la regie y agrego una que me fue observada por un amigo mas atento que yo a los detalles : en el auto de Fe la regie comete un error garrafal al hacer que los sacerdotes sean quienes ejecuten mediante el fuego a los “ herejes “ flamencos. La verdad historica es que la Inquisición se limitaba a interrogar ( ya sabemos como ) juzgar y condenar a los acusados que después eran entregados al poder secular para que llevara adelante la condena ( como dirian en Brasil “mata la cobra y esconde el palo” ) Es un detalle importante, pero detalle al fin. Yo sigo pensando que uno de los peores errores de la regie es hacer que la Reina vea con sus propios ojos la traicion del Rey con Ebboli minutos antes de mostrarse horrorizada cuando Ëbboli se lo confiesa, destruyendo asi la logica interna de una de las escenas mas fuertes de la obra.

Mantengo tambien mis elogios al coro , orquesta y direccion musical.Si bien los metales me parecieron algo indisciplinados en algunos pasajes de la funcion de anoche. Los solos de cuerdas en los preludios al aria de Felipe y al Tu che le vanita, fueron sencillamente conmovedores.

En el Don Carlos yo prefiero el estilo mas mesurado y el dolor mas itnernalizado de Lombardo, pero es mas bien una cuestion de gustos y no se puede negar que el estilo mas italico de ENRIQUE FOLGER  es quizas mas adecuado a la personalidad desaforada y enfermiza del Infante. Lo que esta fuera de discusión es que Folger posee una voz de un timbre mucho mas grato que el tenor frances, con agudos respladescientes y un bello registro grave, ademas de  una mezza voce inteligentemente utilizada. Folger comete a veces algunos excesos histrionicos que lo apartan inclusive de la partitura con exclamaciones que desplazan a algunas notas. En esta oportunidad ello se sintio bastante en la primer escena de la Opera, la menos lograda por los dos solistas principales, pero desaparecio casi por completo a partir de la escena siguiente. Si tuviera la oportunidad, tan difícil por estas latitudes, de frecuentar el personaje y sobretodo de cantarlo y actuarlo con diversos maestros de nivel, estoy seguro que la suya seria una interpretación de proyeccion internacional.

Durisimo el compromiso de FLORENCIA FABRIS  de reemplazar a  CARLA FILIPCIC que deslumbro a todo el mundo en una interpretación poco menos que insuperable de la Reina. Florencia es una de las voces jóvenes mas importantes del medio, con una extensión inusual, lo cual ha llevado a que diferentes directores se disputen su presencia en sus elencos, particularmente cuando programan alguna Opera con dificultades vocales por encima de la media. Yo diria que el suyo fue un trabajo solvente, que reafirmo sus dotes musicales, pero que pone en evidencia que no es este un papel que resulte particularmente conveniente a sus caracteristicas vocales, poniendo en peligro ( opinión de profano ) la sanidad de su voz al exigirle ir mas alla de lo que con comodidad puede cantar, sin  esforzarse. La Reina es ademas un papel actoralmente muy complicado porque pese a ser alguien que no ha salido de la primera juventud, solo es abiertamente joven y despreocupada en la escena inicial en que niña prácticamente en los jardines de su palacio real cree ver coronados sus sueños de adolescente al casarse con el Infante. En las escenas siguientes veremos a alguien que ha madurado “ a palos “ a fuerza de dolor contenido y encerrado dentro de si. Es por consiguiente un papel para alguien con una tremenda experiencia y dominio escenicos. Uno de esos papeles a los que se llega en la coronación de una carrera.

Tampoco creo que sea particularmente recomendable para EUGENIA FUENTE  cultivar este repertorio particularmente difícil y exigente. Su voz natural que es bastante mas lirica que las de las Eboli que uno esta acostubrado a oir, fue trabajada con inteligencia por la cantante que logro una versión impactante por su fiereza vocal y por su temperamento escenico. Pero sigo teniendo mis dudas acerca de la conveniencia de cultivar un repertorio tan pesado. Fue un placer verla y oirla,especialmente en el excitante OH DON FATALE  pero espero no nos cueste caro en cuanto a la perdurabilidad de una voz que es de las mas importantes del medio.

OMAR CARRION  puede que no tenga el volumen vocal que exhibio GALABOV  en ciertas zonas de su voz, pero tiene una voz mas uniforme en toda la extensión, una magnifico fraseo verdiano y una gran intensidad dramatica que lo hiceron un Rodrigue mucho mas convincente. Sus dos arias en la prision fueron sencillamente memorables y de lo mejor que se oyo anoche.

SAVIO SPERANDIO apabullo con una voz mucho mas poderosa que la de su predecesor en la parte, cantando con total solvencia en todos los extremos del registro y dando ademas esa sensación de “ yo mando aquí “ que el otro no conseguia proyectar. Pero para ser un gran Felipe le falta aun sutileza. Su concepción del personaje estuvo mas proxima de un Scarpia regodeandose en su maldad  que de un Rey de España Catolica carcomido por sus dudas internas  y sus dramas personales. Si logra evolucionar hacia una caracterizacion mas refinada puede llegar a ser un Felipe de primerísimo nivel.

Impresionante el Inquisidor de EMILIANO BULACIOS ,con un arrollador registro agudo, todo el volumen neceario para impactar y un decir intencionado que helo la sangre. Bajo barítono en fin tuvo que trasportar hacia el agudo el grave de “ allor son io che parelero Sire “ pero bien vale sacrificar una nota para oir semejante versión del personaje.
Muy efectivo el monge de FLOY DAVID PUÑEN con mas facil acceso a las notas agudas, muy eficientes MAXIMILIANO AGATIELLO y ARNALDO QUIROGA  en papeles complemntarios. Y un placer aparte la verdaderamente celestial voz de MARINA SILVA  como el angel que cierra el auto da fe.

Una curiosidad al respecto es que en los programas de DON CARLO durante uno de los tanto periodos dictatoriales en Argentina, al narrarse el argumento se omitia toda mencion a la voz del angel que da la bienvenida en el cielo a las victimas. En la Argentina de entonces los herejes morian herejes y sin perdon de Dios.

VALQUIRIA EN EL TEATRO MUNICIPAL DE SP

WALKURE EN EL TEATRO MUNICIPAL DE SAO PAULO. DIRECCION MUSICAL DE LUIZ FERNANDO MALHEIRO. REGIE DE ANDRE HELLER LOPES

(En una nota aparte he hecho algunas consideraciones genricas saobre Walkure asi como sobre la critica en general y mis notas en particular, que considero son de lectura importante para entender lo que sigue, si bien no imprescindibles.)

La verisond el Tmsp de esa obra cumbure de Wagner, particularmente dificil de montar , tuvo para empezar dos solidos puntales en la persona del excelente director LUIS FERNANDO MALHEIRO  y en el desempeno ejemplar de la Oruqesta Sinfonica del Estado, bajo su direccion. Juntos supieron dar drama al drama, belleza musical a la partitura, sonoridad y respeto por las voces de los cantantes, en una ejecucion valiosa y de raro equilibrio.
Otro puntal de la version fue el  excelente desempeno de MARTIN MUEHLE  como Sigfrido. Este joven tenor brasileno con destacada actuacion en Alemania en pocos meses ha asombrado a los publicos de Uruguay y Argentina con dos impactantes creaciones de papeles  dificiles como son indudablemente el DON JOSE  de CARMEN y el CANIO de I PAGLIACCI.  Aqui no solo ratifico sus condiciones de interprete que canta con profunda emocion y actua con solvencia de actor teatral sus personajes, sino que volvio a exhibir la belleza de su voz de un timbre particularmente atrayente con ese no se que de baritonal que le confiere su caracter oscuro , y la estupendfa extension  para la cual la exigente partitura de Wagner no alberga temores. E incluyo en ello el agudo final del primer acto que a tantos tenores ( Domingo joven incluido ) suele resultarles dificultoso. Su tecnica de tenor que no se limita a cantar Wagner aporta una belleza casi belcantista que le hace muy bien a la partitura demostrando que es falsa la inclinacion por voces altisonantes y que Wagner gana muchisimo cantado con delicadeza musical. Pienso que seria tambien un excelente LOHENGRIN . Pero pienso tambien que ese es el limite de sus incursiones wagnerianas en esta etpa de su carrera, si queremos ( y vaya si queremos !!!) contar con su voz por un largo tiempo en el futuro.
Fue tambien impactante la presencia vocal  de STEFAN HEIDEMANN  un baritono de bellismo timbre vocal con un poderoso registro agudo. El interprete es aun inmaduro   y no consiguio trasmitir la autoridad del dios de los dioses ni sus vacilaciones emotivas. Pero eso el tiempo y la frecuentacion lo aportaran. De modo que pienso que hemos visto el borrador de lo que sera sin lugar a dudas una gran interpretacion;
Fue tambien impactante la voz del bajo GREGORY REINHART  un Hunding adecuadamente arrollador, en manos de un buen actor que no poudo lucirse mas por obra y gracia de ciertas concepciones peculiares de la regie a respecto de su personaje.
Tambien exhibio una voz importante , con generosos graves y agudos la mezzo brasilena  DENISE DE FREITAS  aunque canto y sobretodo actuo con un estilo no muy adaptado a la opera alemana, pareciendo por su extroversion mas bien salida de una opera verista.
Contradictorias me parecieron las voces de las dos sopranos.  LEE BISSET  posee una voz con un poderoso registro agudo que resplancdece cuando usado a todo vapor. /su mezza voce en cambio es metalica y padece de un marcado vibratto Y sus graves a duras penas atraviesan la barrera de la orquesta. Parece una actriz dedicada, si bien la peculiar concepcion de la regie no le permitio dar un primer acto ( que es donde mas puede lucirse ) a la altura, descollando en cambio en sus breves participaciones de los dos actos giguientes y muy partiuclarmente en la despedida final antes de huir hacia la selva para salvar la vida de su hijo, un momento verdaderamente consagratorio.
JANICE BAIRD  tiene una voz que en el agudo tiende a sonar estridente y es poco sonora en los graves. Canta muy musicalemtne y es una actriz aplicada pero exterior a menduo cayendo en gestos estandarizados de cantante de opera tipo. Honestamente no me convencio, si bien es justo reconocer que logro una interpretacion totalmente solvente de un papel e  el que muchas naufragan. Quizas con otra regie hubiera sido mas convincente.
Y por ultimo queda la regie., que creo que fue el talon de Aquiles de esta version y que le impidio ubicarse en el nivel de calidad al que podria haber aspirado por sus componentes.
En el primer acto se propuso ser modernista, lo cual fue notorio desde que se levanto el telon y vimos que la habitual cabana de Hunding dominada por el tronco de un arbol donde esta clavada la celebre espada que despues usaran Sigmundo y Sigfrido, fue sustituida por un moderno departamento duplex con mobiliario moderno, en abierta contradiccion con el enorme tronco que ocupa su centro que resulta asi anacronico   e inexplicable em ese contexto. Luego aparece Siglinda disfrazada de mujer arabe con el velo cubriendole la cabeza, quizas para hacer un paralelismo con la mujer sumisa que es, y por ultimo aparece Hunding acompanado por un grupo de jovenes que no se sabe bien que representan dado que tienen actitudes de guardaespladas, pero Hunding tiene para con ellos ciertas intimidades ( caricias en la cara incluidas ) que hacen sospechar otra cosa. Todos visten de riguroso smoking conemporaneo en  contraste con las ropas semicovencionales de Sigmundo y Siglinda. Y para culminar el acto un verdadero prodigio de mal gusto. Siglinda vacia la mesa, extiende sobre ella un pano, se recuesta sobre ella, levanta sus faldas, separa sus piernas y convida a Sigmundo a montarla ( otro verbo no se me ocurre dada la ordinariez de la situacion )
El segundo acto es particularmente desanimador.Comenzando con el tugurio donde se lelva a cabo toda la escena , un cubiculo clasutrofobico adornado en sus paredes por centenares  de fotos antiguas enmarcadas. Las Valquirias vestidas como para desfilar en un corso de carnaval juguetean con Wotan; De onmediato el regisseur arruina una de las escenas mas emotivas de la obra. En su version Brunilda desobedece a Wotan no porque se enamora del amor de  Sigmundo por Siglinda sino proque directamente  se excita con el y llega a besarlo en la boca. En la escena cumbre del acto, Hunding llega  acompanado nuevamente por su troupe de amigos,  El armado con un bate de baseball ( !!??) los demas con punales. La escena final es  sin embargo un hallazgo muy interesante dramaticamente, que muestra que el director mas alla de sus manias, sabe muchisimo de Teatro.. Todos atacan a Sigmundo al mismo tiempo que consigue mantenerlos a raya solo gracias a la magia de su espada. Una vez que Wotan la retira, se precipitan sobre el y lo masacran. Aparece Fricka que viene a festejar su triunfo. Hunding se arrodilla a sus pies, como buen siervo y cuando Wotan pronuncia el famoso, fatal GEHE!! ( ve !!). Hunding y sus acompanantes caen fulminados a los pies de Fricka que queda paralizada por el asombro y el terror que le produce la colerica explosion de su marido. Pena que la actriz no consiguio estar a la altura de la marcacion , faltandole contencion y grandiosidad a sus gestos.
El ultimo acto es el que menos sufrio tanto con la escenografia ( unas columnas de vidrio que al desplazarse limitan y delinean ambientes diversos ) como por la regie, salvo la lamentable cabalgata inicial con las valquirias nuevamente vestidas para carnaval, efecto subrayado por los caballos humanos que mas precen salidos de una fiesta nordestina, y la innecesaria orgia inicial entre ellas y los herores que estan trayendo al Walhala.

EN SUMA , UN ESPCTACULO NO TOTALMENTE LOGRADO, IRREGULAR, PERO CON ALGUNAS IMPRESIONANTES ACTUACIONES, QUE POR  LO MISMO ES IMPORTANTE VER.

VALQUIRIA. CONSIDERACIONES GENERALES SOBRE LA OPERA Y SOBRE LOS LIMITES DE LOS COMENTARIOS DE CRITICOS PROFESIONALES Y DE AFICIONADOS

WALKURE  es una de las operas mas populares y conocidas de RICHARD WAGNER  y son muchos los aficionados al arte lirico que aun no siendo wagnerianos fanaticos tienen esta Opera entre sus favoritas ( el que suscribe incluido )
Tal la riqueza de la creacion musical con momentos de increible belleza y la intensidad de las situaciones dramaticas en ella incluidas.
No es, como toda Opera de Wagner un a obtra facil de montar por las exigencias en el plano musical y dramatico a sus interpretes. Pero es en general una Opera que ha tenido suerte, porque normalmente los teatros, conscientes de su dificultad se han rodeado de elemntos cuidadosamente seleccionados para encararla.
Yo por mi edad y por haber viajado con cierta frecuemcia por el mundo he tenido  la suerte de ver grandes interpretes de las diversas partes, si bien no alcance ( pese a las calumnias de quines queiren hacer creer que soy aun mas
 viejo )  a ver los grandes interpretes de la edad de oro del canto wagneriano  a los que he tenido que conformarme con conocer por grabaciones  ( en esto dandole la razon a una de mis mas enardecidas desafectas )
Fue asi que pude conocer , y agradezco a la tecnologia habermelo permitido las creaciones de monstruos sagrados  como FLAGSTAD, TRAUBEL, LEHMAN, MARJORIE LAWRENCE, MODL , VARNAY, SUTHAUS, WINDGASSEN, VINAY , RESNIK, MELCHIOR, HOTTER  y algunos otros que puede mi memoria estar olvidando en este momento., sin los cuales no tendria el conocimiento que creo tener sobre la magna obra de su autor.
Me consuelo pensando que lo mismo le ocurrira a los aficionados mas jovenes que no pudieron ver como yo en el apogeo de sus voces a interpretes como BEHRENS, POLASKI, StAUDT, MORRIS,TREIGLE,  NILSSON, CRESPIN, DERNESCH, CHRISTA LUDWIG, JESSIE NORMAN, ALTMEYER , VOIGT , PETER HOFFMANN, JERUSALEM, STIG F. ANDERTSSON, DOMINGO cada uno de los cuales ha dejado su marca en el historial de las interpretaciones wagnerianas. Y ya que hablo de Walkure no puedo dejar de recordar una memorable noche en el MET donde confluian la presencia de CHRISTA LUDWIG, HILDEGARD BEHERENS Y JESSIE NORMAN  y los 18 minutos de aplausos que coronaron el final del acto I con una Siglinda de increible belleza de Norman, cantada con la delicadeza de una cantante de camara cuando uno esperaba oir una interpretacion mas masiva de una soprano dotada de una poderosa voz como ella.
Siendo una de mis operas favoritas y una de las que he hecho cuestion de ver en el exterior toda vez que me toco viajar, es una de las operas que conozco mejor y casi me atreveria a decir que si  Dios me hubiera dado la voz para ello ( a alguien hay que culpar en definitiva ) me seria posible cantarla del principio al final, porque la he aprendido de memoria. Cosa que tambien me ocurre con varias operas del repertorio habiutal como las que recientemente comente DON CARLO, MACBETH,NORMA.
Se que el saber una opera de cabo a rabo no me habilita para formular cierto tipo de comentarios que se restringen al plano tecnico. Yo puedo identificar que ina voz no suena bien en una determinada parte, pero como jamas estudie canto puedo no saber por que. Es por eso que como comentarista aficionado que soy tengo que tener la humildad de no formualr este tipo de opiniones sin antes corroborarlas con las de personas de mi amistad que tienen una mejor formacion tecnica que la mia y en general no digo nada en el plano tecnico que no haya verificado  previamente con ellos.
Es verdad que esto no excluye la subjetividad ya que he consiguido comprobsar en el transcurso de estas consultas que  aun las opiniones de los mas  tecnicos estan tenidas de subjetividfad no siendo im posible encontrar un gran musicologo que diga que un cantante canto magnficiamente bien y otro no menos capacitado que diga que desafino toda la noche.
Lo mismo curre con los criticos profesionales que publican sus comentarios en los diarios, que frecuentemente revelan un alto grado de subjetividad.
Es por eso que siempre recomiendo al aficionado buscar un critico que tenga gustos similares a los suyos para guiarse por su mejor fundadas opiniones y aprender a perfeccionarlas. Yo en particular a lo largo de mi vida y leyendo como leo muchas publicaciones como LA NACION, CLARIN, EL PAIS DE MONTEVIDEO, BUSQUEDA, OPERA IN THE WORLD,  OPERA INGLESA, NY TIMES, LE MONDE  he econtrado  solo 4 grandes criticos de musica que se acercan casi infaliblemente a mis gustos personales y que me han servido de maestros mas que de guias ; son ellos el fallecido WASHINGTON ROLDAN , el anorado  WR de las paginas culturales de EL PAIS  con el cual muchos aprendimos a amar el arte lirico, HAROLD ROSENTHAL  del NY Times ( hoy retirado ) ALBERTO LEAL  de Opera in the World y EGON FIEDLER  de varias publicacioens uruguayas.
Tambien he podido identificar criticos musicales que saben aun menos que yo como el critico de una de las mas importantes publicaciones brasilenas que una vez publico la siguiente frase que juzgo descalificatoria :" la conocida soprano americana sherrill milnes "  o ME HA TOCADO LEER DOS CRITICOS CON ExCELENTE FORMACION QUE PUBLICAN NOTAS CONTRAPUESTAS EN SUS ORGANOS DE PRENSA, PERO DISCREPANDO NO SOLO EN ASPECTOS SUBJETIVOS COMO VOZ BELLA, VOZ FEA SINO EN ASPECTOS TECNICOS ( AGUDOS IMPECABLES, AGUDOS CALANTES )
Es que los seres humanos no somos maquinas y tenemos nuestros sentimientos preferencias , subjetividades, hasta prejuicios .
Es por eso y por mis carencias tecnicas que yo trato de dejar bien en claro con los amigos a quienes va dedicado mi blog, que las mias no son criticas en el sentido usual sino simplemente opiniones de un espectador. Eso si , no son opiniones infundadas por completo, porque son las opiniones de alguien que ha visto mucha opera en los ultimos 50 anos, que puede comparar grandes interpretaciones, y que sobretodo conoce las operas de las cuales esta hablando en un grado que modestamente algunos musicologos con mejor formacion no alcanzan a tener. EN SUMA SON LAS OPINIONES DE UN ESPECTADOR, NO DE UN CRITICO, PERO SON LAS OPINIONES DE UN
" ESPECTADOR BIEN INFORMADO ".

DON CARLO- EN FRANCES O EN ITALIANO ????????

DON CARLOS-OPERA FRANCESA U OPERA ITALIANA ¿??

Uno de los puntos mas novedosos de la puesta del Teatro Argentino es que la Opera es presentada por primera vez en Argentina cantada en idioma frances. ( De alli que se llame DON CARLOS y no DON CARLO  como la mas tradicional versión cantada en italiano )

Es una tendencia que viene generalizandose en el mundo la  de representar las Operas que los autores italianos compusieron para la Opera de Paris en el idioma original en que fueron estrenadas y no en su traducción italiana. Y es una tendencia ademas unanimente elogiada por los criticos musicales, que encuentran que la versión francesa es mas autentica, responde mejor a las intenciones originales del autor, que la traducción italiana, por mas que esta haya sido hecha por el propio autor.

En el caso de DON CARLO hay un motivo adicional  y es que Verdi a la hora de preparar la versión italiana de su obra decidio suprimir enteramente la escena de Fontainebleau que inicia la Opera, reduciendola asi de su extensión original, procurando hacerla mas potable para el publico italiano que aparentemente no estaba acostumbrado a tales largores.

Con posterioridad grandes maestros restituyeron el acto suprimido en una traduccion italiana que no fue supervisada por el autor ya que nunca estuvo en sus intenciones representar en Italia su opera completa copn sus 5 actos.

Para mi el primer acto es absolutamente imprescindible y la opera pierde  gran parte de su logica dramática si se lo elimina. Es en este acto que la hija del Rey de Francia ,después Reina de  España ,  conoce al hijo de Felipe, y sabiendo que hay tratativas para su casamiento con él, que consolidarian la paz entre España  y Fraqncia, cree tocar el cielo de sus manos al ver que podra brindarle un gran servicio al mundo casandose ademas con el hombre que ama. De ese sueño es despertada por el paje que viene a rogarle que lo conserve junto a si cuando sea Reina y cuando esta intenta corregirlo de que no sera Reina sino esposa del Infante se entera de la dura realidad de que habra un cambio de planes ya que  se ha decidido que sea la esposa del –Rey y no del Infante, un verdadero rayo destructor que en  definitiva arruinara la vida afectiva de los tres: el Rey, la Reina y el Infante, cada uno de ellos amando a alguien que no los ama o que tiene impedido amarles.

Como soy un perpetuo contra y suelo colocarme automáticamente del lado contrario a la opinión critica mas establecida, dire que yo prefiero la versión en cinco actos pero en italiano y no en frances.

No es por  afinidad con la lengua ya que mi frances es tan bueno o tan malo como mi italiano y no tengo dificultades en entender lo que se dice en ninguno de los dos idiomas. Si tengo dificultades en percibir que palabras se estan diciendo porque muchos de nuestros cantantes no tienen una preparación para cantar en frances tan buena como para cantar en itlaliano . Y es sintomatico que de los interpretes principales solo a uno se le entendieran con facilidad todos los parlamentos, y ese fuera el tenor, el unico frances genuino del elenco.

Mis razones son otras :

1-la musica de Verdi es definidamente italiana. Nada tiene de francesa. Y esta escrita teniendo en cuenta el estilo de canto, mas abierto, de los cantantes italianos y no la refinada emision de los cantantes franceses.Al unir esa musica tan italiana con un texto frances algo suena a artificioso en el matrimonio.

2-es un atrevimiento de mi parte, porque no existe ninguna evidencia de tal cosa, pero yo sospecho que Verdi pensaba su musica en italiano y luego la ajustaba a las palabras francesas. Es asi que de las dos versiones la que permanentemente suena como una traducción es curiosamente la versión original.Por dar un ejemplo el bajo canta en un determinado momento en la “ traducción “ italiana  SI MALEDETTO, O RIMORSO FATAL, OPERA DI UN DEMON, DI UN DEMON INFERNAL y las palabras se pliegan espontáneamente a la musica. Ya en la versión francesa hay que forzar un poco el texto para que ocupe tantas silabas como la musica pide y se llega a la bastante rebuscada forma de decir : MAUDIT, SOIT MAUDIT. Y esto ocurre a lo largo de toda la obra donde el texto frances suena siempre menos espontaneo.

3-el publico argentino por lo menos esta menos familiarizado con el frances  y a pesar de los subtitulos tiende a aburrirse con la incomunicación, lo cual se traduce en la deserción de parte del publico durante los intervalos de  la representacion, lo cual es una lastima trandose de una obra de tal calidad con una interpretación absolutamente respetable.

PS. Aprovecho la oporutnidad por felicitar al Teatro por la adquisición que ha hecho en esta obra  de contratar a BORIS  como asistente de regista, una funcion en la que le seguramente fue util a la puesta, prticularmente por su experiencia como regista en el movimiento d e masas, y que ademas le abre a este esforzado artista las puertas de los teatros oficiales en los cuales espero pueda realizar una carrera a la altura de sus antecedentes.

DON CARLOS, TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA

DON CARLOS- DIRECCION MUSICAL DE ALEJO PEREZ- DIRECCION ESCENICA DE FRANCESCO ESPOSITO

No es ningun secreto para quienes me conocen personalmente que DON CARLO junto con DON GIOVANNI DE MOZART  son mis dos operas favoritas. Y son las que mas he tratado de ver cuando viajaba al exterior. Amen de las que tengo mas versiones grabadas en casa ( de Don Carlo debo tener alrededor de 30 ). Si tomamos un unico ejemplo, por no aburrir, he visto en  Ebboli a  VERRETT,COSSOTTO,URMANA ( debut en Viena ) BUMBRY, TROYANOS,BERINI  amen de alguna otra que pueda olvidarme aquí y de algunas cantantes locales que se han destacado en el papel.

Digo esto no para hacer alarde de lo que vi, porque seria como hacer alarde de ser viejo que es en definitiva lo que me ha permitido ver todas esas grandes intepretaciones, sino para explicar para espectadores que toman ahora contacto con la obra , el por que tengo en  algunos puntos un cierto  nivel de exigencia. Es que las comparaciones , por mas que uno trate de evitarlas, son inevitables y a menudo odiosas.

Comienzo por hacer un voto de aplauso para el Teatro Argentino por la decisión de montar esta obra dificilisima entre las obras maestras de Verdi, por las exigencias colectivas ( el coro y la  orquesta tienen partes muy demandantes ) e individuales ( varios de los papeles solistas figuran entre los mas dificultosos y destacados para sus  respectivas cuerdas ), y de hacerlo en esta vesion completisima que abrio casi todos los cortes que se hacen en beneficio de la brevedad, algunos inclusive hechos por el propio Verdi para hacer mas potable su gran obra. Ejecutada en su integridad DON CARLO exhibe toda su grandiosa fuerza dramatica, que esta com puesta por el talento musical de Verdi en el apogeo de su madruez, y por un riquisimo texto que tiene como punto de partida nada menos que a Schiller, que ha sido objeto de una inteligentisima reduccion para permitir el desarrollo musical

Es un drama tenso, de amores desencontrados, de almas sufrientes que sacrifican su felicidad personal y hasta su vida a sus ideas, en un contexto oscuro dominado por la sombra ominosa de la Santa Inquisición  y el absolutismo. Es ademas un drama complejo donde puede decirse que no hay villanos, donde cada uno tiene razones para actuar de la forma en que actúa y que si hace mal a otros,, comienza por hacerselos a si mismo tras la búsqueda de un ideal. Y Verdi ha sabido encontrar para cada personaje, para cada escena el tono musical mas elocuente que uno pueda imaginar, con una partitura rebosante de riqueza melodica y de momentos de gran   impacto dramatico y auditivo.

La versión que ofrecio el Teatro Argentino tuvo dos puntales : En primer lugar  el desempeño brillante de la Orquesta , magníficamente conducida por ALEJO PEREZ  que se ratifica como uno de los conductores mejor dotados del medio y que esta logrando elevar el cuerpo estable al nivel de las mejores orquestas del continente, en un trabajo que, salvando las distancias, remeda al desarrollado por JAMES LEVINE  con la orquesta del Met. Y luego el coro , de un magnifico rendimiento  bajo la estupenda direccion de de MIGUEL FABIAN MARTINEZ  al cual le corresponderian conceptos no menos elogiosos que al maestro Alejo Perez.

Una ejecucion sin fisuras, con una intensidad dramatica por momentos angustiante. Un trabajo notable.

Para que  DON CARLO  funcione son necesarios ambos elementos, pero no bastan. Los personajes son de una complejidad tal y de un grado de exigencia musical tal que requieren intepretes geniales. No basta que sean correctos. Y no se encuentran a la vuelta de la esquina.

En este rubro el TA cumplio en parte con un par de notables creaciones, acompañadas de otras menos logradas pero que nunca bajaron de un  nivel satisfactorio.

Prioridad absoluta en el elogio para CARLA FILIPSIC HOLM. Levemente incomoda en la primera escena donde la levedad vocal y fisica del personaje en su alegre juventud le ocasionaron algun esfuerzo, a partir de la escena siguiente tuvo un desempeño memorable en todo sentido. Dotada de una voz potente y de timbre bellisimo, sobresalio en todos los concertantes y se dio el lujo de explayarse en tenues pianisimos en las arias. Asi su versión de NON PIANGERE MIA COMPAGNA  fue sencillamente involvidable, pero fue superada aun por su TU CHE LE VANITA  y el duo final donde alcanzo un nivel de perfeccion absoluta. Gran interpretación para recordar durante mucho tiempo. (ACLARO QUE CITO LOS NOMBRES DE LAS ARIAS EN ITALIANO PORQUE ES COMO LAS TENGO MEMORIZADAS, PERO QUE LA FUNCION FUE CANTADA EN FRANCES )  A su lado el tenor frances LUCA LOMBARDO tuvo un desempeño magistral. Dotado de una voz mas lirica de lo que pide la parte y de un timbre que en algunos momentos puede no ser del agrado de todos, canto con absoluta entrega emotiva y emocional, sin reservarse nada , jugandose  en todo momento. Pese a que su voz no tiene el volumen de Filipsic, se hizo oir perfetamente en todos los duos y concertantes y coloco algunos pinanisimos de gran belleza sobre todo en el primer acto cuando aun tenia la voz totalmente fresca. Es una parte agotadora, la mas demandante de la Opera y fue la suya una actuación  de grandes quilates, que en mucho contribuyo al éxito de la reprsentacion. RUBEN AMORETTI  fue un Felipe II de gran fuerza vocal, con un bellisimo timbre de bajo, cantado ademas con gran entrega emotiva. Como actor fue apenas correcto no consiguiendo proyectar ni el caracter dominante de su Monarca ni la angustia que lo domina durante toda la obra. KUM GALABOV , muy desenvuelto como actor, tiene una bella voz baritonal que causa frisson cuando canta en la zona aguda y en el forte, y pierde algo de sonoridad en el centro, tendiendo a ser cubierto por la orquesta. Fue un mas que muy buen Rodrigo. No me convencio  JOSE ANTONIO GARCIA  como Inquisidor. Demasiado joven, no pudo crear la imagen de senectud del personaje, y ademas carecio de la voz dominante que tiene que tener este personaje, no pasando de una correcta arproximacion. .ELENA SOMMER  es una cantante musical con una bonita voz central pero carece del registro grave necesario para impactar en el OH DON FATALE  y sus agudos fueron meramente correctos debiendo acortar el agudo final del aria. MARIO DE SALVO lucio una voz mucho mas importante como el monje aunque no siempre me aprecio comodo en la tesitura. Hermosa la voz del cielo de VICTORIA GAETA, realmente celestial. SERGIO SPINA  causo asombro con sus bien colocados agudos como el heraldo, un papel en el que suelen oirse voces bien menos eficientes. FABIOLA MASSINO  fue un desenvuelto paje con buena voz aguda, un puntal en los concertantes.

La regie alterno aciertos con errores. Me gusta la idea de un escenario unico , sombrio ademas, para una obra que tiene que proyectar un clima de agobio. El bosque del primer acto debio ser diferente sin embargo, un homenaje al unico dia de felicidad de la frustrada pareja. Los movimientos de los solistas y sus atuaciones estuvieron bien diagramados, correspondiendo preguntase si la falta de profundizacion en los mismos ( el Rey sobretodo ) se debio a trabajo insuficiente en su preparación o a limitaicoens naturales de los interpretes.

Decididamente no me gusta oa idea del teatro dentro del teatro. Para que ¿?

Y ademas esta idea fue la que llevo a que el coro no estuviera en escena en dos momentos clave, destruyendo en parte los respectivas momentos : cuando Elisabetta duda un instante en aceptar o no ser Reina de –Francia y las mujeresjres y madres españolas le suplican que acepte para terminar con una guerra atroz, y en la rebelion contra el Rey que es sofocada por la aparicion del Inquisidor que manda a todo el mundo ( a quienes ¿? ) postrarse ante el Rey.

Pero ninguna de estas dos limitaciones se equipara a la terrible gaffe  en al escena del aria de Felipe. Seguramente convencido de que la larga y bellisima introducción al cuadro y al aria, es aburrida , decidio colocar algo en escena para amenizar el vacio. Y no tuvo mejor idea que colocar a Ebboli saliendo de la cama donde ha pasado la noche con el Rey y a la Reina osbsrvando con espanto como se retira. Todo esto volviendo un sin sentido total la escena que precede al OH DON FATALE  donde  Ebboli se confiesa a la reina que escucha horrorizada la historia de su relacion con el  Rey, como si no lo hubiera visto 20 minutos antes con sus propios ojos. Hay que leer mas el libretto señores directores. ¡!

EN SUMA UN ESPECTACULO IRREGULAR QUE EN SUS PEORES MOMENTOS ES UNA BUENA APROXIMACION A UN TEXTO VALIOSISIMO Y EN SUS MEJORES MOMENTOS TEATRO LIRICO DEL PRIMER NIVEL .

LA DECEPCIONANTE TEMPORADA 2012 DEL COLON

 El Teatro Colon anuncio su temporada 2012. Evidentemente cada uno habla de lo que ocurre según sus criterios y sus gustos personales. Y la opinión de otros solo puede servirnos si tenemos gustos o inclinaciones mas o menos similares. Con todo me animaria a apostar que mis preferencias tienden a coincidir mas con la de la mayoria del publico que participa de los abonos del Teatro Colon, que las de los criticos que han cantado loas a esta programación.

Para mi es un DESASTRE y hasta cierto punto de vista una ESTAFA. Amparados en la obligatoriedad de la compra del abono para no perder la ubicación para temporadas futuras, en las que no perdemos las esperanzas de que el Teatro vuelva a ocupar el lugar rector que antes enia en el mundo lirico nacional y hasta sudamericano, las autoridades nos descerrajan una programación elitista que solo inclye 2 titulos del repertorio tradicional que es el que todos quisieramos ver cantado y representado con el nivel de calidad a que nos tenia acostumbrados el Teatro. Para poder ver esos titulos se nos obliga a adquirir localidades para un oratorio, dos operas modernas , 2 operas de valor arqueologico para colmo una de ellas ni siquiera escenificada. Y se anuncia una serie de nombres bien poco conocidos con el agravante que de las 5 primeras figuras que se anuncian 3 no participaran de espectáculos incluidos en el abono y una de ellas es traida para hacer un titulo menor y con una orquesta y un coro  que no son los del teatro, que mucho podrian haberse beneficiado con su presencia en el podio.

Y el broche de oro es la absurda decisión de abrir mano de representar la Tetralogia de Wagner en su versión integral en un teatro que tiene una valiosa tradición al respecto, y ofrecer en su lugar una especie de tea party para socialites, donde la compleja obra wagneriana se resumen a  6  horas y 20 con intervalos monstruosos de   2 horas totalizando 8,20 horas de permanencia continua en el Teatro, que por suerte sera optativo .YO PERSONALEMNTE PASO Y PREFIERO ADQUIRIR ENTRADAS PARA VER 2 O 3 VECES LA TEATROLOGIA COMPLETA  QUE SERA MONTADA EN LA PLATA que al fin de cuentas esta exhibiendo una programación de mayor calidad que este que fue nuestro primer coliseo.

QUE NOS OFRECEN:
1-el oratorio “ LA PASION SEGÚN SAN MARCOS “  de  OSVALDO GOLIJOV-

2- lo que seguramente sera la atracción mayor de la temporada LA FORZA DEL DESTINO  que incluira la presencia de nada menos que       DIMITRA THEODOSSIU revezandose con  ANGELA MARAMBIO la altisonante soprano de SIMON BOCCANEGRA  de este año, y que incluye a la gran mezzo AGNES ZWIERKO  (brillante Zia Principesca este año en SUOR ANGELICA )  que se revesara con MARIA LUJAN MIRABELLI, que desde su Ebboli de hace unos años no tenia un papel de esta importancia.El magnifico barítono FABIAN VELOZ en el segundo elenco y aparentemente en todos los elencos porque no se menciona reemplazante , el gran bajo italiano ROBERETO SCANDIUZZI. Habra dos Melitones de lujo en la persona del veterano LUIS GAETA que demostro gran capacidad para este tipo de papeles en su excelente Bartolo en el Teatro Solis, y LUCIANO MIOTTO  un verdadero especialista en este tipo de papeles, que ya dio una versión inolvidable del Melitone en la versión de Casa de la Opera en el Avenida.

Las funciones seran el 22,24,26, y 28 de abril y las extraordinarias el 2 y 4 de mayo. DIRIGEN  RENATO PALUMBO Y HUGO DE ANA.

3- OEDIPE de ENESCU, opera estrenada en 1936 que ira  en los primeros dias de junio, NO TENDRA EXTRAORDINARIAS LO CUAL REVELA QUE EL TEATRO SABE PERFECTAMENTE LO DIFICIL QUE SERA CONSEGUIR PUBLICO PARA VERLA.

4-RINALDO  de HAENDEL  en VERSION DE CONCIERTO  a mediados de junio y SIN EXTRAORDINARIAS, CLARO.

5-ERWARTUNG   de SHCONBERG y HAGITH  de SZYMANOWSKI , dos operas cortas, la primera de ellas excepcional que tuvo una excelente versión en el MET hace unos cuantos años con la gran JESSIE NORMAN dirigida por LEVINE, pero en aquella oportunidad traducida al ingles para hacerla potable al publico de EEUU.Aqui sera protagonizada por la gran soprano EVELIN HERLITZIUS-Las funciones seran los dias 22,24,26 y 28 de julio SIN EXTRAORDINARIAS

6- I DUE FIGARO  dirigida pro RICARDO MUJTI  y EMILIO SAGI  con una orquesta juvenil y un desconocido CORO DE VIENA  que no es el de la STAATSOPER supongo. Elenco juvenil tambien. TENDRA EL INDUDABLE INTERES DE VER A MUTI SI BIEN EN UNA OBRA DECIDIDAMENTE MENOR  DE UN AUTOR MENOR, que tendra no obstante el interes de ver una especie de culminacion de la Trilogía Figaro después de las afamadas operas de Rossini y Mozart ( ambas hubieran sido geniales en manos de Muti, con el elenco adecuado , pero para que

soñar con manjares si nos han peusto a dieta  )Funciones 28 y 30 de agosto, 1 y 2 de setiembre SIN EXTRAORDIANRIAS

7-LA CENERENTOLA  dirigida por BRUNO CAMPANELLA Y SERGIO RENAN- El segundo titulo atractivo de la temporada por un elenco de figuras internacionales poco conocidas y la presencia de valores locales como LUCIANO MIOTTO  ( que espero sea Don Magnifico ) y FERNANDO RADO  a quien inexplicablemente no le dieron  siquiera una funcion de la FORZA..Funciones los dias 25,28 y 30 de setiembre y 3 de octubre, con una extraordinaria el 5 , DEMOSTRANDO QUE EL TEATRO Y SUS AUTORIDADES SABEN MUY BIEN LO QUE EL PUBLICO QUISIERA VER.

Por ultimo la TETRALOGIA PODADA ira los dias 27,30 de noviembre y 2 y 4 de Diciembre , pero sera optativo comprar ingresos o no. Pero presumo seran caras ya que incluyen 2 meriendas y un buffet froid, que supongo que seran una atracción irresistible para todos aquellos que gustan mas de ir al Colon que de oir opera, como en las antiguas veladas del Gran Abono, que eran un must para los miembros de la elite

MIENTRAS, EL COLON CONTINUA EN DEUDA CON

SUS ABONADOS QUE GUSTAN REALEMNTE DE LA OPERA Y SOBRETODO CON LOS CANTANTES LOCALES QUE SIGUEN IMPEDIDOS PRACTICAMENTE DE PARTICIPAR DE LAS TEMPORADAS ANTE LAS CARACTGERITICAS DE LOS TITULOS QUE SE PRESENTAN Y QUE HACEN AÑORAR LOS FELICES TIEMPOS PASADOS EN QUE LOS ARGENTINOS PODIAN CANTAR EN EL COLON EN LAS FUNCIONES EXTRAORDINARIAS AL PAR QUE ADQUIRIR EXPERIENCIA VIENDO ENSAYAR A SUS COLEGAS MAS EXPERIENTES DE LOS ELENCOS INTERNACIONALES.

 RECUPERAREMOS ALGUN DIA ESTE TEATRO ¿??.POR AHORA NOS QUEDAN LOS CONSUELOS DEL TEATRO AVENIDA Y LOS VIAJES A LA PLATA.

PEOR ES NADA.

MACBETH POR BUENOS AIRES LIRICA-TEATRO AVENIDA

MACBETH – DIR MUSICAL JAVIER LOGIOIA ORBE-DIR ESC.FABIAN VON MATT- BUANOS AIRES LIRICA EN EL TEATRO AVENIDA.

Nunca consigo salir de mi asombro de que Verdi haya conseguido escribir una obra maestra , de rara madurez, en el periodo juvenil de su carrera, cuando todavía no habia  siquiera escrito su famosa Trilogía popular (TRAVIATA,RIGOLETTO TROVATORE), ni que decir las obras maestras de su periodo de madurez final.- Es verdad que el maestro introdujo importantes revisiones a su concepción original para su estreno en Paris 20 años después, cuando ya estaba en plena madurez creativa  ( los mas notorios  la inclusión de LA LUCE LANGUE en sustitución del aria original de la soprano en el segundo acto,  el breve duo soprano-baritono al final del acto 3 que sustituye a un aria para barítono oriigjnalmente incluida en este punto, y el nuevo final de la Opera , eliminando el aria MAL PER ME, que sin embargo es con frecuencia incluida tambien en las representaciones actuales, tal como lo hace esta versión ). Pero salvo en muy contados momentos no se percibe un contraste entre el material nuevo y el material original, un problema que afecta notoriamente otra revision madura de una obra anterior, como es el caso de SIMON BOCCANEGRA.

Lo cierto es que el MACBETH  de Verdi, sea cual sea la causa es una verdadera obra maestra digna de figurar entre las grandes obras del autor.

Es ademas un texto particularmente exigente no solo por las demandas dramaticas al elenco, que después de todo debe representar a Shakesperare, sino por las exigencias vocales, principalmente  las requeridas a la soprano que tiene a su cargo un papel agotador y por las demandas a los coros y la orquesta.En suma una empresa particularmente dificultosa.

La vesion de BAL tuvo sus limitaciones, es justo reconocerlo desde el vamos, pero fue en todo momento una representación de nivel serio, profesional, de un texto demandante, con altibajos interpretativos.

Comenzando por la regie, que tuvo el gran merito inicial de mantener la obra tal como fue concebida en lugar de ofrecernos uno de las ahora usuales recreaciones disparatadas que contradicen lo que se esta escuchando. Y tuvo algunas aciertos de concepcion , como por ejemplo la escena de las apariciones donde sustityo los espiritus de los futuros reyes por las imágenes de sus madres coronadas visiblemente en periodo de embarazo primero y portando los bebes después,o la idea de mostrar la batalla final detras de un cortinado intermitentemente vuelto transparente  por flashes de luz. Pero en otros momentos padecio de algunos desaciertos entre los que cito la exagerada utilización del recurso  antes mencionado de presentar escenas por detrás de un cortinado trasparente, que a mi juicio destruyo el impacto drmatico por ejemplo del bellisimo coro PATRIA OPRESA, que rivaliza en belleza y dramatismo con el mas celebre VA PENSIERO  de NABUCCO, o incluyó algunas ideas que no funcionan como  la escena inicial con tres brujas mudas en escena mientras el coro femenino canta entre bastidores, lo cual resto impacto a la escena y

ademas provoco desajustes sonoros ( se oyeron poco las voces y no siempre al unisono  con la orquesta )presentar al asesino de Banquo en el banquete todavía con el rostro sucio de sangre, en una lectura literalista de lo que Macbeth le dice  ( TU TIENES EL ROSTRO SUCIO DE SANGRE ) que es obviamente figurado ya que su presencia en ese estado en la recepcion provocaria un desbande generalizado de los invitados, y no note un trabajo particularmente intenso con los interpretes solistas, que mas bien parecieron actuar según sus virtudes y limitaciones, por lo que hubo desnivles notorios.

En general fue buena la labor del LOGIOA al frente del podio, conservando la unidad del texto. Pero hubo momentos en que la orquesta y el coro escaparon a su control , el mas notorio la fanfarria del ultimo acto que estuvo cerca de sonar atonal.

El coro alternó muy buenos momentos con otros menos logrados. Y la orquesta en general tuvo una buena noche, sin lograr sin embargo momentos demasiado expresivos a la altura del texto que se estaba representando.

LADY MACBETH es el papel mas exigente de la obra en lo vocal y del repertorio en general , y es usualemtne la piedra del escandalo por la dificultad de encontrar una soprano que pueda hacerle frente sin incurrir en limitaciones y/o sonidos poco agradables al oido. Aquí  MONICA FERRACANI lucio totalmente en dominio de la partitura con sus extremos agudos y graves, y con los requisitos en materia de agilidad , lo que no es poco. Es verdad que hubo algunos sonidos tirantes, pero no mas de lo que se oye con interpretes mas cotizadas del papel  ( conozco una solitaria excepcion que es  nada menos que SHIRLEY VERRETT a quien tuve el privilegio de ver en NY sustituyendo sin previo aviso a una renuncianate EVA MARTON que luego de un tragico incidente en la noche del estreno donde alguien cayo o se arrojo desde lo alto del Met a la platea, decidio que era verdad que la opera etaba maldita y decidió nunca mas cantarla en su vida) y seguramente la soprano tendria un mercado cautivo para este papel si viviera en Europa y pudiera pasearse por los Teatros de las ciudades menores del continente, que no pueden contratar al contado numero de primeras figuras que cantan la parte. Ferracani, que es básicamente una soprano lirica excepcionalmente dotada en terminos de volumen y extensión parece en sus ultimas apariciones publicas haber revisado su tecnica de emision reduciendo drásticamente su tendencia a producir el llamado vibratto de glotis vulgarmente denominado caprino que ahora aparece solo ocasionalemtne en ciertas notas del registro central, y ha ratificado su facilidad para los agudos  ( aunque algunos suenen marcadamente acidos o metalicos )y la mezza voce produciendo un impactante agudo final en la escena de la locura y logro una razonable sonoridad en los exigidos graves que estan fuera del alcance normal de su registro. Fue la mejor actuación  del elenco solista y reitero estaria muy en demanda de los teatros no centrales de Europa si alli viviera. Actoralmente estuvo sobria y solida, si bien epidermica, una limitacion que en general fue extensiva a todo el elenco, lo cual quizas habla de  un insuficiente desempeño de la regie. 

LUIS GAETA  en el otro papel central de la obra, no estaba visiblemente en una buena noche vocal. Todos sus intentos de producir pianisimos , que son uno de los fuertes de su armadura vocal fueron rapidamente abandonados ante la constatacion del peligro de que se quebrara la voz, y tuvo dificulutades cada vez que tuvo que cantar del centro hacia abajo.Padecio ademas de algunos desajustes en la afinación en los duos y concertantes. Por el contrario su registro agudo sono impactante tanto en su precision como en el volumen. El timbre de Gaeta esta sufriendo un raro cambio pues con los años parece estarse aclarando por momentos sonando atenorado, en lugar de volverse mas grave como es lo usual en barítonos que avanzan en la madurez de sus carreras. Como actor estuvo correcto, pero muy lejos de las demandas tragicas que la parte implica.

Notable el Banquo  de CHRISTIAN PEREGRINO, un lujo al oido por la precision de las notas, la belleza del timbre, la importancia del volumen, el uso inteligente de la mezza voce , a los cuales se sumo una actuación ejemplar. Fue el unico del elenco que logro trasmitir totalmente su personaje, particularmente en las contraescenas y en sus difíciles aparciones mudas como fantasma. ARNALDO QUIROGA  parece tener todos los requisitos vocales como para ser un impactante tenor lirico con un bello registro central, facil mezza voce y agudos seguros e incisivos. Pero su actuación vocal y escenica se resintio de un estilo melodramatico mas propio de una opera verista, llegando a sustituir en un par de ocasiones las notas escritas pro exclamaciones recitadas, en un efecto de notorio  mal gusto ( un amigo caustico comento en el intervalo que dado el estilo con que canto no hubiera sido de extrañarse que al final del primer acto anunciara la muerte del rey diciendo HANNO AMMAZZATO COMPARE DUNCANO )

NAZARETH AUFE  logro una impactante intervención muda en el final del primer acdto con una gran interpretación dramatica, que ratifico en escenas posteriores exhibiendo ademas una bellisima y segura voz de tenore leggero.

WLATER SCHWARZ y SABRINA CIRERA  demostraron con voces seguras y buena disposición dramatica que no hay papeles pequeños .

Y no resisto la tentacion de gastarle una broma a mi amigo el excelente barítono lirico  RICARDO CRAMPTON diciendole ( tongue in cheek como dicen los ingleses ) que al fin BAL le encontró una parte acorde con sus dotes actoreales y con su estampa. ( no se admiten replicas , jajaja), en lo que dejando la broma de lado fue un autentico lujo de casting incluirlo como una de las apariciones que en esta versión no llegan realmente a aparecer.

PRIMERA IMRPESION @@@

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MA NON-SEGUNDO ELENCO Y RECTIFICACION

Uno no deberia formarse una opinión sobre una obra la primera vez que la ve, sin  haber visto mas de una versión. Correse el riesgo de atribuirle a la obra limitaciones que son de la versión o viceversa. Es lo que me ocurrio a mi la noche del Martes con el BALLET MANON que veia por primera vez en mi vida en el TEATRO COLON.

Volvi a verlo el Miércoles a la noche con un elenco de solistas principales totalmente diferentes. Y sali con una opinión bien distinta. Claro que existe la posibilidad de que con la frecuentacion estuviera en mejores condiciones de apreciarlo, o simplemente que yo estuviera en una mejor noche para ver ballet. Pero algo me dice que no es asi, que el espectaculo que vi el Miércoles funciono mucho mejor que el que vi el martes, y los aplausos del publico que fueron insistentes durante toda la obra y no solo en las escenas finales como en el dia anterior, me sugieren que asi debe de haber sido.

Sea como sea, lo cierto es que debo desdecirme en gran medida sobre los valores teatrales de la coreografia de Mac Millan ( quien sere yo para criticarlo ¡!!) que sigue pareciendome tiene muchos momentos meramente ornamentales  algunos de ellos indudablemente necesarios porque no se puede pedir a los bailarines solistas que bailen todo el tiempo en una  obra que supera ampliamente las 2,30 horas de duracion ) y que inclusive algunos pasos dentro de los numeros principales a cargo de los solistas parecen estar dictados por necesidades mas esteticas que dramaticas, pero con el mismo criterio yo como amante de la Opera debiera crticar muchos momentos en que los compositores se abandonan a su creatividad melodica y repiten frases o estrofas enteras para mejor desarrollar la partitura, y son esos algunos de los momentos que mas festejo como espectador

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Hay en la obra una sucesion de números que son verdaderas joyas de la expresión teatral bailada : el enamoramiento en el pas de deux del primer acto,  la desbordante alegria y pasion del pas de deux de la escena del  cuarto, el pas de trois que le sigue donde se hace evidente el tratamiento de Manon como una mercancía por Lescaut y MG, el final del cuadro con Lescaut obligandolo a Des Grieux a aceptar el dinero recibido por la “  venta “ de Manon, suprema humillación. El magnifico solo de Manon ante la mirada de animal herido de su ex amante, el pas de deux donde este implorante trata de recobrarla,  la brutal escena final del cuadro siguiente con el asesinato de Lescaut, la fuerte escena de la oficina del carcelero donde  se insinua de manera harto evidente que este obliga a Manon  arrodillada frente a el a satisfacerlo sexualmente, con un bajar y alzar del pantalón meramente simbolico pero muy evidente, y la fabulosa escena final , que es de antologia con el desesperado intento de Des Grieux por mantener viva a Manon mientras esta moribunda revive las imágenes del pasado. Son todos fragmentos que lo piden todo del interprete  pero tambien son terriblemente exigentes con el bailarin ya que Mac Millan cultiva una gestualidad muy difícil de ejecutar.

KARINA OLMEDO  igualmente efectiva que su anctecesora en lo tecnico, me parecio mucho mas comprometida con el drama en toda la obra, si bien en la escena final  no llego al mismo nivel de desfallecimiento que su predecesora que era directamente un ser que ha perdido el alma y la voluntad

Impactante la labor de FEDERICO FERNANDEZ  quizas en las primeras escenas menos seguro técnicamente que su predecesor, pero con un grado de entrega emotiva total, logro dar gran vuelo dramatico a cada una de las escenas. En el pas de deux final fue tal la entrega emocional de ambos protagonistas que demoraron hasta la cuarta salida a saludar en volver a ser ellos mismos y disipar la angustia que habian creado. Hermoso de ver. Y angustiante.

VAGRAM AMBARTSOUMIAN  que habia sido el carcelero la noche anterior, fue esta noche el Lescaut impecablemente bailado e interpretado especialmente en la difícil escena de la borrachera, quizas una autosatira del pas de deux convencional en la que tiene que bailar y hacer los pasos mas usuales con su compañera pero torpemente, perdiendo el equilibrio y hasta amagando dejarla caer. Debe ser muy difícil de hacer.

Fue sustituido como carcelero por IGOR VALLONE, que fue igualmente convincente.

En el  cuadro 1 del acto 1 hay una banda de mendigos con un jefe, que tiene a su cargo un par de danzas significativas. La noche anterior fue  EMILIANO FALCONE que capto bien la insolencia y la simpatia  del papel. En la noche siguiente EDGARDO TRABALON  ( el excelente Lescaut del martes )bailo muy bien   , pero parecio demasiado serio para la parte.

Muy buena direccion orquestal del joven director CARLOS BERTAZZA  dirigiendo la orquesta estable del Teatro en una gran interpretación. ( aqui si cabe la envidia de los asistentes al Sodre que por razones de fuerza mayor o simplemente de fuerza tenemos que conformarnos con cintas grabadas. )

NO PUEDO ESTAR EN TODOS LADOS

DEBIDO A MI AMBICIOSA AGENDA DE VIAJES NO ME FUE POSIBLE, (Y COMO LO LAMENTO) , VER LAS TRASMISIONES DE DON GIOVANNI Y SIEGFRIED DEL MET. POR LO QUE NO PUBLICARE OPINION EN ESTE MOMENTO.
DE CUALQUEIR MANERA ACA EN BA HAY UNA REPTECION QUE TIENE LUGAR UN PAR DE MESES DESPUES Y ESPERO VERLA. CASO CONTRARIO UN AMIGO QUE VIVE EN EEUU HA PROMETIDO ENVIARME LA GRFABACION.

ALLI SUBSANARE ESTA OMCISION, POR LA CUAL ME DISCULPO.

MANON ( BALLET ) EN EL TEATRO COLON

MANON -  COREOGRAFIA DE KENNETH MACMILLAN-MUSICA DE JULES MASSENET CON ARREGLOS DE LEIGHTON LUCAS E HILDA GAUNT

REPOSICION DE KARL BURNETT-DIR. MUSICAL CARLOS BERTAZZA

TEATRO COLON

Mi primera reaccion fue envidiar al Teatro Colon por tener una producción propia de este ballet, con una bonita escenografia basada en telones pintados de estilo clasico ( que envidia sentimos ademas los aficionados a la opera de los aficionados al ballet que no han sido condenados a soportar puestas inconoclastas y visualmente horrorosas  de los clasicos ) y un bonito vestuario. Pero en el intervalo lei en el programa que la producción es alquilada al Teatro Municipal de Santiago de Chile, por lo que mi envidia estaba mal dirigida. El Colon esta tambien pasando por la etapa de no tener puestas propias y alquilarlas de los teatros que si las tienen. Y si eso es explicable en un ballet o una opera como las del SODRE que estan resurigiendo literalmente  de las cenizas, en un teatro que  como el Colon era mundialmente famoso por sus talleres, es un verdadero escandalo.

Era mi primer experiencia con este ballet ( no soy un aficionado antiguo al genero y mas bien me hecho fan del ballet como consecuencia del renacimiento  espectacular de la actividad en el nuevo SODRE gracias a la presencia rectora de JULIO BOCCA ) y lo primero que me sorprendio es que siendo de Massenet la musica, nada tiene que ver con la magnifica opera que compuso sobre el tema. Por el contrario se emplean fragmentos musicales de otras operas del autor  ( Thais , por ejemplo ) y no pude distinguir ninguna cita a la partitura de la Opera.  Argumentalmente ademas esta algo mas cerca de la Manon Lescaut de Puccini, ya que incluye la escena final en el desierto ( aquí un pantano ) y no incluye la escena de S.Sulpice que es muy probablemente el momento mas admirable de la Opera.
Pero hay otros puntos argumentales en los que se separa nitidamente de las dos operas. Lescaut aquí es mas claramente venal y prácticamente vende a su sobrina,  Manon sigue mas claramente de manera voluntaria a MG atraida por los vestidos y las joyas, Des Grieux mata a un oficial para liberarla y a ello se debe la huida.

Yo no soy por ejemplo un gran entusiasta de la coreografia de M.Millan para ROMEO Y JULOIETA  . Prefiero nitidamente la de Cranko que me parece mas teatral, mas concentrada en su tema. MM es mas ornamental, agrega mas detalles y tiene mas escenas que cultivan el baile por el baile, lo cual quizas ssea mas del agrado de los verdaderos balletomanos, pero a mi que vengo del teatro , me distancia un poco.

Hubo momentos del primer y segundo acto donde francamente me aburri ante la sucesion de danzas EN ABSTRACTO CON ESCASO SENTIDO TEATRAL. Esto se vio agravado por la actuación dell cuerpo de baile del Colon que me parecio técnicamente bien lograda pero con un no se que de burocratica, de escaso compromiso emocional.. Inclusive los solsitas, con excepcion del magnifico EDGARDO TRABALON ( Lescaut ) me parecieron poco compenetrados con sus personajes.

Pero a partir de la escena final del segundo acto ( MG irrumpe en el cuarto donde Des Griex y Manon viven su romance, con soldados y un Lescaut encadenado y vandalizado que después es asesinado a la vista de ambos ) el espectaculo levanto vuelo y comenzo a adquirir estatura y concentración dramatica., que fue en crescendo en las tres escenas del ultimo acto. La escena en el puerto con las deportadas, Des Grieux desesperado ante la inminente partida de Manon, el oficial que se siente atraido por ella y la hace llevar a su despacho, la escena del despacho con el intento de seduccion y la irrupción de DG , la muerte y la fuga,son  ya momentos de gran intensidad, pero nada es comparable a la vibrante escena final. Manon desfalleciente revive entre sueños el pasado reciente. Des Grieux intenta devolverla a la vida .Es un pas de deux ( con “coro”

atrás ) de gran fuerza dramatica. Con una Manon que tiene que bailar completamente entregada a los movimientos de Des Grieux, como si careciera ya de vida propio, como si fuera un muñeco de trapo en sus brazos, casi inerte y con la terrible mascara de la muerte pintada en el rostro. Sencillamente alucinante. Aquí los dos solsitas JUAN PABLO LEDO y NATALIA PELAYO  se superaron a si mismos y alcanzaron , muy especialemtne ella, un nivel de total entrega y compenetracion con el drama, un verdadro momento de magia teatral. No debo de ser el unico que lo sintio asi., porque el publico del Colon bastante parco hasta alli en materia de aplausos  ( solo se aplaudió mucho la escena de la borrachera de Lescaut, magnifica ) estallo en sonoros bravos.

Espero que algun dia la haga el BNS y en mi mente ya estuve distribuyendo los papeles. No se lo cuenten a Bocca. Ja. ¡!   

NORMA EN BAHIA BLANCA

NORMA DE BELLINI ( VERSION DE CONCIERTO ) DIR. CESAR TELLO -ORQUESTA SINFONICA PROVINCIAL DE BAHIA BLANCA- CORO ESTABLE – TEATRO MUNICIPAL DE BAHIA BLANCA

Hay una enorme ventaja en ser un espectador anonimo y no un critico musical o un musicologo prestigioso y es que uno puede decir directamente lo que piensa o siente sin autocensurarse , porque no se tiene un prestigio personal a defender, y se puede por ende confesar que se ama un texto o un autor frente a los cuales es ahora de buen tono fruncir el ceño y considerarlo un compositor menor , frente a autores mas recientes que han perfeccionado formas mas complejas del arte musical pero no se han acercado ni de lejos a la belleza clasica de este melodista sin par que fue Bellini. Y puedo aun mas confesarme sin rubor un irredento admirador de dos obras consideradas muy menores de su produccion como lo son I CAPULETTI E I MONTECCHI y LA SONAMBULA, cosa que seguramente me enviara al purgatorio donde van los amantes de la opera incultivados musicalmente. Puedo ademas indignarme con el destino que nos privo del genio de Bellini en plena juventud, mas aun de la manera estupida en que vino a fallecer, y en momentos en que como testimonia su opera I PURITANI estaba en pleno proceso de evolucion hacia formas mas complejas de creacion ( algo que ocurrio en gran medida tambien, sin que pretenda establecer parangones entre ellos, con Puccini que ni siquiera consiguio terminar TURANDOT en la que se hacia evidente su evolucion hacia otras formas de su arte, que incluian por ejemplo un uso intensivo de las masas corales ) y me frustro pensando que hubiera podido hacer Bellini ( o tambien Puccini ) si se le hubiera dado la oportunidad de permanecer entre los vivos hasta la plena madurez como por ejemplo le ocurrio a Verdi. Y pienso ademas que conceptos hubieramos tenido de Verdi y su obra si hubiera fallecido a la edad de Bellini o la de Puccini, sin haber compuesto sus obras maestras de la madurez.

Ahora bien, por mucho que uno guste de otras operas de Bellini, es innegable que hay una que es su obra maestra, la mas perfecta encarnacion de su arte y esa es sin lugar a dudas NORMA con su clasica, serena belleza , que logra con una economia total de recursos y con una engañosa simpleza formal trasmitir toda una gama de sentimientos que llega inclusive a la extrema violencia.

No es una Opera facil de montar. En primer lugar por las arduas exigencias vocales y dramaticas a su protagonista,uno de los mas arduos y peligrosos del repertorio, que tiene que ser una verdadera soprano dramatica de agilidad, esa rara avis que pocas veces ha existido en la tierra. No es sorprendente que la Opera en tiempos recientes se haya popularizado gracias a la magia de Callas, que tenia todo lo que hay que tener para ser Norma y un poco mas. Una interpretacion vocalmente asombrosa, dramaticamente arrebatadora, uno de los grandes monumentos de la musica grabada y sin duda uno de los papeles en los cuales la gran soprano ( tambien fallecida prematuramente, y para colmo despues de muchos años de retiro forzado ) descollaba y era insustitiuible. Por muchos años crei que no habia otra soprano capaz de cantar Norma sin pasar un papelon . Y sin embargo despues fui oyendo a sopranos como Gencer, Verrett ( que canto tanto Norma como Adalgisa ) Theodossiou Negri Scotto ( que la encarno muy en final de carrera y tuvo que dejarla rapidamente cuando su deterioro vocal le impidio seguir cantandola ) y Caballe ( con reservas en el plano interpretativo ) amen de un par de sopranos de colorattura que valiendose de una impecable tecnica vocal lograban sortear con maestria los obstaculos sin llegar a ofrecer una version totalmente satisfactoria en lo dramatico por la falta de peso de sus voces ( Sills,Sutherland )

Pero segui pensando que no habia en America Latina soprano capaz de encarar a este terrible personaje. Hasta que llego HAYDEE DABUSTI, vuelta del limbo donde estuvo un par de decadas por razones estrictamente personales. Ni su voz ni su capacidad de interprete estaban en aquel entonces a la altura de lo que hoy puede hacer con el personaje, pero ya era lo que yo llame una honesta aproximacion a un papel imposible de cantar. En el interin Dabusti, que es una empecinada trabajadora, ha conseguido perfeccionar su tecnica, , su voz se ha hecho mas corporea, ha adquirido otra sonoridad para los graves, y ha pasado a poder cantar pianisimo un arma que no formaba parte de su bagage tecnico cuando re-debuto en el Avenida con esta opera. Su version de hoy deja a aquella a la altura de un buen borrador y marca un hito regional, porque no conozco otra soprano del medio que pueda encarar de esta forma este dificil papel y terminar la funcion  ( alguien se fijo cuantos minutos canta Norma y lo comparo con los que cantan otros personajes considerados dificiles como Turandot ?) con la voz absolutamente entera y sin cansancio aparente. La interprete tambien ha madurado y se nota otro grado de entrega emotiva. Aquí especialmente en el segundo acto a partir del DORMONO ENTRAMBI su actuacion alcanzo momentos de gran intensidad, frente a los cuales palidece un poco su interpretacion dramatica del primer acto en el que parecio mas preocupada con la partitura y con administrar sus recursos para no agotarlos antes de tiempo. En suma una gran interpretacion que todos debieramos ver y que espero sea presentada a la brevedad en Buenos Aires y -por que no ? - en Montevideo.-

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Peo si bien una buena version de Norma es imposible sin una muy buena Norma, no acban alli las dificutades del casting ( comno se dice en el español castizo que hablamos ahora ). Hay por lo menos dos papeles que si bien no pueden salvar la version si Norma no es lo que debe ser, pueden si arruinarla si ellos no estan a la altura de sus personajes. Nada de ello ocurrio en esta version-

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En primer lugar hubo el impacto de la deslumbrante caracterizacion vocal y dramatica de EDINEIA OLIVEIRA una mezzo soprano de graves acontraltados y un esplendido registro agudo especialmente cuando lo encara en mezza voce, que usa con particular efectividad dramatica. Ningun terror ofrecieron para ella ni las notas , ni los ascensos y descensos bruscos del grave al agudo o viceversa con los que Bellini parece haberse vengado de alguna mezzo que detestaba, Y para colmo tiene un temperamento dramatico avasallador, siendo visible su total compenetracion, hasta llegar a las lagrimas, con el sufrimiento del personaje. Una creacion mayor. Se pueden objetar algunas notas agudas forte algo metalicas o algun pasaje del agudo al grave donde se sintio el esfuerzo de la “ caja de cambios “ pero son detalles mezquinos cuando se esta en presencia de un logro artistico de estos quilates.

FELIPE CASTILLO DE ORLEANS fue una revelacion para quienes como yo estamos habituados a escuchar tenores con una voz mas dramatica haciendo el Pollione ( pienso en Vickers, Del Monaco, Corelli y hasta en Domingo pese a ser mas lirico que los primeros ) . Demostro que se puede perfectamente cantar el papel y dar todas las notas ( graves y agudas ) sin demostrar esfuerzo ni renunciamiento alguno. Pollione no es un papel para interpretaciones muy profundas, es un personaje un poco bidimensional ( por oposicion a tridimensional ) pero Felipe lo sirvio con la cuota de emocion directa que le es dable expresar dentro de esos limites.

LUCIANO STRAGUZZI tiene una bellisima voz de bajo que seguramente va a dar que hablar. Y llego con solvencia a los extremos agudos y graves exigidos por la partitura, amen de superar con comodidad la sonoridad del coro con el que canta con frecuencia. Dos limitacioens tiene sin embargo : una que es superable seguramente con mayor perfeccionamiento tecnico es que por momentos su voz parece proyectarse hacia dentro de su cuerpo y no hacia el publico, produciendo un extraño efecto de encajonamiento. El otro, que el tiempo corregira , es que es demasiado joven para la parte. Straguzzi es un joven de escasos 30 años supongo , que para colmo luce mas joven que su edad ( hablo de envidia, claro ) y tiene la pinta de un galan de cine, Cuesta visualizarlo asi en directo sin ropas y maquillaje como el maduro padre de Norma. Inclusive su gestualidad, propia del cantante sensible que seguramente es, en algun momento traiciono la extrema juventud del interprete, como por ejemplo su llanto final , bienvenido por lo que representa emotivamente, pero demasiado propio en la manera de llorar, de un adolescente, que Oroveso seguramente no es.

Fue una agradable sorpresa ver a IRENE ABREU la magnifica SANTUZZA de la Sala Goitiño de Montevideo, cantando una Clotilde de lujo con su hermosa y potente voz de mezzo.

El coro y la Orquesta tuvieron un buen rendimiento. Se intuye que Tello esta trabajando con ellos y llevandolos a un nivel que los hagan quedar a la altura de otros coros y orquestas nacionales y se los ve bien encaminados, por mas que en algunos momentos del primer acto algunas sonoridades hayan parecido excesivas. Me gusta mucho la forma de dirigir de Tello, que logra a la vez dar intensidad a la ejecucion sin preocuparse exclusivamene por sonar bien y ademas tiene una consideracion constante por los cantantes, adecuando tanto el volumen como la velocidad de la orqueta a las neceesidades de quienes estan cantando los paples centrales. Es , como por ejemplo el maeestro Vieu, un director que ha comprenddo que la funcion fundamental del regista es apoyar a sus cantantes y no encorsetarlos, una leccion que algunos arrogantes maestros que exigen lo imposible de sus solistas, debieran aprender.

Por ultimo voy a permitirme el atrevimiento de dar un consejo : en las proximas representaciones de Opera en Concierto ( una modalidad que debiera cultivarse con mas frecuencia ) debiera haber igualmente alguien encargado de los movimientos escenicos, aunque mas no sea para unificar criterios. Aquí la exhuberante personalidad de .la mezzo que se lanzo a una representacion totalmente teatralizada ( y excelente ) desentono con las versiones del resto del elenco, que fueron mas parcas en lo teatral, limitandose a algunos movimientos y gestos y a la expreison facial de los sentimientos.

Que pena que pese al alegado federalismo de Argentina, estos esfuerzos provinciales no puedan ser oidos en otras ciudades y que pese al alegado comunitarismo del Mercosur, tampoco puedan ser oidos en ciudades de paises vecinos que quien sabe cuando tendran la oprtunidad de oir una Norma como esta.